BIAF: "Paisaje costero con torre sarracena" de ensueño de Roelant Savery

La exposición florentina de la Galería de Turín Caretto y Occhinegro ver lo excepcional Paisaje costero con torre sarracena de Roelant Savery, una gran mesa circular de 50 cm de la más alta calidad. El trabajo, publicado en la monografía de referencia, es una ejemplo capital del arte logrado por uno de los paisajistas más famosos entre los siglos XVI y XVII y constituye un unicum en el escenario del mercado internacional del arte.

Para una visión histórica y estilística, el estudio exhaustivo realizado por el Prof. Mullenmeister en su monografía fundamental sobre RoelantSavery sigue siendo fundamental.

Según el eminente estudioso, la obra, que lleva más de veinte años ausente del mercado, es un importante testimonio del trabajo colectivo de Roelant con su sobrino Hans II (también conocido como Jan), quien aportó pescado y cangrejos de río en primer plano y con el grupo de pescadores en el medio.

Esta pintura, junto con un pequeño número de obras todas fuertemente unidas por la unidad compositiva y estilística, forma parte del corpus en torno al cual gira la cuestión del supuesto viaje a Italia de los Saveries, que habría tenido su punto de apoyo en la región de Istria. Se había planteado la hipótesis de su breve estancia en el Tirol, pero las evidencias deducidas de los tipos de paisajes representados por los Saveries en los años 1612-1618, parecen hacer mucho más plausible su presencia en Istra, tras su bien documentada estancia en Praga para Rudolf II y Matías I.

En este sentido, la comparación más importante es col. Pesaje costero conservada en los Uffizi y fechada en 1614, a partir de la cual Mullenmesiter también sitúa cronológicamente nuestra obra. Idénticas en las dos obras son los cardos del primer plano a la derecha, así como las casetas de los pescadores y las barcas descritas con detalle técnico (construidas con el método de los tablones cruzados). Incluso la torre sarracena iluminada por el sol aparece de forma similar en el cuadro florentino, al igual que el trazo de luz que ilumina 4/5 de la escena desde la parte superior izquierda es idéntico.

Además, más allá del consenso unánime sobre la paternidad de la pintura que de antología, la formidable belleza de este gran panel circular habla por sí sola, tanto en términos de inventiva como de conocimiento técnico.

La obra, que en su circularidad aún recuerda el "paisaje-mundo" tal como lo habían concebido Patinir y Henri met de Bles, está imbuida de un aliento cósmico.: las magníficas nubes, perfectamente ejecutadas, permiten que los rayos del sol penetren en la tierra, ahora libre para iluminar la tierra y los hombres, que han regresado después de las penurias de la pesca y finalmente a salvo de los terribles leviatanes que el mar, lúgubre, abismal y amenazante , todavía se esconde. Por otro lado, la costa es inmediatamente tragada por un bosque de coníferas, dejando al Hombre con el único espacio vital que, como una delgada línea, se extiende entre el mar y el bosque. Los animales y las plantas se reproducen con una mirada que oscila entre la relevancia científica y la fábula erudita, según el enfoque típico de Hans Savery (su famoso cuadro que representa al vejestorio, aún no extinto en el siglo XVII). Con una epopeya digna de Bruegel el Viejo, el Artista aborda el tema típico del paisajismo flamenco de la época de la relación entre el Hombre y la Naturaleza entendida como una reflexión existencial sobre los límites del primero y sobre el significado de la segunda: el pequeño El tamaño de los seres humanos retratados, incluso en el ejercicio virtuoso de sus habilidades técnicas (la pesca y la arquitectura como coerción y dominación del mundo), los reduce a criaturas bíblicamente impotentes, subyugadas por un ciclo mecánico y natural del que no pueden liberarse, títeres inconscientes de un diseño más grande que ellos, tal vez interpretados por fuerzas físicas cuyo funcionamiento se desconoce o por entidades metafísicas que se manifiestan a través de fenómenos naturales, ya sean tormentas, destellos de luz en las nubes o la impenetrable - conmovedora - belleza del mundo.

Entre las quince obras expuestas destacamos también una obra particularmente curiosa pero igualmente bella: la llamada cantante (palabra traducida literalmente como "juegos de monos"), firmada por Frans Francken y considerado por el experto de referencia un documento raro y de un nivel de calidad sobresaliente: de hecho, no se conocen otras pinturas con este tema que lleven la firma del autor.