De Thiebaud a Manzoni, arte contemporânea em leilão em Nova York (Sotheby's)

O leilão apresenta 51 lotes que estão em exibição pública desde 1º de novembro nas galerias da Sotheby's York Avenue, juntamente com o Leilão de Arte Contemporânea e as vendas de novembro de arte impressionista e moderna.

Aqui ficam algumas obras do leilão de Arte Contemporânea:

Executado em um momento crítico da carreira de Willem de Kooning, sem título XXII de 1977 representa o ápice da produção madura do artista. Exausto com o barulho e a tensão da vida em Manhattan durante o início de sua carreira, de Kooning passou os verões em East Hampton a partir de 1959 e mudou-se permanentemente para Springs em 1963 para mergulhar no ambiente tranquilo e iluminado. Embora Untitled XXII permaneça abstrato, ele evoca a essência, as memórias e a experiência do ambiente oceânico e pacífico de de Kooning que cativou o artista, lembrando-o de sua casa de infância na Holanda. Marcando o retorno do artista à pintura após um hiato focado em desenho e escultura, Untitled XXII faz parte de uma explosão explosiva de criatividade que produziu um corpo ilustre de telas de grande escala encharcadas de cores que estão entre as mais icônicas da carreira de de Kooning.

Blue Over Red representa o primeiro trabalho crítico de Mark Rothko em 1953 a ser leiloado em mais de uma década (estimativa de $ 25/35 milhões). A pintura representa um período crítico de desenvolvimento na primeira metade da década de 50, imediatamente após sua mudança para um novo estúdio nos fundos do MoMA, onde pintou algumas de suas mais inovadoras explorações de cores. Blue Over Red foi adquirido diretamente do artista em 1957 pelo lendário negociante e colecionador Harold Diamond e, posteriormente, passou décadas com os colecionadores de Baltimore Israel e Selma Rosen, que ofereceram a obra para leilão em 2005, quando foi vendida por US$ 5,6 milhões. Permaneceu na mesma coleção particular desde 2007.

O PH-399 demonstra a inovação radical do trabalho visionário de Still. Pintado em 1946 – mesmo ano da primeira exposição individual do artista em Nova York – o presente trabalho é um marco inicial na prática de Still. PH-399 marca não apenas a realização do estilo de assinatura de Still, mas também a própria inauguração do expressionismo abstrato – em 1946, Mark Rothko receberia sua primeira exposição individual no Museu de Arte Moderna de San Francisco, pinturas de Jackson Pollock aparecem para o primeira vez na exposição anual do Whitney Museum em Nova York, e o crítico de arte Robert Coates viria a cunhar formalmente o termo "expressionismo abstrato" em
The New Yorker como forma de descrever o novo movimento que, nos anos seguintes, emergiria como a modalidade artística predominante da New York School e do mundo artístico mais amplo.
Como prova da importância do presente trabalho, PH-399 foi selecionado pelo próprio Still para inclusão em sua exposição seminal de 1959, Paintings by Clyfford Still, organizada pela Albright-Knox Art Gallery em Buffalo. Com curadoria pessoal do artista, esta exposição foi a primeira investigação em grande escala de Still e permanece entre as exposições mais importantes de sua carreira. Quando solicitado a posar para uma fotografia dentro da exposição, Still optou por ficar em frente ao PH-399, solidificando seu status de representação singularmente icônica não apenas de sua célebre produção, mas dentro da narrativa mítica e do desenvolvimento do pós-guerra pintura.

Emergindo de uma memória dourada da infância, as sobremesas lindamente coloridas de Wayne Thiebaud, dispostas em um restaurante clássico ou estilo cafeteria, são um motivo que ele inventou em 1961 - e que ele revisitou ao longo de quase sete décadas. Esses objetos alegres e marcas do consumo da classe média evocam uma sensação de exuberância e prosperidade dos anos 60. O leilão noturno oferecerá aos bolos vendidos por Thiebaud seu primeiro contador de bolos, que aparece em leilão desde 1997. Medindo impressionantes 72 polegadas de altura, a obra também é excepcionalmente grande dentro da obra do artista e permanece na mesma distinta coleção particular desde que foi adquirida diretamente pelo artista em 2011, ano de sua conclusão.

