Las casas de subastas siempre las han vendido incluso a precios récord, pero además de las grandes obras maestras existe un mercado de calidad media que llega también a los hogares de los menos pudientes. A menudo, sin embargo, estos son objetos que se guardan en casa solo para un culto religioso. Pero si por un lado los fieles ortodoxos son aficionados a los iconos como objetos familiares, por otro lado crece cada vez más el número de no creyentes que son objetos de iconos.
La palabra "icono" proviene del griego y significa "imagen" y suele ser una pintura sobre una tabla de madera que representa a Cristo, un santo, una Virgen, un ángel o cualquier otro tema sagrado. Pero nadie sabe cuándo nacieron realmente.
Pero en el mercado podemos encontrar de todo, obras muy antiguas, recientes o incluso no auténticas. Esto se debe a que en realidad hay una demanda muy fuerte, y en este sentido para un ortodoxo existe un credo "Lo que distingue a los íconos reales de otras pinturas es su vida espiritual, que solo puede existir en un clima de fe".
Los fieles de la Iglesia Ortodoxa Oriental aún mantienen una actitud de veneración con estas imágenes, a las que besan todos los días en la Iglesia o en casa, encienden una vela y se arrodillan frente a ella en oración. Para muchos de ellos su destino está en manos del icono que ha sido transmitido por generaciones enteras.
El culto a los iconos pervive aún hoy en Grecia como en Rusia, de donde una leyenda rusa dice que la primera imagen fue la que apareció sobre un lienzo empapado en agua que Cristo pasó por su rostro, imprimiendo sus facciones. pero los iconos comenzaron a aparecer en las iglesias del Imperio de Oriente desde principios del siglo XV. Posteriormente, en el siglo XVIII, la Iglesia bizantina decretó que los temas a pintar debían ser únicamente de carácter espiritual, como Jesucristo o la Virgen María.
Pero, ¿quién los hizo? Eran artesanos carpinteros, que cortaban madera, preferentemente tilo o ciprés. Luego, para evitar curvaturas, lo envolvían y lo dejaban madurar hasta por seis años. Luego intervino un especialista que extendió sobre ella hasta 12 capas de una mezcla hecha de alabastro y cola, llamada “gypsum” y alisando todo con piedra pómez para que quedara perfectamente liso y sin poros. La siguiente tarea era la del dibujante que esbozaba la imagen que quería representar, y un dorador recubría el exterior con láminas de oro laminado, puliéndolo con un diente de animal o un trozo de ágata. Todo brillaba perfectamente. Finalmente llegó el momento del pintor, o iconógrafo, que utilizó no más de cinco colores, todos obtenidos con pigmentos naturales que se mezclaban con yema de huevo y se diluían con leche de higo o miel. El iconógrafo debía someterse a estrictas reglas establecidas por la Iglesia, pero era libre de disponer y colorear los elementos como quisiera, hasta el punto de que nunca dos iconos serían idénticos.
Después del siglo XVI, el arte iconográfico perdió importancia, también porque el hollín y la suciedad depositados por las velas y el incienso también habían penetrado en el color, oscureciendo así la imagen original. Afortunadamente, con el descubrimiento de los disolventes –el siglo pasado– fue posible recuperar muchas de estas obras, si bien en un principio existía el temor de eliminar total o parcialmente el color, esto no sucedió y el resultado fue sorprendente. Ya a principios del siglo XX se encontraron y restauraron preciosos iconos, hasta el punto de que se organizó una gran exposición en Moscú. Era 1913 y era una auténtica fiebre que contagiaba a coleccionistas pero también a artistas, especialmente impactados por la modernidad de estas obras sobre madera. Uno de los más grandes maestros de la época, Henri Matisse, quedó casi impresionado por la belleza hasta el punto de recordar su técnica en su pintura.
Pero las cuantiosas ganancias que se derivan del comercio de estas imágenes sagradas también representan una irresistible invitación a la falsificación, por lo que solo un gran experto puede decirnos si un ícono es verdaderamente auténtico.
