De Thiebaud a Manzoni, arte contemporáneo en subasta en Nueva York (Sotheby's)

La subasta presenta 51 lotes que han estado en exhibición pública desde el 1 de noviembre en las galerías de Sotheby's York Avenue, junto con la Subasta de Arte Contemporáneo y las ventas de noviembre de arte impresionista y moderno.

Aquí hay algunas obras de la subasta de Arte Contemporáneo:

Ejecutado en un momento crítico en la carrera de Willem de Kooning, Sin título XXII de 1977 representa la cúspide de la producción madura del artista. Agotado por el ruido y la tensión de la vida de Manhattan durante la primera parte de su carrera, de Kooning pasó los veranos en East Hampton a partir de 1959 y se mudó permanentemente a Springs en 1963 para sumergirse en el ambiente tranquilo y lleno de luz. Si bien Untitled XXII sigue siendo abstracto, evoca la esencia, los recuerdos y la experiencia del entorno oceánico y pacífico de De Kooning que cautivó al artista, recordándole el hogar de su infancia en Holanda. Marcando el regreso del artista a la pintura después de una pausa centrada en el dibujo y la escultura, Untitled XXII es parte de un estallido explosivo de creatividad que ha producido un cuerpo ilustre de lienzos a gran escala empapados de color que se encuentran entre los más icónicos de la carrera de de Kooning.

Blue Over Red representa el primer año de trabajo crítico de Mark Rothko de 1953 para ser subastado en más de una década (estimación de $ 25/35 millones). La pintura representa un período crítico de desarrollo en la primera mitad de la década de 50, inmediatamente después de su traslado a un nuevo estudio en la parte trasera del MoMA, donde pintó algunas de sus exploraciones de color más innovadoras. Blue Over Red fue adquirida directamente del artista en 1957 por el legendario marchante y coleccionista Harold Diamond, y posteriormente pasó décadas con los coleccionistas de Baltimore Israel y Selma Rosen, quienes ofrecieron la obra a subasta en 2005 cuando se vendió por 5,6 millones de dólares. Ha permanecido en la misma colección privada desde 2007.

El PH-399 demuestra la innovación radical del trabajo visionario de Still. Pintado en 1946, el mismo año de la primera exposición individual del artista en Nueva York, el presente trabajo es un hito temprano en la práctica de Still. PH-399 marca no solo la realización del estilo característico de Still, sino también la inauguración del expresionismo abstracto: durante 1946, Mark Rothko recibiría su primera exposición individual en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, pinturas de Jackson Pollock aparecen para el por primera vez en la exposición anual del Museo Whitney de Nueva York, y el crítico de arte Robert Coates acuñaría formalmente el término "expresionismo abstracto" en
The New Yorker como un medio para describir el nuevo movimiento que, en los próximos años, surgiría como la modalidad de arte predominante de la Escuela de Nueva York y el mundo del arte en general.
Como testimonio de la importancia del presente trabajo, el propio Still seleccionó PH-399 para incluirlo en su exposición fundamental de 1959, Paintings by Clyfford Still, organizada por la Galería de Arte Albright-Knox en Buffalo. Curada personalmente por el artista, esta exposición fue la primera investigación a gran escala de Still y sigue siendo una de las exposiciones más importantes de su carrera. Cuando se le pidió que posara para una fotografía dentro de la exposición, Still eligió pararse frente a PH-399, consolidando su estatus como una representación singularmente icónica no solo de su célebre producción, sino también dentro de la narrativa mítica y del desarrollo de la posguerra. cuadro.

Emergiendo de un recuerdo dorado de la infancia, los postres bellamente coloridos de Wayne Thiebaud dispuestos en un estilo clásico de restaurante o cafetería son un motivo que inventó en 1961, y que ha vuelto a visitar a lo largo de casi siete décadas. Estos objetos alegres y distintivos del consumo de la clase media evocan una sensación de exuberancia y prosperidad de la década de 60. La subasta de la tarde ofrecerá a los pasteles cobrados de Thiebaud su primer contador de pasteles que ha estado apareciendo en subasta desde 1997. Con una impresionante altura de 72 pulgadas, la obra también es excepcionalmente grande dentro de la obra del artista, y ha permanecido en la misma colección privada distinguida desde que fue adquirida directamente por el artista en 2011, el año en que se completó.

