Le Galerías de Italia – Piazza Scala, sede del museo de Intesa Sanpaolo en Milán, presente dal 25 de octubre de 2019 al 15 de marzo de 2020 la exposición Cánova | Thorvaldsen. El nacimiento de la escultura moderna., Editado por Stefano Grandesso y Fernando Mazzocca.
Realizada en colaboración con el Museo Thorvaldsen de Copenhague, el Museo Estatal del Hermitage de San Petersburgo, la exposición es posible gracias a la contribución de préstamos fundamentales concedidos por museos y colecciones privadas italianos y extranjeros. Solo por nombrar algunos: la Biblioteca Apostólica del Vaticano, la Galería Uffizi en Florencia, el Museo J. Paul Getty en Los Ángeles, el Museo Nacional del Prado en Madrid, la Pinacoteca di Brera y la Pinacoteca della Veneranda Biblioteca Ambrosiana en Milán, el Metropolitan Museum de Nueva York, las Galerías Nacionales de Arte Antiguo de Roma, la Gallerie dell'Accademia de Venecia. Un núcleo sustancial de obras proviene también del Museo Antonio Canova y Gipsoteca de Possagno que tiene previstas importantes iniciativas para las celebraciones del 200 aniversario de la muerte del maestro.
La exposición propone una comparación, nunca antes intentada, entre los dos grandes protagonistas de la escultura moderna en la época neoclásica y romántica: el italiano Antonio Canova (1757-1822) y el danés Bertel Thorvaldsen (1770-1844), los dos "clásicos modernos capaz de transformar la idea misma de la escultura y su técnica, creando obras inmortales que se han popularizado y reproducido en todo el mundo.
El terreno en el que originalmente se enfrentaron los dos ilustres maestros fue el suelo romano, donde ambos desarrollaron buena parte de sus carreras: Canova llegó a Roma en 1781 y allí murió en 1822, mientras que Thorvaldsen se instaló allí a partir de 1797 para la próximos cuarenta años.
Aquí, los dos artistas se embarcaron en uno de los desafíos más conocidos y productivos sobre temas y temas idénticos que darán al arte algunas obras maestras: las figuras de la mitología clásica, como Cupido y Psique, Venus, Paride, Ebe, Gracias., representó en la imaginación común la encarnación de los grandes temas universales de la vida, como el breve viaje de la juventud, el encanto de la belleza, los halagos y desengaños del amor.
El elogio con que ambos fueron recibidos por la crítica contemporánea es emblemático de una civilización que miraba a lo antiguo, pero que al mismo tiempo aspiraba a la modernidad, dualidad que supieron interpretar y orientar con maestría: Canova había sido el artista revolucionario. , capaz de garantizar a la escultura una primacía sobre las demás artes, en el signo de la comparación y superación de lo antiguo; Thorvaldsen, mirando la obra y estrategia de su rival, se inspiró en una idea más severa y austera del clasicismo, iniciando una nueva temporada del arte nórdico, inspirado en las civilizaciones mediterráneas.
Ambos habían sabido liberarse de la constricción que el cliente tradicionalmente imponía a la escultura por los elevados costes del mármol o del bronce, fundando grandes estudios que tenían las dimensiones de talleres complejos, con numerosos colaboradores y alumnos: con las innovaciones técnicas introducidas por Canova y utilizado a gran escala por Thorvaldsen -creando un modelo de yeso antes de la estatua de mármol-, el escultor adquirió por primera vez la libertad de expresar su propia poética en la estatua, creada sin encargo.
A través de más de 150 obras divididas en diecisiete secciones la exposición pretende documentar la extraordinaria complejidad de las creaciones de Canova y Thorvaldsen, destinadas al coleccionismo de alto perfil tanto italiano como internacional, y el enorme seguimiento que tuvo su escultura, proponiendo continuas comparaciones con otros artistas de todas las nacionalidades.
La primera sección trata el tema de La imagen del artista. los autorretratos, con las obras realizadas por los dos artistas en tres momentos: al inicio de sus carreras, cuando ya se habían consolidado, y las creadas en la madurez. Canova se representó a sí mismo como escultor y pintor en una serie de pinturas. Thorvaldsen nos ha dejado en unos dibujos una imagen más íntima de su rostro con rasgos románticos. Pero los dos retratos oficiales son aquellos en los que están representados en dos bustos de carácter heroico, es decir, más grandes que el natural, a la antigua usanza: dos retratos de auto-celebración, proyectados en una dimensión atemporal, pero también animados por una gran carga introspectiva.