"Não consigo compreender os pintores que, declarando-se interessados ​​nos problemas modernos, ainda hoje olham para uma pintura como se fosse uma superfície a preencher com cores e formas segundo um gosto que pode ser mais ou menos apreciado e que é mais ou menos treinados [...]. A pintura é assim completada e uma superfície com possibilidades ilimitadas é finalmente reduzida a uma espécie de recipiente no qual cores não naturais e significados artificiais são forçados e comprimidos. Por que não esvaziar este destinatário? Por que não limpar a superfície? Por que não tentar descobrir o significado ilimitado do espaço total? De luz pura e absoluta? ”(O artista mencionado em“ Dimensão livre “, Azimut 2, 1960)
“Uma das duas obras já foi exibida em muitas exposições de prestígio, enquanto a outra [a obra atual] estava escondida até não muito tempo atrás. Duas telas de uma força tão extraordinária, capazes de me tirar o fôlego na primeira vez que as vi juntas em uma sala em Zurique…” (Rosalia Pasqualino di Marineo, ed., Piero Manzoni: The Twin Paintings, Nova York, 2017, p. 7)
Executado em 1959, o presente trabalho está entre os exemplos mais monumentais e visualmente atraentes da inovadora série de acrômios de Piero Manzoni. Representando a expressão máxima da filosofia central de Manzoni, Achrome surpreendentemente incorpora a pesquisa teórica e técnica do artista para libertar a pintura das restrições da representação e dos gestos forçados. Como argumentou o influente crítico de arte italiano Germano Celant: “O Achrome de Manzoni aspirava cortar o cordão umbilical entre o artefato e o criador; visava reduzir a dependência da arte em relação ao artista… os Achromi não representam nenhuma tonalidade, nenhuma memória cromática. Nada que pudesse lembrar a natureza da paixão do artista.” (Exh. Cat., Londres, The Serpentine Gallery, Piero Manzoni, 1998, p. 22) Concebido pela primeira vez em 1957 como uma rejeição consciente da ação machista do expressionismo abstrato nos Estados Unidos e dos gestos pictóricos da Art Informel na Europa, as pinturas de Achrome representam a tentativa de Manzoni de separar completamente a superfície pintada da participação ativa do artista e de superar o fetichismo do gesto artístico com um gosto contemporâneo. Como tal, as pinturas de Achrome ocupam uma posição de significado inatacável: a primazia ilimitada da forma material cristalizada como puro significante postula um dos gestos conceituais mais radicais na história da arte do século XX. Com mais de 50 polegadas de largura, o Achrome de 1959 é uma verdadeira obra-prima deste corpus reverenciado e ambicioso. Das cerca de trezentas obras compostas de caulim sobre tela, a presente obra é uma das apenas nove executadas em proporções tão monumentais; outros deste grupo residem em coleções estimadas como o Centro Pompidou, Paris; a Galeria Cívica de Arte Moderna e Contemporânea, Turim; o Museum Moderner Kunst, Stiftung Ludwig, Viena; e a Coleção Rachofsky em Dallas. Cheio de veios suaves e dobras líricas, Achrome evoca imediatamente uma sensação de solidez escultural e uma leveza etérea; no entanto, desprovida de significantes ou vínculos com a representação, Achrome nada mais é do que sua própria existência, uma tabula rasa emancipada, esvaziada de alegoria, alusão e expressão narrativa.
A presente obra pertence a um importante par de pinturas que foi recentemente homenageado com um ambicioso projeto de exame da mesma e da sua irmã; este projeto foi realizado por Rosalia Pasqualino di Marineo, diretora da Fundação Piero Manzoni, e recentemente concluído em 2017. Este projeto buscou corrigir a primeira omissão de Achrome no primeiro Catálogo Geral de Germano Celant (um descuido devido à origem intocada da pintura em um coleção particular enquanto o catálogo raisonné original – publicado em 1974 – estava em andamento). Sobre este projeto, o diretor Pasqualino di Marieno escreve: "O projeto que caracteriza esses dois achromes", gêmeos heterozigotos ", é decididamente fora do comum. Na verdade, para mim é provavelmente um acontecimento único e dificilmente se repetirá: duas pinturas tão importantes, diferentes e no entanto iguais, que poderiam ser colocadas lado a lado e mais uma vez estudadas e aprofundadas desta vez. ” (Rosalia Pasqualino di Marineo, ed., Piero Manzoni: The Twin Paintings, Nova York, 2017, p. 7) Orientado pelo diretor da Fundação Piero Manzoni, The Twin Paintings reúne importantes pesquisas que consolidam firmemente o presente trabalho dentro Trabalho prodigioso de Manzoni, apesar de sua extravagância nas últimas décadas. Pasqualino di Marineo escreve: “Uma das duas obras já foi exibida em muitas exposições de prestígio, enquanto a outra [a obra atual] estava escondida até não muito tempo atrás. Duas telas de uma força tão extraordinária, capazes de me tirar o fôlego na primeira vez que as vi juntas em uma sala em Zurique…” (Ibid.)
