A escultura sempre foi considerada uma arte difícil de entender e, portanto, também de colecionar. A preferência é por obras de pequena e média dimensão, portanto fáceis de colocar numa residência, enquanto, para outras de reconhecida monumentalidade, sempre incorporou obras públicas e institucionais. Não há praça importante que não tenha sua pedra, mármore, bronze ou metal para comemorar alguma figura de culto ou herói. Aqui a memória de um acontecimento que não se quer esquecer, participa imóvel enquanto o tempo passa devagar. Agora a escultura é também design, arquitetura e forma de contemporaneidade. Mas sua história remonta a um longo caminho.
Nos séculos passados, os escultores usavam apenas materiais que se prestavam à modelagem, como o barro. Ou material mais duro como pedra ou mármore que, no entanto, sob as mãos habilidosas de um pedreiro poderia ser transformado em formas harmoniosas. Enquanto hoje, os escultores modernos se expandiram para usar também outros materiais, como aço ou resinas, até substâncias biológicas que perecem com o tempo.
Antigamente, o termo "artifex" referia-se tanto ao artista quanto ao escultor, enquanto o termo "operarius" era dirigido ao trabalhador. Mas muitas vezes eles foram cunhados em uma única figura capaz de modelar e moldar a matéria. Assim também o pedreiro castelhano e os escultores franceses pertenciam à mesma classe, eram igualmente dignos de representação.
Em plena Renascença, Donatello era chamado de "escarillator" ou pedreiro, enquanto Leonardo, em seu Comparação entre as artes, sem hesitar colocou a "pintura acima da escultura". E enquanto da Vinci meditava sobre os princípios que regiam a atividade da escultura, Michelangelo, vinte e três anos mais jovem, criava suas mais belas obras escultóricas. Recordemos então Cellini, Vasari, Pigalle, Bouchardon ou Bernini. Mais tarde, Falconet e Canova, para chegar ao século XIX com Rodin e Hildebrand. No século seguinte, o XX, as formas são influenciadas pelo período histórico. As obras devem percorrer o tempo, o espaço e devem livrar-se de qualquer excrescência até se tornarem conscientes e puras em uma forma complexa como a de Moore, Harp, Boccioni. O espaço torna-se assim um dos atributos fundamentais da escultura neste último século.
Hoje, a escultura planeja e desenha no espaço com a ajuda de novos métodos, usando esse espaço e construindo com ele, como se fosse um material de nova geração. Daí as novas formas que por vezes são performáticas como as de Anish Kapoor ou contextualizando a simbologia que entrou no nosso novo mundo, veja Jeff Koons, com seus grandes corações em metal soldado e colorido que parecem balões inflados e suspensos no ar e ovos quebrados .
A sua plasticidade já não ocupa qualquer iconografia mitológica ou religiosa como na antiguidade, mas exprime-se apenas em formas que evocam objectos, natureza decomposta, para chegar a peças aparentemente de uso, por vezes usurpando o sentido do design. No entanto, possui em si uma severa rigidez de pensamento, pois sempre se manterá respeitoso com a forma e as proporções. Nela reside a perfeição, seja ela percebida ou imaginada. É preciso contorná-lo para perceber que ele vive no espaço, que fala com quem o observa, que desempenha o seu papel de grande intérprete de palco. E quando se torna monumental então dá lugar à arquitetura, quando ao contrário é pura criação artística de linhas, objetividade e usabilidade então é design.
Mas a escultura ainda transforma, ela participa da vida social em espaços onde as pessoas também podem se refletir nela, como na obra do artista indiano Kapoor "Cloud Gate" de Chicago. Uma verdadeira porta que existe e não está, mas que, passando por baixo ou à volta dela, espelha a vida do visitante, da qual já não pode escapar. Enquanto as luzes do dia consertam os prédios e as luzes da noite os céus, uma obra que muda a cada dia, que eterniza a vida mas nunca a conserta. Um longa-metragem curto sem filme.
É por isso que encontra cada vez menos lugar em espaços privados, como obras inseridas no canto da casa ou na mesa, porque há anos são substituídos por objetos de design, cada vez mais coloridos e que também têm uma utilidade, dão acenda ou dê-nos deixe-nos sentar.
Na verdade, acredito que houve um abuso real do termo "design" que, segundo um léxico da moda, se refere a qualquer coisa que tenha uma linha estilística, redonda ou quadrada, Made in Italy ou China, não importa. Se o verdadeiro Design é outra coisa, é a arte onde o seu inspirador, o designer, soube captar o essencial e produziu uma extrema limpeza do objecto criado.
Até na moda fala-se cada vez mais em "roupas esculturais" e "design de moda", mas qual será o verdadeiro significado?
Os vestidos esculturais partem de conceitos muito antigos, uma reelaboração de trajes antigos, em formas e linhas, basta pensar em estilistas japoneses como Issey Miyake que cruza os espaços dos materiais utilizados com os vazios criados como arquiteturas reais. O mesmo vale para o design aplicado ao design de qualquer acessório, e se as regras forem rígidas o produto não só terá sucesso como também durará, um exemplo é a Maison Hermes, linhas sem pensar duas vezes.
Em tudo isto, as regras são ditadas pelos princípios do pensamento criativo inspirado na natureza e pelo pensamento humano que procura interpretá-la com qualquer disciplina.
Nesse meio tempo há ovos de Páscoa – melhor se quebradas – que são leiloadas a preços elevados.
