Una obra relativamente desconocida de Helmut Newton es la serie de imágenes que realizó de los bailarines del Ballet de Montecarlo. Tomadas a lo largo de muchos años, las fotografías estaban destinadas a ser impresas en los folletos del programa del teatro y en publicaciones especiales, y Newton magnificó solo algunas de las razones para incluirlas en sus exhibiciones. Su serie es el punto de partida y el punto de apoyo de esta exposición colectiva abierta hasta el 20 de septiembre en la Fundación. Metiéndose en la piel de un director de teatro, acompañó a los bailarines por las calles de Mónaco, en las escaleras detrás del famoso casino, cerca de la salida de emergencia de un teatro o desnudo en su propia casa. Con Les Ballets de Monte Carlo, por tanto, reinterpreta una idea compositiva que ha llegado a definir su obra.
También encontramos esta conexión en el trabajo de Bernd Uhlig, quien acompaña fotográficamente las coreografías de Sasha Waltz desde hace muchos años. Estos no solo se han representado en teatros clásicos, sino también en museos de renombre en Berlín y Roma, entre otros, en ocasiones tienen lugar en sus escalinatas. En la colaboración de Bernd Uhlig y Sasha Waltz, una forma de arte verdaderamente fugaz y su materialización visual encuentran una conexión agradable, en la que el foco está en la concentración de los actores y los estados de sueño o trance. Mientras que el trabajo anterior (analógico) de Uhlig usaba exposiciones más largas para capturar el movimiento que generaba estelas de movimiento, aquí nos muestra primeros planos de gestos congelados en un lado y toda la coreografía del escenario capturada en fracciones de segundo en el otro.
Vanessa Beecroft presenta mujeres desnudas o vestidas en elaborados tableaux vivants, a menudo representados en galerías o museos, generalmente como eventos públicos. Las mujeres, a menudo unas pocas decenas, están dispuestas en una especie de formación y durante las acciones que duran horas sus movimientos se suceden a cámara lenta. En realidad, casi nada sucede durante la coreografía minimalista. Beecroft documenta fotográficamente este estado de quietud en movimiento, y las numerosas imágenes de la performance transportan el proceso a la imagen estática. Aquí vemos su performance VB55, presentada en la Neue Nationalgalerie de Berlín en 2005, como fotografías a tamaño real. Beecroft se identifica con sus protagonistas: se convierten en un alter ego múltiple, del que solo reclama una expresión facial natural y una postura igualmente natural.
En su serie de varias partes Viva España de 1976, Jürgen Klauke permitió que solo dos personas interactuaran: un hombre y una mujer que realizaban un baile misterioso en un escenario oscuro. Típico de algunos bailes españoles y sudamericanos, este baile también está impregnado de un toque de seducción o erotismo. De los dos protagonistas, sólo vemos sus cuerpos anónimos: mientras el hombre permanece de pie, la mujer gira o se deja girar a su alrededor, cabeza abajo. Sin embargo, ver la secuencia en sucesión da la ilusión de movimiento. Klauke permite que los cuerpos vestidos y semidesnudos del hombre y la mujer se fusionen aparentemente entre sí. Al hacerlo, borra la línea entre lo femenino y lo masculino, lo que también hizo de manera similar en numerosos autorretratos que tomó de sí mismo en la misma época.
Erwin Wurm lleva a Klauke un paso más allá en términos de humor absurdo, cuando le pide a la gente una mini actuación frente a la cámara. Para sus Esculturas de un minuto, las personas interactúan con objetos para transformar la calle y varios interiores en un escenario. Wurm idea poses curiosas o contorsiones absurdas para los colaboradores, proporciona instrucciones claras y sencillas, dando así la señal para traducir la acción performativa de nuevo en fotografías estáticas. Los intentos de acostarse en superficies estrechas, clavar la cabeza en una pared o equilibrar dos tazas en los pies en el aire mientras está acostado boca arriba, no siempre tienen éxito. Evidentemente, quien se deja arrastrar por este insólito experimento artístico debe enfrentarse a sus límites físicos y a sus límites de pudor.
Durante años, Barbara Probst ha sorprendido a los espectadores con su divertida combinación experimental de fotografía callejera clásica, retratos, naturaleza muerta y, más recientemente, moda. Organiza sus fotografías en dípticos, trípticos y, ocasionalmente, en cuadros del tamaño de una pared compuestos por una docena de imágenes individuales. Siempre tienen el mismo título -Exposiciones- y se distinguen por un número de imagen junto con el lugar y la fecha de rodaje. La fecha se indica con el día y el minuto exactos. Fotografíe la misma situación con varias cámaras desde diferentes ángulos simultáneamente, activadas exactamente al mismo tiempo por ondas de radio. Las múltiples perspectivas simultáneas captadas por las cámaras se aplanan, por así decirlo, una vez colgadas en las paredes del espacio expositivo.