Continuamos con la sección de Los estudios de Canova y Thorvaldsen en Roma, con una serie de obras que hacen referencia a los talleres reales en los que trabajaron los dos maestros en el centro de Roma: se exponen las obras de Francesco Chiarottini, Johan Vilhelm Gertner, Hans Ditlev y Christian Martens, Gaetano Matteo Monti, Friedrich Nerly, Ferdinand Richardt, Pietro Tenerani, quienes atestiguan cómo el estudio se ha convertido para Canova y Thorvaldsen en una especie de museo de artistas, donde pueden exhibir sus obras y modelos de yeso para copiar.
Las siguientes secciones, dedicadas a retratos, en su mayoría a los atribuidos a los dos escultores, dan testimonio de un fenómeno que en número y calidad no tiene igual en la historia del arte, justificado por la admiración de que fueron objeto. Canova aparece simultáneamente como el artista de fama universal y la personificación de la identidad nacional italiana. Thorvaldsen, el Fidias nórdico, es el referente del renacimiento del arte germánico y nórdico en general.
En la tercera sección, la gloria de canova, una serie de efigies, obras de Andrea Appiani, Giuseppe Bossi, Giovanni Ceccarini, Hugh Douglas Hamilton, Angelica Kauffmann, John Jackson, Giovanni Battista Lampi Junior, Thomas Lawrence, Ludovico Lipparini, tienen como tema a Antonio Canova, imágenes muy diferentes que revelan la grandeza del artista, a veces representado junto a sus obras, y la admiración por él. Emblemática es la estatua monumental, situada en el centro de esta sección, en la que Canova no aparece vestido con ropa moderna como en los otros retratos, sino sentado y semidesnudo con un cuerpo atlético, junto a la cabeza anciana del llamado Júpiter de Otricoli.
Se continúa con Retratos en el escenario, que reúne retratos de carácter festivo incluidos los de los dos artistas posando con sus trajes de gala (tres de Rudolph Suhrlandt y uno de Jacob Munch), pero también las obras de François Xavier Fabre con Ugo Foscolo, Vittorio Alfieri, Antonio Canova identificado como las grandes glorias de Italia; allá Venus italiana y el retrato de María Luigia de Habsburgo y yeso para el Monumento a Vittorio Alfieri, todas de Canova, marcan la última gran temporada del retrato alegórico como una apoteosis pasada de moda.
Se presta especial atención en la sección quinta, Iconos populares. La imagen multiplicada de las obras maestras, a la circulación de reproducciones realizadas por otros artistas en todos los materiales y técnicas, desde las reducciones en bronce hasta los grabados. Junto a los dos relieves en cera de Canova y el pequeño retrato en cera de Thorvaldsen de Giovanni Antonio Santarelli, así como cinco figuras de cera de Benedetto Pistrucci, reproducciones de obras de Antonio Canova, hay una medalla de oro de Christen Christensen con la imagen de Thorvaldsen en el anverso y Galatea presenta Dinamarca a Cupido con la lira de Thorvaldsen en el reverso, en comparación con una medalla de bronce de Giuseppe Girometti con un tema de Canova.
Se da un lugar destacado a las reducciones de bronce dorado utilizadas como muebles excepcionales: mientras Desiderio Cesari retrata al maestro danés con esta técnica, se exhibe uno de los temas predilectos de Canova, unEbe realizada por la fábrica Strazza and Thomas, en comparación con la realizada sobre el modelo de Pietro Galli, por Thorvaldsen, por Wilhelm Hopfgarten y Benjamin Ludwig Jollage, de la que también se exhibe Jasón con el Vellocino de Oro.
La sección concluye con litografías con temas religiosos y retratos de estilo neoclásico de Michele Fanoli de la Biblioteca Nacional de Braidense, que fueron editados y distribuidos por todo el mundo, testimoniando la vastedad y versatilidad de la producción de Canova.
En la sexta sección La gloria de Thorvaldsen, en torno a la efigie monumental de cuerpo entero delAutorretrato con la Estatua de la Esperanza, donde el artista supo revivir la misteriosa belleza del arte griego de la época arcaica, encontramos efigies que lo retratan o que reproducen sus obras de Karl Begas, Ditlev Conrad Blunck, Vincenzo Camuccini, Johan Vilhelm Gertner, Alessandro Puttinati, Carl Adolf Senff, Horace Vernet, Carl Christian Vogel von Vogelstein y Emil Wolff: la imagen de Thorvaldsen se hizo extraordinariamente popular alimentando el mito del escultor que, venido del norte, se había convertido en intérprete de un ideal de belleza clásico y mediterráneo.