"No alcanzo a comprender a los pintores que, aun declarándose interesados ​​por los problemas modernos, todavía hoy miran un cuadro como si fuera una superficie a llenar de color y de formas según un gusto que se puede apreciar más o menos y que es más o menos entrenados […]. La pintura se completa así y una superficie con posibilidades ilimitadas se reduce finalmente a una especie de recipiente en el que el color antinatural y el significado artificial se fuerzan y comprimen. ¿Por qué no vaciar este destinatario en su lugar? ¿Por qué no limpiar la superficie? ¿Por qué no tratar de descubrir el significado ilimitado del espacio total? ¿De luz pura y absoluta? (El artista mencionado en “Dimensión libre”, Azimut 2, 1960)
“Una de las dos obras ya ha sido exhibida en muchas exposiciones prestigiosas, mientras que la otra [la presente obra] estuvo oculta hasta hace no mucho tiempo. Dos lienzos de una fuerza tan extraordinaria, capaces de dejarme sin aliento la primera vez que los vi juntos en una habitación de Zúrich…” (Rosalia Pasqualino di Marineo, ed., Piero Manzoni: The Twin Paintings, Nueva York, 2017, p. 7)
Ejecutado en 1959, el presente trabajo se encuentra entre los ejemplos más monumentales y visualmente convincentes de la innovadora serie Acrome de Piero Manzoni. Representando la máxima expresión de la filosofía central de Manzoni, Achrome encarna sorprendentemente la investigación teórica y técnica del artista para liberar a la pintura de las limitaciones de la representación y los gestos forzados. Como argumenta el influyente crítico de arte italiano Germano Celant: “Achrome de Manzoni aspiraba a cortar el cordón umbilical entre el artefacto y el creador; pretendía reducir la dependencia del arte del artista… los Achromi no representan ninguna tonalidad, ninguna memoria cromática. Nada que pueda recordar la naturaleza de la pasión del artista”. (Exh. Cat., Londres, The Serpentine Gallery, Piero Manzoni, 1998, p. 22) Concebido por primera vez en 1957 como un rechazo consciente a la acción machista del expresionismo abstracto en los Estados Unidos y los gestos pictóricos del arte informal en Europa, las pinturas de Achrome representan el intento de Manzoni de separar completamente la superficie pintada de la participación activa del artista y de superar el fetichismo del gesto artístico con un gusto contemporáneo. Como tales, las pinturas de Achrome ocupan una posición de significado incuestionable: la primacía ilimitada de la forma material cristalizada como puro significante postula uno de los gestos conceptuales más radicales en la historia del arte del siglo XX. Con más de 50 pulgadas de ancho, el Achrome de 1959 es una verdadera obra maestra de este venerado y ambicioso corpus. De las aproximadamente trescientas obras compuestas de caolín sobre lienzo, la presente obra es una de las únicas nueve piezas ejecutadas en proporciones tan monumentales; otros de este grupo residen en colecciones estimadas como el Centro Pompidou, París; la Galería Cívica de Arte Moderno y Contemporáneo de Turín; el Museo Moderner Kunst, Stiftung Ludwig, Viena; y la Colección Rachofsky en Dallas. Lleno de vetas suaves y pliegues líricos, Achrome evoca inmediatamente una sensación de solidez escultórica y una ligereza etérea; sin embargo, desprovisto de significantes o vínculos con la representación, Achrome no es más que su propia existencia, una tabula rasa emancipada, vacía de alegoría, alusión y expresión narrativa.
La presente obra pertenece a un importante par de pinturas que recientemente fue honrada con un ambicioso proyecto para examinarla y su obra hermana; este proyecto fue realizado por Rosalia Pasqualino di Marineo, directora de la Fundación Piero Manzoni, y recién finalizado en 2017. Este proyecto buscaba corregir la primera omisión de Achrome en el primer Catálogo General de Germano Celant (un descuido debido a la procedencia prístina de la pintura en un colección privada mientras se elaboraba el catálogo razonado original, publicado en 1974). De este proyecto, el director Pasqualino di Marieno escribe: "El proyecto que caracteriza a estos dos acromos, "gemelos heterocigotos", es decididamente fuera de lo común. De hecho, para mí es probablemente un evento único y difícil de repetir: dos pinturas tan importantes, diferentes y sin embargo iguales, que podrían ser puestas una al lado de la otra y estudiadas una vez más y profundizadas esta vez. (Rosalia Pasqualino di Marineo, ed., Piero Manzoni: The Twin Paintings, Nueva York, 2017, p. 7) Guiado por la directora de la Fundación Piero Manzoni, The Twin Paintings reúne importantes investigaciones que consolidan firmemente el presente trabajo dentro Obra prodigiosa de Manzoni, a pesar de su extravagancia en las últimas décadas. Pasqualino di Marineo escribe: “Una de las dos obras ya se ha exhibido en muchas exposiciones prestigiosas, mientras que la otra [la presente obra] estuvo oculta hasta hace poco tiempo. Dos lienzos de una fuerza tan extraordinaria, capaces de quitarme el aliento la primera vez que los vi juntos en una habitación de Zúrich…” (Ibíd.)