Viviane Sassen también trabaja principalmente con el cuerpo humano. A veces, ella lo atrapa en contorsiones extremas para sus imágenes de moda experimental. Él coreografía y escenifica los cuerpos de sus modelos de maneras inesperadas, por ejemplo, coloreando su piel o representándolos oscurecidos por la sombra, reflejados, superpuestos por objetos y, a menudo, abstractos al recortar o enmarcar las imágenes. Ocasionalmente invierte el orden generalmente válido de arriba y abajo, lo que resulta en una sensación de desorientación para el espectador. Sassen nos desafía como espectadores y plantea preguntas sobre tópicos comunes. Como ex modelo, conoce ambos lados, delante y detrás de la cámara. Como dijo una vez en una entrevista, es a través de sus trabajos fotográficos que pudo reclamar el poder sobre su propio cuerpo.
Desde los 90, Inez y Vinoodh han estado irritando el mundo de la moda desde los 90 con imágenes surrealistas. Sus técnicas incluyen la manipulación de imágenes digitales, que utilizan para mezclar los cuerpos de hombres y mujeres. Inez y Vinoodh no solo empujan los límites de los modos comunes de representación, sino también los límites de la realidad. En otras ocasiones, alteraron o combinaron radicalmente los géneros y colores de piel de sus protagonistas. Como tales, sus imágenes encarnan la transgresión de los límites, y esto las vincula con la estrategia anterior de Newton de cuestionar el 'buen gusto' y sutil pero intencionalmente desafiarlo visualmente 'desde dentro del sistema'. Asimismo, realizan editoriales de revistas y trabajan directamente con una serie de diseñadores de renombre y cuentan entre los fotógrafos contemporáneos más influyentes con sus imágenes icónicas.
También encontramos una sensación de ambigüedad en el trabajo de Cindy Sherman. En su primera serie en blanco y negro de pequeño formato, Untitled Film Stills, de finales de la década de 70, interpretó papeles siempre nuevos como actriz. Aunque parecen observaciones poco espectaculares de la vida cotidiana, en realidad están escenificadas deliberadamente, con el artista como personaje principal. Sherman continuó con la idea del juego de roles en su trabajo, y luego se disfrazó detrás de gruesas capas de maquillaje y pelucas, máscaras o implantes mamarios en sus coloridos autorretratos sin título del año 2000. Sus juegos de transformación, camuflaje y la representación naturalmente incluyen muchas referencias cinematográficas: algunos retratos tienen la sensación explícita de fotogramas de películas, con una actriz envejecida actuando en una película que aún no se ha realizado.
La fotografía en blanco y negro de Yang Fudong también está inspirada en el medio cinematográfico, especialmente en el cine negro de la década de 60 e incluso en películas anteriores de Shanghái. Fudong parece rememorar un pasado atemporal con sus fotografías de desnudos teñidas de melancolía; incluso en sus películas nos encontramos con narraciones que están igualmente imbuidas de una sensación de misterio. Una exhibición tan abierta de desnudez todavía se considera una provocación en gran parte de la sociedad china actual. En la serie New Women de Fudong, una o más mujeres desnudas se sientan o se paran en un estudio escaso pero lujoso. Las modelos femeninas, tanto en las imágenes fijas como en la película, recuerdan los retratos de prostitutas de Brassaï del París de la década de 30, que fueron una importante fuente de inspiración para la posterior fotografía de moda ambivalente de Newton. La exposición Body Performance cierra así el círculo a través de una miríada de enfoques a través de diferentes culturas y épocas.
Fue en la década de 70 cuando Robert Longo filmó su secuencia fotográfica Men in the Cities en la azotea de un rascacielos de la ciudad de Nueva York, que luego reinterpretó como dibujos al carboncillo de gran formato. En estas imágenes vemos personas captadas por la cámara en poses poco naturales. Parecen bailar desenfrenadamente o reproducir escenas de westerns americanos, guerras o películas de gánsteres, como cuando alguien parece caer en una lluvia de balas imaginarias. De hecho, fue una película de este tipo de The American Soldier de 1970 de Fassbinder la que inspiró a Longo a crear esta serie de imágenes performativas. En el techo de su loft, sus modelos esquivan los objetos que les arrojan o balancean, mientras Longo los fotografía cayendo al suelo o retorcidos.
Robert Mapplethorpe, por otro lado, solo coreografió a una persona en la imagen que se presenta aquí: la ex campeona mundial de culturismo, Lisa Lyon, quien se refirió a sí misma como una escultora de su propio cuerpo. La vemos acostada desnuda sobre una roca en el Parque Nacional Joshua Tree de California en 1980. La superficie dura de la roca contrasta con su piel suave, mientras que su fuerza masiva coincide con las piernas musculosas de Lyon. En este escenario al aire libre poco convencional, Mapplethorpe nos presenta una coreografía de ballet. Todo puede convertirse en un escenario: una interacción entre ver y ser visto. Casi al mismo tiempo, Newton trabajó con Lyons en California y París. Con esta “mujer fuerte” en el sentido más estricto de la palabra, se cierra otro círculo en la actual exposición Body Performance.
En esta exposición nos encontramos con el juego de roles y la transformación física como perspectivas fotográficas contemporáneas sobre los más diversos aspectos visuales del cuerpo y el movimiento. Al mirar estas imágenes, surgen preguntas sobre cómo somos percibidos por los demás y por nosotros mismos, por la identidad y por el colectivo.
Fuente: FUNDACIÓN Helmut Newton