La primacía de la escultura y la celebración del genio se centra en la fortuna que cobró el género escultórico gracias a Canova y Thorvaldsen, presenciada tanto a nivel ilustrativo como alegórico, sobre mármol y sobre lienzo, por Giuseppe Borsato, Carl Dahl, Giacomo De Maria, Julius Exner, Constantin Hansen, Leopold Kiesling, Tommaso Minardi, Giuseppe Sabatelli, LA Smith, Fritz Westphal. Se han utilizado alegorías de derivación clásica para celebrar el poder de las artes y en particular de la escultura como la que más logra imitar y competir con la Naturaleza, creando figuras tridimensionales capaces de vivir en el espacio.
También hay retratos de Canova donde se le celebra en las solemnes ceremonias oficiadas por su muerte, vivido como luto nacional, y en los monumentos que lo recordarán como el genio universal. También Thorvaldsen, a su regreso a Copenhague, fue agasajado como un dios y se le dedicó un museo personal, un honor nunca antes concedido a un artista vivo.
En el gran salón central, en torno al cual gira la exposición, Las Gracias y la danza, la sección dedicada a la sensacional comparación, nunca antes propuesta, entre las dos famosas obras maestras, los dos grupos de mármol de Gracias donde Canova y Thorvaldsen expresaron mejor su ideal de belleza. Al concepto de gracia como movimiento, variedad y sentimiento del grupo de Canova del Hermitage, Thorvaldsen responde reafirmando su austero ideal de casta sencillez con Las Gracias con Cupido, del Museo Thorvaldsens. Estas dos obras están rodeadas de una coreografía de cuatro figuras en la que Canova, Thorvaldsen y uno de sus seguidores, Gaetano Matteo Monti, han representado el motivo de la danza, una gran novedad por ser un tema nunca antes abordado en la escultura.
Los retratos como espejo de una época rastrea la vasta producción de retratos en mármol de Canova y Thorvaldsen, restaurando la imagen de los personajes más destacados de la época, soberanos, aristócratas, coleccionistas, artistas y hombres de letras que querían ser inmortalizados en rasgos idealizados. A pesar de la idealización, estos rostros no aparecen fríos, sino animados por una extraordinaria capacidad para transmitir la psicología de los personajes.
Otro tema querido por los dos escultores se ejemplifica en la sección Venus y el triunfo de la belleza. Canova, Thorvaldsen y su seguidor Mathieu Kessels son comparados en la representación de Venus, la diosa del amor. Sobre todo Canova se decantó por este tema, representando en varias estatuas, ligeramente diferentes entre sí, el motivo de Venus que, saliendo del baño, trata de cubrirse de las miradas indiscretas. De esta forma pretendía transmitir la emoción que uno siente cada vez que aparece la belleza. La diosa de Canova aparece más femenina y por tanto más sensual que la de Thorvaldsen que, en su absoluta desnudez, sigue siendo una divinidad: una Venus victoriosa que, perfectamente quieta, muestra triunfante la manzana de la victoria que le ha sido concedida en el famoso concurso.
La sección undécima, Amor Vincit Omnia. La representación del amor., examina uno de los temas más amados en la escultura y la pintura entre el Neoclasicismo y el Romanticismo, a saber, el del Amor o Cupido. Símbolo de gracia sensual, belleza intacta e inocente, con cuerpo de adolescente o de niño, la figura de Cupido ofreció una oportunidad de virtuosismo único en la representación de las alas, que hacen de estas imágenes extraordinariamente seductoras. Thorvaldsen y su seguidor Wolff representan al Amor como una deidad victoriosa orgullosa de su triunfo, haciendo así que el poder de este sentimiento universal domine la vida y el destino del hombre. Particularmente apreciados y solicitados fueron los bajorrelieves en los que Thorvaldsen pudo plasmar el antiguo mito de Amor infantil consolado por Venus o como emblema, junto a Baco o Anacreonte, de las estaciones, donde se investiga la belleza juvenil junto a los recursos alegóricos del mito, para simbolizar que siempre hay un tiempo para amar. En el'Apolo coronándose a sí mismo, un experimento temprano de Canova llevado a cabo en el taller de Roma en 1781-82 y conservado hoy en el Museo Getty de Los Ángeles, y en elApolo recientemente redescubierta, la atención al movimiento es más acentuada. También se exhiben obras sobre lienzo de José Álvarez Bouquel, Francesco Hayez, CF Høyer, Mathieu Kessels, Joseph Paelinck, Julien de Parme, Emil Wolff.
Siguiendo la estela de Cupido, las dos secciones están íntegramente dedicadas a los temas favoritos de los dos escultores: la duodécima a la Cupido y Psique y el decimotercer anuncio Así que lo que.
