Uma obra relativamente desconhecida de Helmut Newton é a série de imagens que fez dos bailarinos do Monte Carlo Ballet. Tiradas ao longo de muitos anos, as fotos destinavam-se a ser impressas nos livretos do programa do teatro e em publicações especiais, e Newton ampliou apenas algumas das razões para incluí-las em suas exibições. A sua série é o ponto de partida e o fulcro desta exposição coletiva patente até 20 de setembro na Fundação. Deslizando na pele de um diretor de teatro, ele acompanhou os dançarinos pelas ruas de Mônaco, nas escadas atrás do famoso cassino, perto de uma saída de emergência do teatro, ou nu em sua própria casa. Com Les Ballets de Monte Carlo, ele reinterpreta uma ideia composicional que passou a definir seu trabalho.
Também encontramos essa conexão no trabalho de Bernd Uhlig, que acompanha fotograficamente as coreografias de Sasha Waltz há muitos anos. Estes não só foram realizados em teatros clássicos, mas também em museus de renome em Berlim e Roma, entre outros, às vezes acontecem em suas escadarias. Na colaboração de Bernd Uhlig e Sasha Waltz, uma forma de arte verdadeiramente fugaz e sua materialização visual encontram uma conexão agradável, na qual o foco está na concentração dos atores e nos estados de sonho ou transe. Enquanto o trabalho anterior (analógico) de Uhlig usava exposições mais longas para capturar movimento resultando em trilhas de movimento, aqui ele nos mostra close-ups de gestos congelados de um lado e toda a coreografia do palco capturada em frações de segundo do outro.
Vanessa Beecroft apresenta mulheres nuas ou vestidas em elaborados tableaux vivants, muitas vezes realizados em galerias ou museus, geralmente como eventos públicos. As mulheres, muitas vezes algumas dezenas, estão dispostas em uma espécie de formação e durante as ações que duram horas seus movimentos ocorrem em câmera lenta. Na verdade, quase nada acontece durante a coreografia minimalista. Beecroft documenta fotograficamente esse estado de imobilidade em movimento, e as inúmeras imagens da performance transportam o processo para a imagem estática. Aqui vemos sua performance VB55, apresentada na Neue Nationalgalerie em Berlim em 2005, como fotografias em tamanho real. Beecroft se identifica com seus protagonistas: eles se tornam um alter ego múltiplo, do qual ele reivindica apenas uma expressão facial natural e uma postura igualmente natural.
Em sua série de várias partes de 1976, Viva España, Jürgen Klauke permitiu que apenas duas pessoas interagissem: um homem e uma mulher envolvidos em uma dança misteriosa em um palco escuro. Típica de algumas danças espanholas e sul-americanas, esta dança também está imbuída de um toque de sedução ou erotismo. Dos dois protagonistas, vemos apenas seus corpos anônimos: enquanto o homem permanece de pé, a mulher se vira ou se deixa virar em torno dele, de cabeça para baixo. Observar a sequência em sucessão, no entanto, dá a ilusão de movimento. Klauke permite que os corpos vestidos e semi-vestidos de homens e mulheres aparentemente se fundam. Ao fazer isso, ele confunde a linha entre o feminino e o masculino, o que também fez de maneira semelhante em vários auto-retratos que tirou de si mesmo na mesma época.
Erwin Wurm leva Klauke um passo adiante em termos de humor absurdo, quando ele pede às pessoas uma mini performance diante das câmeras. Para suas One Minute Sculptures, as pessoas interagem com objetos para transformar a rua e vários interiores em um palco. Wurm cria poses curiosas ou contorções absurdas para os colaboradores, fornece direções claras e simples, dando assim o sinal para traduzir a ação performativa de volta em fotografias estáticas. As tentativas de se deitar em superfícies estreitas, de prender a cabeça na parede ou de equilibrar duas xícaras nos pés no ar enquanto deitado de costas nem sempre são bem-sucedidas. Obviamente, quem se deixa levar por esse inusitado experimento artístico deve enfrentar seus limites físicos e seus limites de modéstia.
Durante anos, Barbara Probst surpreendeu os espectadores com sua divertida mistura experimental de fotografia clássica de rua, retratos, natureza morta e, mais recentemente, moda. Ele organiza suas fotografias em dípticos, trípticos e, ocasionalmente, em quadros do tamanho de uma parede compostos por uma dúzia de imagens individuais. Têm sempre o mesmo título – Exposições – e distinguem-se por um número de imagem juntamente com o local e data de filmagem. A data é indicada com o dia e minuto exatos. Fotografe a mesma situação com várias câmeras de diferentes ângulos simultaneamente, acionadas exatamente ao mesmo tempo por ondas de rádio. As múltiplas perspectivas simultâneas captadas pelas câmeras são então achatadas, por assim dizer, ao serem penduradas nas paredes do espaço expositivo.
