La escultura siempre se ha considerado un arte difícil de entender y por tanto también de coleccionar. La preferencia es por obras de pequeño y mediano tamaño, por tanto fáciles de ubicar en una residencia, mientras que, por otras de reconocida monumentalidad, siempre ha entrado en obras públicas e institucionales. No hay plaza importante que no tenga su piedra, mármol, bronce o metal para conmemorar a alguna figura de culto o héroe. Aquí el recuerdo de un evento que no quieres olvidar, participa inmóvil mientras el tiempo transcurre lentamente. Ahora escultura es también diseño, arquitectura y forma de contemporaneidad. Pero su historia se remonta a mucho tiempo atrás.
En siglos pasados, los escultores utilizaban únicamente materiales que se prestaban a ser modelados, como la arcilla. O materiales más duros como la piedra o el mármol que, sin embargo, bajo las hábiles manos de un cantero podrían transformarse en formas armoniosas. Mientras que hoy en día, los escultores modernos se han expandido para usar también otros materiales, como acero o resinas, hasta sustancias biológicas que perecen con el tiempo.
En la antigüedad, el término "artifex" se refería tanto al artista como al escultor, mientras que el término "operarius" se dirigía al trabajador. Pero a menudo, se acuñaron en una sola figura capaz de modelar y dar forma a la materia. Así también el cantero castellano y los escultores franceses pertenecían a la misma clase, eran igualmente dignos de representación.
A mediados del Renacimiento, Donatello era llamado "scarillador" o cantero, mientras que Leonardo, en su Comparación entre las artes, sin dudarlo colocó la "pintura sobre la escultura". Y mientras da Vinci meditaba sobre los principios que regían la actividad escultórica, Miguel Ángel, veintitrés años más joven, creaba sus más bellas obras escultóricas. Recordemos entonces a Cellini, Vasari, Pigalle, Bouchardon o Bernini. Posteriormente, Falconet y Canova, para llegar al siglo XIX con Rodin e Hildebrand. En el siglo siguiente, el XX, las formas están influenciadas por el período histórico. Las obras deben recorrer el tiempo, el espacio y deben deshacerse de cualquier excrecencia hasta volverse conscientes y puras en una forma compleja y completa como la de Moore, Harp, Boccioni. El espacio se convierte así en uno de los atributos fundamentales de la escultura en este último siglo.
Hoy, la escultura es proyectar y dibujar en el espacio con la ayuda de nuevos métodos, utilizando ese espacio y construyendo con él, como si fuera un material de nueva generación. De ahí las nuevas formas que a veces son performativas como las de Anish Kapoor o contextualizando la simbología que ha entrado en nuestro nuevo mundo, véase Jeff Koons, con sus grandes corazones de metal soldado y coloreado que parecen globos inflados y suspendidos en el aire y huevos rotos. .
Su plasticidad ya no retoma ninguna iconografía mitológica o religiosa como en la antigüedad, sino que se expresa únicamente en formas que evocan objetos, naturaleza descompuesta, para llegar a elementos aparentemente de uso, invadiendo a veces el significado del diseño. Sin embargo, tiene en sí mismo una severa rigidez de pensamiento, porque siempre se mantendrá respetuoso de la forma y las proporciones. En ella reside la perfección, ya sea percibida o imaginada. Tenemos que rodearlo para entender que vive en el espacio, que le habla a cualquiera que lo observe, que juega su papel de gran actor escénico. Y cuando se vuelve monumental entonces da paso a la arquitectura, cuando en cambio es pura creación artística de líneas, objetividad y usabilidad entonces es diseño.
Pero la escultura aún se transforma, participa de la vida social en espacios donde las personas también pueden reflejarse en ella, como en la obra del artista indio Kapoor "Cloud Gate" de Chicago. Una puerta real que existe y no está, pero que, pasando por debajo o rodeándola, refleja la vida del visitante, de la que ya no puede escapar. Mientras las luces del día arreglan los edificios y las luces de la noche los cielos, una obra que cambia cada día, que inmortaliza la vida pero nunca la arregla. Un largometraje sin película.
Por eso cada vez encuentra menos lugar en los espacios privados, como las obras insertadas en el rincón de la casa o sobre la mesa, porque desde hace años han sido sustituidas por objetos de diseño, cada vez más coloridos y que además tienen un uso, dan luz o danos nos permiten sentarnos.
En realidad creo que ha habido un verdadero abuso del término "diseño" que, según un léxico de moda, se refiere a todo lo que tiene una línea estilística, redonda o cuadrada, Made in Italy o China, da igual. Si bien el verdadero Diseño es otra cosa, es arte donde su inspirador, el diseñador, ha sabido captar lo esencial y ha producido una limpieza extrema del objeto creado.
Incluso en la moda se habla cada vez más de "ropa de escultura" y "diseño de moda", pero ¿cuál será el significado real?
Los vestidos escultura parten de conceptos muy antiguos, una reelaboración de trajes antiguos, en formas y líneas, basta pensar en estilistas japoneses como Issey Miyake que cruza los espacios de los materiales utilizados con los vacíos creados como arquitecturas reales. Lo mismo ocurre con el diseño aplicado al diseño de cualquier accesorio, y si las reglas son estrictas el producto no solo será exitoso sino también duradero, un ejemplo es la Maison Hermes, líneas sin pensarlo dos veces.
En todo ello, las reglas están dictadas por los principios del pensamiento creativo inspirado en la naturaleza y por el pensamiento humano que trata de interpretarla con cualquier disciplina.
Mientras tanto hay Huevos de pascua -mejor si se rompen- que se subastan a precios elevados.