Para crear las pinturas de Achrome, Manzoni primero pegó un lienzo sin pintar en un arreglo aparentemente orgánico de pliegues y arrugas que se autoproliferaban, luego aplicó caolín, una solución calcárea e incolora que se usa en la fabricación de porcelana, a la superficie del lienzo y permitió que la solución similar a la tiza se secara. En última instancia, es a través del proceso de secado autodefinido, sin la intervención del artista, que la obra alcanza su forma final. Incluso más blanco y puro que el lienzo en bruto original, el caolín ofreció a Manzoni el medio ideal para concebir sus pinturas acromáticas "sin pintar". Esta técnica no solo elimina la mano del artista, sino que también realza la profundidad escultórica y la solidez de las ondulaciones de la superficie. De hecho, los pliegues horizontales y las crestas de Achrome parecen estar preservados como un fósil, petrificado en un estado de metamorfosis material. Ya no es la suavidad fluida y la liquidez de su estado primario, sino un positivo y un negativo suspendidos endurecidos en una doble afirmación de sustancia y vacío: una verdadera ejemplificación de la búsqueda metafísica de Manzoni por el "espacio total" y la "luz absoluta pura". . artista citado en “Dimensione libera”, Azimut 2, 1960, np) Al desplazar la agencia artística y los gestos de la superficie del lienzo, Manzoni pretendía eliminar la representación y obtener en ella una imagen metafísica completamente autoproducida de absoluta pureza.
Si bien Manzoni experimentó con una plétora de materiales, incluidas sustancias tan dispares como la paja, la espuma de poliestireno, la grava, los rollos, el fieltro y la lana, su cuerpo icónico de obras "acromáticas" sobre lienzo compuesto por pliegues saturados de caolín constituye el apogeo del concepto pionero de el artista del diálogo. Excepcional en escala y complejidad compositiva, Achrome se erige como un modelo de este cuerpo de trabajo: enmarcado por dos bandas horizontales de caolín tonalmente diáfano, como un velo, el campo central envolvente de pliegues tensos saturados con caolín pesado es absolutamente hipnótico. Aunque Manzoni evitó específicamente la referencialidad, la exquisita armonía formal evidente en Achrome sugiere una especie de arquitectura orgánica, como si aprovechara y liberara una belleza innata que yacía latente en los materiales del lienzo y el caolín. La superficie maravillosamente rica y cromáticamente homogénea evoca la fragilidad polvorienta del yeso y la solidez fría del mármol. La absorción y el reflejo de la luz natural por los pliegues de arcilla china, acentuados por sus crestas angulares estriadas, evocan los pliegues táctiles de las cortinas renacentistas esculpidas, mientras que la intrincada complejidad de la superficie crea un claroscuro dramático para seducir nuestra vista, ya que la oscuridad y la luz se combinan sorprendentemente. yuxtapuesto. Aparentemente blanco, el caolín funciona eliminando el color y agregando peso, dando a estas obras un cierto sentido de monumentalidad que evoca de manera abstracta la estatuaria clásica de mármol. Sin embargo, si esta obra evoca el arte monumental del pasado, es solo un testimonio de la insularidad del arte mismo, un lenguaje puramente visual de resplandeciente materialidad luminosa.
Durante una vida trágicamente corta interrumpida a la edad de solo treinta años, Manzoni adoptó un enfoque conceptual revolucionario para la creación y exhibición de arte., enfatizando la superficie y los materiales como el verdadero tema de la obra. Al crear los Achromi, Manzoni despertó un área de creatividad donde el tema de la pintura era su forma autogenerada; en 1960 escribió: “El artista ha alcanzado la libertad integral; la materia pura se convierte en energía pura; se superan todos los problemas de la crítica de arte; todo está permitido". (Ibíd.) Las proféticas innovaciones de Manzoni anticiparon tanto el Conceptualismo como el Arte Povera, mientras que su legado artístico, sancionado por obras icónicas como la actual Achrome, persiste como una presencia revolucionaria en el arte contemporáneo actual.