La retrospettiva dedicata a Mark Rothko riunisce circa 115 opere provenienti dalle più grandi istituzioni e istituzioni internazionali collezioni private, tra cui la National Gallery of Art di Washington D.C., la famiglia dell’artista e la Tate di Londra. La mostra ripercorre l’intera carriera dell’artista: dagli esordi dipinti figurativi alle opere astratte per cui è più conosciuto oggi. La mostra si apre con scene intime e paesaggi urbani, come visioni di New York metropolitana, che dominano la produzione di Rothko negli anni ’30, prima della sua transizione verso un repertorio ispirato dai miti antichi e dal surrealismo con cui Rothko esprime la dimensione tragica dell’umano condizione durante la guerra. Dal 1946 Rothko compie un importante passo avanti verso l’espressionismo astratto.
Mark Rothko, la prima fase: Multiforms
A poco a poco, questi diminuiscono di numero e di organizzazione spaziale della sua pittura evolve rapidamente verso le opere “classiche” di Rothko degli anni Cinquanta, dove si sovrappongono forme rettangolari secondo un ritmo binario o ternario, caratterizzato da sfumature di giallo, rosso, ocra, arancio, ma anche blu, bianco… Nel 1958, Rothko riceve l’incarico di realizzare una serie di dipinti murali per il ristorante Four Seasons progettato da Philip Johnson per il Seagram Building di New York – la cui costruzione è supervisionato da Ludwig Mies van der Rohe. Rothko in seguito decide di non consegnare i dipinti e li conserva l’intera serie. Undici anni dopo, nel 1969, l’artista dona nove di questi dipinti, che differiscono tra loro dalle precedenti per le loro tonalità rosso intenso – alla Tate, che le dedica una sala le sue collezioni esclusivamente a Rothko.
Mark Rothko alla Fondazione Louis Vuitton
La stanza è stata progettata in stretta collaborazione con lui ed è anche presente nella mostra. Nel 1961, il Museum of Modern Art di New York organizza la prima grande retrospettiva, una mostra che successivamente si reca in diverse città europee (Londra, Basilea, Amsterdam, Bruxelles, Roma, ecc.). Parigi). Negli anni ’60 Rothko accetta altri nuovi incarichi, in particolare la cappella fondata da John e Dominique de Menil a Houston, che viene inaugurato nel 1971 e denominato Rothko Cappella. Mentre Rothko predilige toni più scuri e contrasti tenui fin dalla fine degli anni ’50, l’artista mai abbandona completamente la sua tavolozza di colori vivaci, come testimoniano diversi dipinti del 1967 e dall’ultimo dipinto rosso rimasto incompiuto nel suo studio. Anche nel caso del Black del 1969-1970 e la serie Gray, un’interpretazione semplicistica dell’opera, che associa il grigio e il nero alla depressione e il suicidio, è meglio evitarlo. Queste opere sono esposte nella sala più alta dell’edificio Frank Gehry, accanto ad Alberto Le figure scultoree su larga scala di Giacometti, creando un ambiente vicino a quello di Rothko aveva in mente un incarico Unesco che non venne mai realizzato. La permanenza delle domande di Rothko, il suo desiderio di dialogo senza parole con lo spettatore, e il suo il rifiuto di essere visto come un “colorista” sono tutti elementi che permettono una nuova interpretazione della sua poliedricità lavoro in questa mostra – in tutta la sua vera pluralità.
Buona visita
Curiosità: le citazioni di Mark Rothko
- Mi interessa solo esprimere le emozioni umane fondamentali.
- Sono diventato pittore perché volevo elevare la pittura al livello di intensità della musica e della poesia.
- Nei miei dipinti esistono due caratteristiche; o le loro superfici sono espansive e si spingono verso l’esterno in tutte le direzioni, oppure le loro superfici si contraggono e si precipitano verso l’interno in tutte le direzioni.
- La mia arte non è astratta, vive e respira.
- Ho sempre sostenuto che se mi fosse stato dato uno spazio chiuso in cui avrei potuto circondarlo con il mio lavoro, esso sarebbe stato sarebbe la realizzazione di un sogno che ho sempre coltivato.
- Mi sembra che il nocciolo della questione… sia come dare a questo spazio che proponi la massima eloquenza e l’intensità di cui sono capaci le mie foto.
- Vorrei dire a chi considera sereni i miei quadri… che ho imprigionato la violenza più totale in ogni centimetro della loro superficie.
- Senza intraprendere il viaggio, lo spettatore ha davvero perso l’esperienza essenziale del quadro. Non mi interessa il colore.
- È la luce che cerco. Poiché sono coinvolto con l’elemento umano, voglio creare uno stato di intimità.
- Le immagini di grandi dimensioni ti coinvolgono loro. Per me la scala è di enorme importanza: la scala umana.
- Per noi l’arte è un’avventura in un mondo sconosciuto, che può essere esplorato solo da chi è disposto a correre dei rischi.
