Trinity Fine Art London, especialista en pinturas de maestros antiguos europeos y pinturas del siglo XIX, esculturas y obras de arte del siglo XV al XIX, expondrá en TEFAF, la feria de arte y antigüedades líder en el mundo, en el Centro de Congresos y Exposiciones de Maastricht (MECC), del 5 al 15 de marzo de 2020, stand 379.
Protagonista principal en la evolución del estilo rococó, Sebastiano Ricci revitalizó la pintura veneciana a principios del siglo XVIII, basándose en la obra brillante y de colores vivos de su predecesor Paolo Veronese y combinándola con su propio estilo más libre y espontáneo. Por esta razón, fue muy buscado por coleccionistas y conocedores de toda Europa, y la demanda de su obra se incrementó con sus extensos viajes por Italia y el extranjero.
La obra monumental actual, que fue redescubierta después de estar perdida durante 60 años, se puede fechar en el siglo XVIII, momento en el que la obra de Ricci mostró una estrecha afinidad con la del pintor genovés Alessandro Magnasco.. Muestra a Ricci en el apogeo de sus poderes compositivos y como colorista en esta representación de la historia de los lapitas y los centauros de las Metamorfosis de Ovidio, que fue una elección popular desde el Renacimiento en adelante tanto para los artistas como para sus seguidores humanistas, ya que simbolizaba la victoria. de la civilización sobre la barbarie que el intelecto triunfa sobre la lujuria. La presente pintura representa el momento en que estalla la batalla entre los lapitas, una legendaria tribu griega, y los centauros, una raza mitológica de criaturas mitad humanos, mitad caballos. El altercado tiene lugar durante la fiesta de bodas de Pirithous, rey de los lapitas, que los había invitado a la fiesta para celebrar su compromiso con Hippodamia para fomentar las buenas relaciones con los centauros. Algunos centauros, se emborracharon en la fiesta de bodas, y cuando la novia se presentó para saludar a los invitados, excitó tanto la euritión del centauro borracho que éste saltó e intentó llevársela, lo que incitó a todos los demás centauros a hacer lo mismo comenzando de ahí la batalla entre ellos y los ultrajados lapitas.
Las figuras se persiguen y apuñalan con lo que tienen a mano, utilizando vasijas de vino y utensilios de la fiesta, cuya mesa aún está puesta, se muestra al fondo. Emociones dramáticas y movimientos violentos se representan en la masa en escorzo de figuras caóticas, semidesnudas, que luchan caóticamente, en medio de las cuales, un ojo es guiado por los montantes y diagonales formados por los brazos y cuerpos de los combatientes. Los colores brillantes utilizados son típicamente venecianos en su brillo con una pincelada parpadeante tan a menudo vista en la pintura veneciana., los rojos brillantes guían la vista hacia la composición y los blancos de los cuerpos, extremidades y estatuas de fondo de los centauros nos llevan a un paisaje celeste brillantemente iluminado que contrasta con la lucha de claroscuro debajo que agrega dramatismo y profundidad a la escena.
En la década de 1880, el célebre pintor académico francés Jean-Léon Gérôme comenzó una serie de imágenes de animales con leones, tigres y otros grandes felinos. El asombroso número de estas obras producidas durante las próximas dos décadas las establece como un subgénero importante dentro de la obra del artista, con un significado tanto histórico y personal como artístico. La presente pintura es un boceto al óleo de una obra terminada, pintada en 1883 como regalo para su hija y ahora en el Museo de Arte de Milwaukee y sirve como un ejemplo instructivo del riguroso método de trabajo del artista, sus investigaciones inesperadamente "modernas" del color. y ligero.
Los coleccionistas europeos adinerados encontraron mucho que admirar en estas obras exóticas y vagamente orientalistas, incluida una oleada de emoción, una emoción placentera y un escape momentáneo de sus vidas urbanas modernas. Fueron vistos como un símbolo de la batalla entre la civilización y el salvajismo, Oriente y Occidente y en este contexto cargado, La pintura de Gerome se convierte en una pintura simbólica de la historia, especialmente en una declaración política en la que Napoleón se enfrenta a su destino en el exilio.
También es interesante la comparación con la obra del mismo tema del pintor alemán Otto Friedrich Georgi: aislando y agrandando al león macho, eliminando todo signo de presencia humana y animando el paisaje desolado a través de vigorosas pinceladas, Gérôme eleva la composición de meditación histórica y descriptiva hasta una meditación ininterrumpida sobre la gloria de la naturaleza y un estudio extraordinariamente vanguardista del color, el clima y la luz.
El dios del río es una adición importante al cuerpo de trabajo de "Unruly Children", un artista manierista anónimo a quien los estudiosos han atribuido doce piezas similares, todas con Baco y un dios del río.
El Maestro estuvo activo en Florencia en la primera mitad del siglo XVI, probablemente un colaborador cercano de Niccolò Tribolo pero estilísticamente cercano a Miguel Ángel y Giovan Francesco Rustici. Se especializó en esculturas de terracota a pequeña escala, un género que surgió en la primera mitad del siglo XV en Florencia y del que fue pionero Lorenzo Ghiberti, ya que el uso de la arcilla era fundamental para la producción de bronces y también podía modelarse para replicar imágenes que cuando se cocían, pintaban y doraban, proporcionaban una alternativa económica a los materiales más caros, como el mármol y el bronce.
Estas pequeñas esculturas no estaban pensadas como preparatorias para obras más grandes, sino que fueron coleccionadas por un pequeño círculo de conocedores que las querían por su valor decorativo. Por esta razón, a menudo se han tomado directamente de los antiguos, pero en este caso particular la iconografía es completamente nueva. Sin embargo, esta composición evoca célebres prototipos contemporáneos como las figuras yacentes de las Horas del Día de Miguel Ángel en la Sacristía Nueva de San Lorenzo en Florencia ejecutadas en 1524 y 1531. El Dios del Río debe ubicarse en este mismo marco cronológico y círculo artístico.
Además de la evidencia estilística, existe un acta notarial fechada en 1523, que registra la evaluación realizada por los mencionados Tribolo y Rustici, sobre cuatro esculturas de Sandro di Lorenzo, con las que ahora se identifica al Maestro de los niños rebeldes. Entre estas esculturas se encuentra un Baco, cuya descripción detallada y medidas en los documentos notariales coinciden estrechamente con el colgante de la presente escultura, así como con las otras dos representaciones conocidas del mismo tema por la misma mano.
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