Para criar as pinturas Achrome, Manzoni primeiro colou uma tela crua e não pintada em um arranjo aparentemente orgânico de dobras e vincos autoproliferativos, depois aplicou caulim - uma solução calcária e incolor usada na fabricação de porcelana - na superfície da tela e permitiu que a solução semelhante a giz secasse. Em última análise, é através do processo de secagem autodefinido, sem intervenção do artista, que a obra atinge a sua forma final. Ainda mais branco e puro do que a tela crua original, o caulim ofereceu a Manzoni o meio ideal para conceber suas pinturas acromáticas "sem pintura". Essa técnica não apenas remove a mão do artista, mas também aumenta a profundidade escultural e a solidez das ondulações da superfície. De fato, as dobras e sulcos horizontais de Achrome parecem estar preservados como um fóssil, petrificado em um estado de metamorfose material. Não mais a suavidade fluida e a liquidez de seu estado primário, mas uma suspensão positiva e negativa endurecida em uma dupla afirmação de substância e vacuidade: uma verdadeira exemplificação da busca metafísica de Manzoni por "espaço total" e "luz pura e absoluta". artista citado em “Dimensione libera”, Azimut 2, 1960, np) Ao deslocar a ação artística e os gestos da superfície da tela, Manzoni pretendia eliminar a representação e nela obter uma imagem metafísica totalmente autoproduzida e de absoluta pureza.
Enquanto Manzoni experimentava uma infinidade de materiais, incluindo substâncias tão díspares como palha, isopor, cascalho, rolos, feltro e lã, seu corpo icônico de obras "acromáticas" sobre tela composta por dobras saturadas de caulim forma o apogeu do conceito pioneiro de o artista do diálogo. Excepcional em escala e complexidade composicional, Achrome se destaca como um modelo deste corpo de trabalho: emoldurado por duas faixas horizontais de caulim tonalmente diáfano, semelhante a um véu, o campo central envolvente de dobras tensas saturadas com caulim pesado é totalmente hipnotizante. Embora Manzoni evitasse especificamente a referencialidade, a requintada harmonia formal evidente em Achrome sugere uma espécie de arquitetura orgânica, como se aproveitasse e liberasse uma beleza inata que jazia adormecida nos materiais da tela e no próprio caulim. A superfície lindamente rica e cromaticamente homogênea evoca a fragilidade empoeirada do gesso e a fria solidez do mármore. A absorção e reflexão da luz natural pelas dobras de argila da China, acentuadas por suas arestas angulares estriadas, evocam as dobras táteis da cortina renascentista esculpida, enquanto a intrincada complexidade da superfície cria um claro-escuro dramático para seduzir nossos olhos, pois a escuridão e a luz são surpreendentemente justaposto. Aparentemente branco, o caulim funciona removendo a cor e adicionando peso, dando a essas obras uma certa sensação de monumentalidade que evoca abstratamente a estatuária clássica de mármore. No entanto, se esta obra evoca a arte monumental do passado, é apenas um testemunho da insularidade da própria arte, uma linguagem puramente visual de materialidade luminosa resplandecente.
Durante uma vida tragicamente curta interrompida aos trinta anos de idade, Manzoni adotou uma abordagem conceitual revolucionária para a criação e exibição de arte., enfatizando a superfície e os materiais como o verdadeiro tema da obra. Ao criar o Achromi, Manzoni despertou uma área de criatividade onde o tema da pintura era sua forma autogerada; em 1960 escreveu: “O artista alcançou a liberdade integral; material puro torna-se energia pura; todos os problemas da crítica de arte são superados; tudo é permitido". (Ibid.) As inovações prescientes de Manzoni anteciparam tanto o Conceitualismo quanto a Arte Povera, enquanto seu legado artístico, sancionado por obras icônicas como o atual Achrome, persiste como uma presença revolucionária na arte contemporânea de hoje.