Viviane Sassen também trabalha principalmente com o corpo humano. Às vezes ela o pega em contorções extremas para suas imagens de moda experimentais. Ele coreografa e encena os corpos de seus modelos de maneiras inesperadas, por exemplo, colorindo suas peles ou retratando-os obscurecidos pela sombra, espelhados, sobrepostos por objetos e muitas vezes abstratos cortando ou enquadrando as imagens. Ocasionalmente, inverte a ordem geralmente válida de cima e baixo, o que resulta em uma sensação de desorientação para o espectador. Sassen nos desafia como espectadores e levanta questões sobre banalidades comuns. Como ex-modelo, ela conhece os dois lados, na frente e atrás da câmera. Como ela afirmou em uma entrevista, é por meio de seus trabalhos fotográficos que ela consegue reivindicar o poder sobre seu próprio corpo.
Desde os anos 90, Inez e Vinoodh irritam o mundo da moda desde os anos 90 com imagens surreais. Suas técnicas incluem a manipulação de imagens digitais, que usam para misturar os corpos de homens e mulheres. Inez e Vinoodh não apenas ultrapassam os limites das formas comuns de representação, mas também os limites da realidade. Em outros momentos, alteraram ou combinaram radicalmente os gêneros e cores de pele de seus protagonistas. Como tal, suas imagens incorporam a transgressão de limites, e isso os liga à estratégia anterior de Newton de questionar o “bom gosto” e sutilmente, mas intencionalmente, desafiá-lo visualmente “de dentro do sistema”. Da mesma forma, eles fotografam editoriais de revistas e trabalham diretamente com vários designers conhecidos e contam entre os fotógrafos contemporâneos mais influentes com suas imagens icônicas.
Também encontramos um senso de ambiguidade na obra de Cindy Sherman. Em sua primeira série em preto e branco em pequeno formato, Untitled Film Stills, do final da década de 70, ela desempenhou papéis sempre novos como atriz. Embora pareçam observações nada espetaculares da vida cotidiana, na verdade são deliberadamente encenadas, tendo o artista como personagem principal. Sherman continuou a ideia de dramatização em seu trabalho, mais tarde mascarada por trás de grossas camadas de maquiagem e perucas, máscaras ou implantes mamários em seus auto-retratos coloridos sem título do ano 2000. Suas peças de transformação, camuflagem e a representação naturalmente incluem muitas referências cinematográficas: alguns retratos têm a sensação explícita de fotos de filmes, com uma atriz envelhecida atuando em um filme que ainda não foi feito.
A fotografia em preto e branco de Yang Fudong também é inspirada no meio cinematográfico, especialmente no filme noir da década de 60 e até mesmo nos filmes anteriores de Xangai. Fudong parece relembrar um passado atemporal com suas fotos nuas tingidas de melancolia; mesmo em seus filmes encontramos narrativas igualmente imbuídas de um sentido de mistério. Tal exibição aberta de nudez ainda é considerada uma provocação em grande parte da sociedade chinesa hoje. Na série New Women de Fudong, uma ou mais mulheres nuas sentam-se ou ficam de pé em um estúdio esparso, mas luxuoso. As modelos femininas – tanto nas imagens estáticas quanto no filme – lembram os retratos de prostitutas de Brassaï da Paris dos anos 30, que foram uma importante fonte de inspiração para a fotografia de moda ambivalente posterior de Newton. A exposição Body Performance fecha, assim, um círculo através de uma miríade de abordagens em diferentes culturas e épocas.
Foi na década de 70 que Robert Longo filmou sua sequência fotográfica Men in the Cities no telhado de um arranha-céu na cidade de Nova York, que mais tarde ele reinterpretou como desenhos a carvão de grande formato. Nessas imagens vemos pessoas capturadas pela câmera em poses não naturais. Eles parecem dançar loucamente ou reproduzir cenas de filmes de faroeste americanos, de guerra ou de gângsteres, como quando alguém parece cair em uma saraivada de balas imaginárias. De fato, foi esse filme de The American Soldier, de Fassbinder, de 1970, que inspirou Longo a criar esta série de imagens performativas. No telhado de seu loft, seus modelos desviam de objetos que eles balançam ou jogam contra eles, enquanto Longo os fotografa caindo no chão ou deitados retorcidos.
Já Robert Mapplethorpe coreografou apenas uma pessoa na imagem aqui apresentada: a ex-campeã mundial de fisiculturismo, Lisa Lyon, que se autodenominava uma escultora do próprio corpo. Nós a vemos deitada nua em uma pedra no Parque Nacional Joshua Tree, na Califórnia, em 1980. A superfície dura da rocha contrasta com sua pele macia, enquanto sua enorme força combina com as pernas musculosas de Lyon. Neste cenário ao ar livre nada convencional, Mapplethorpe nos apresenta uma coreografia semelhante a um balé. Tudo pode virar palco: uma interação entre ver e ser visto. Na mesma época, Newton trabalhou com Lyons na Califórnia e em Paris. Com esta “mulher forte” no sentido mais verdadeiro da palavra, fecha-se mais um ciclo na atual exposição Body Performance.
Nesta exposição, encontramos o role-playing e a transformação física como perspectivas fotográficas contemporâneas sobre os mais diversos aspectos visuais do corpo e do movimento. Ao olharmos para essas imagens, surgem questionamentos sobre como somos percebidos pelos outros e por nós mesmos, pela identidade e pelo coletivo.
Fonte: FUNDAÇÃO Helmut Newton
