De 30 de maio a 29 de junho de 2014 o museu MAN em Nuoro apresenta a exposição “Eu vou por dois. A vanguarda do movimento”. O projeto, com curadoria de Lorenzo Giusti, diretor do Museu MAN, e Elena Volpato, curadora do GAM de Turim, responsável pela Coleção de Filmes e Vídeos de Artistas, explora, por meio de um corte transversal que desde as origens do cinema de animação chega às nos dias de hoje, uma das vertentes mais fascinantes da obra de animação, essa possibilidade acarinhada por muitos artistas e realizadores de utilizar o movimento fílmico como um ritual mágico que dá vida ao traço do desenho, à silhueta, à marioneta ou à imagem fotográfica.
A imaginação criadora, propriamente demiúrgica, que muitas vezes está subjacente ao desenho e à representação através de figuras, assume as feições enfeitiçantes do feitiço pelo movimento e pelo ritmo musical, de uma vida que é uma dança da imaginação. Não é por acaso que os artistas e cineastas, ao abordarem as diversas técnicas de animação, muitas vezes se debruçam sobre a imagem corporal e lhe associam evocações da figura de Frankenstein, do Golem ou do robô, e do nascimento artificial em geral de um corpo , como se quisessem repetir no conto mítico seu próprio poder de animadores: dar alma ao inanimado.
As obras expostas oferecem assim a possibilidade de um percurso histórico em animação, experimental e artística, através da imagem do corpo, da sua construção e da sua “montagem”. Quando a animação é baseada no desenho, tudo parece surgir de uma linha, como no pioneiro Fantasmagorie de Émile Cohl (1908) ou em Lifeline (1960) de Ed Emshwiller, onde a linha branca contínua se envolve em nós de matéria que gradualmente pouco tornam-se arabescos orgânicos misturando-se com a imagem fotográfica do corpo de uma bailarina. Ou como em Head (1975), de George Griffin, em que a forma básica do rosto e a tradição artística do auto-retrato são despojadas de qualquer detalhe realista e, então, inesperadamente revividas com expressividade emocional e nuances psicológicas representadas pictoricamente.
Noutras obras o desenho deixa espaço para a escultura e o mito de Pigmalião a ela ligado, como é o caso de Jan Svankmejer que em Darkness Light Darkness (1990) mostra um corpo capaz de se moldar a si próprio, a partir das duas mãos, fechado num sala , na qual todos os membros que serão compostos em unidades fluem em sequência. As duas mãos de Svankmejer têm um antecedente no surrealismo de Alexeieff e Parker com The Nose (1963), onde membros únicos, rebeldes e independentes reivindicam para si o poder do feitiço vital, e parecem encontrar um desenvolvimento recente em algumas obras de Nathalie Djurberg e Hans Berg.
A história de Frankenstein revive explicitamente no filme de Len Lye, Birth of a robot (1936) e novamente em Street of Crocodiles (1986), dos Quay Brothers, ou no vídeo de Max Almy, The Perfect Leader (1983), onde ser artificialmente construído, não é uma criatura destinada a servir seu criador, como em Frankenstein e o Golem, mas é o futuro líder político que é programado no computador para que sua ferocidade ditatorial reflita a sociedade que o quis e criou.
Outras obras representam o corpo como lugar de construção, não de identidade única, mas de identidade social. É o caso do célebre L'idée (1932) de Berthold Bartosh, mas também, de forma diferente, das obras de William Kentridge, em que a dor das massas deixa rastros de poeira negra nas páginas em branco da história na frente dos corpos molhados imodestos da água azul dos magnatas ricos. É o caso das silhuetas de Kara Walker, também negra sobre fundo branco, torturada e estuprada pela ferocidade colonial.
Finalmente, é a dança, expressão máxima da beleza em movimento, que nos permite mostrar a magia do corpo animado nos mais diversos lugares do pensamento e da imaginação: nos Ovos de Páscoa de Segundo de Chomón (1907), no Ballet Mécanique de Fernand Léger , onde máquina e corpo tendem a se fundir em um único sujeito em movimento, no espaço absoluto do Pas de deux de McLaren, na noite astrológica de The Very Eye of Night (1958) de Maya Deren ou no universo bidimensional do desenho de Robin Rhode , onde corpo e design se encontram em um único plano de realidade e sonho.
Completam a exposição as obras de Claudio Cintoli (Più, 1964), nas quais a matriz estética da Pop Art desarticula a identidade do corpo em roupas e produtos publicitários; de Stan Vanderbeek (After Laughter, 1982), onde o movimento do corpo no espaço se transforma em modificação através do tempo, como numa filogenia do humano, e de Claus Holtz & Harmut Lerch (Portrait Kopf 2, 1980) em que a animação sobreposta de rostos e cabeças remete, numa via antilombrosiana, a uma unidade original do traço humano. Finalmente, as obras mais recentes de Diego Perrone (Totò nudo, 2005) onde o ícone de Totò é decomposto e recomposto com um mecanismo que não esquece a capacidade do ator de se tornar uma marionete, um corpo inanimado, e Noa Gur (White Noise, 2012) cuja essencialidade linguística fecha idealmente o caminho, restituindo à animação do corpo a raiz milenar do desenho: a captação, através da técnica simples da impressão, de um indivíduo e do seu sopro vital.