En el primero, En el signo de la gracia. Amor y Psique, el tema se declina en las obras sobre lienzo y mármol de Giovanni Maria Benzoni, Agostino Comerio, François Pascal Simon Gérard, Felice Giani, Johan Tobias Sergel que enmarcan el célebre grupo Canova en el Hermitage Amor y Psique de pie junto con Psique con el jarrón de Thorvaldsen. El abrazo de los dos amantes se plasma en los dos grupos de mármol de Canova y Thorvaldsen de forma muy distinta. Mientras que en el primero su atención parece concentrarse en la mariposa, identificada como emblema del alma, en el segundo su mirada se dirige al jarrón, identificado como objeto misterioso y elemento clave del mito. En comparación con la atractiva sensualidad de la creación de Canova, la obra del escultor danés parece caracterizarse por una gracia más desapegada.
En el segundo, Figuras voladoras. Hebe copero de los dioses, las obras de Vincenzo Camuccini, Gavin Hamilton, John Gibson, Gaspare Landi, Pietro Tenerani ofrecen información sobre laEbe canoviana del Hermitage y de las tres obras (estatuas y relieves) de Thorvaldsen en las que aparecen Ebe, Hércules, Justicia e Júpiter.
La figura de Hebe, identificada como símbolo de la eterna juventud, no tenía, a diferencia de Venus, Cupido y Psique, una tradición iconográfica que se remontara a la antigüedad en la que pudieran inspirarse Canova y Thorvaldsen. En la era neoclásica, Ebe tuvo un éxito considerable en la pintura, especialmente entre los artistas ingleses, como lo demuestra el ejemplo de Gavin Hamilton, considerado uno de los primeros seguidores de Canova. Frente a la extraordinaria fuerza dinámica de la estatua de Canova semidesnuda y con ropas transparentes que el viento hace adherir al cuerpo, sobresale la castidad inmóvil de la Hebe de Thorvaldsen, encerrada en su belleza melancólica y espiritual.
Un capítulo aparte, Los grandes mecenas. Napoleón y Sommariva, se centra en el encargo de los dos maestros: mecenas como Napoleón y su familia y el gran coleccionista lombardo Giambattista Sommariva, que adquirió numerosas estatuas de Canova y recibió su obra maestra de Thorvaldsen, El triunfo de Alejandro en Babilonia encargado por Napoleón para el Quirinale pero luego ejecutado para la villa de Tremezzo en el lago de Como. Gracias a Sommariva y otros mecenas, ambos artistas tuvieron una relación privilegiada con Milán. Al retratar a Napoleón, Canova intentaba transmitir el encanto del héroe, del hombre del destino, mientras que Thorvaldsen deificaba al emperador representándolo como Júpiter con un águila. Sommariva está representada en el magnífico retrato de Prud'hon inspirado en los de grandes coleccionistas ingleses que habían hecho retratar a Batoni junto a las antiguas estatuas admiradas en Roma.
Continuamos con los temas queridos por Thorvaldsen, con El encanto de la eterna juventud. Ganímedes: el tema favorito del maestro, complementario al de Hebe, nunca fue considerado por Canova. El danés hizo de ella la imagen masculina de una belleza adolescente símbolo de la eterna juventud, experimentando con diferentes formas de representarla, influyendo en pintores y escultores contemporáneos, como es el caso de las obras de Camillo Pacetti, presentadas en la exposición.
El legado romántico. el pastor errante resume, con obras dedicadas a la belleza natural y el carácter sentimental de los temas arcádicos y pastorales de Hippolyte Flandrin, John Gibson, Aleksandr Andreevic Ivanov y Bertel Thorvaldsen, el legado de rasgos estilísticos y modelos de universalidad atemporal del lenguaje de Canova y Thorvaldsen. Aquí, las características más idealizadas de Ganímedes son reemplazadas por las más naturales del pastorcillo que en la versión de la Galería de Arte de Manchester todavía descansa sobre su pedestal original diseñado por Flaxman. En el fauno representado por el mejor seguidor de Thorvaldsen, Pietro Tenerani, seduce a la verosimilitud en vivo mientras toca música que parece calmar sus miembros. Del mismo modo, el sueño le da un sentimiento de melancolía a la figura del pastor triste y soñador de Gibson. Encontramos la misma languidez en el joven pastor pintado por Flandrin, nostálgico de una Arcadia perdida.
Finaliza el itinerario expositivo la espléndida serie de 13 bajorrelieves de yeso de Canova expuestos de forma permanente en la Gallerie d'Italia y pertenecientes a la colección del siglo XIX de la Fundación Cariplo. En ellas inmortalizan escenas míticas y representaciones de algunos preceptos de la filosofía socrática.
