Emilio Vedova (nacido en Venecia, 1919-2006) es considerado uno de los artistas italianos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX. Era un artista políticamente comprometido que creía que el arte revolucionario debería ser abstracto. Ha llevado la pintura a nuevos territorios con sus obras viscerales y gestuales que atraen al espectador y redefinen el espacio que habitan. Sus expresivos trazos y salpicaduras de pintura transmiten una violenta y violenta reacción a la realidad política de la posguerra.
“Mis obras no son creaciones sino terremotos” dice Vedova “no pinturas, sino bocanadas de aire…”
Autodidacta, es difícil ubicarlo en el marco de un movimiento artístico específico. En 1942 se unió al grupo antifascista milanés Corrente, que también incluía a los artistas Lucio Fontana y Renato Guttuso, entre otros. En 1946 fue uno de los co-firmantes del manifiesto Más allá de Guernica, que instaba a los artistas a enfrentarse a la realidad sin ser naturalistas. Luego regresó a Venecia, donde su trabajo se volvió progresivamente más abstracto. A fines de la década de 50, estuvo asociado con el informalismo francés y más tarde con la pintura de acción y el renacimiento del expresionismo, pero siempre ha desafiado la categorización. De 1963 a 1965, Vedova trabajó en Berlín, donde se cruzó con destacados artistas contemporáneos como Georg Baselitz. De 1965 a 1969 (y más tarde en 1988), sucedió a Oskar Kokoschka como director de la Internationale Sommerakademie de Salzburgo. Expuso en las legendarias exposiciones documenta I, II y III (1955, 59 y 64) en Kassel. Vedova fue también uno de los expositores más frecuentes de la Bienal de Venecia, en 1952 tuvo una sala dedicada a su obra, en 1960 ganó el primer premio de pintura italiana y, en 1997, el León de Oro a su trayectoria.
El trabajo de Vedova está anclado en la ciudad de Venecia, donde nació y pasó la mayor parte de su vida. En sus notas de estudio de 1980 escribió: “Ahora cae la niebla, una atmósfera pensada propicia / Siempre he encontrado la Venecia de las brumas – ¿Sabes lo que significa nacer en Venecia?”. Las composiciones abstractas de Vedova tienen sus raíces en la tradición de la pintura veneciana. El maestro Tintoretto del siglo XVI, en particular, tuvo una gran influencia en su obra. El historiador del arte Carlo Bertelli escribió: “[La viuda] atacó a Tintoretto con la furia de un Kokoschka”. Vedova quedó fascinado por las pinceladas atrevidas, los gestos acentuados y el uso dramático de la luz del pintor manierista, pero también por su carácter.
Widow pasó el invierno de 1951-52 en París y visitó Chartres. La exposición incluye dos pinturas inspiradas en las vidrieras de la catedral de Chartres. La experiencia inmersiva de la luz y el color difusos ha desencadenado una exploración a largo plazo de lo que Vedova ha definido: “tiempo/luz/espacio/signo”. Una década más tarde, el vidrio real se convirtió en un componente de este trabajo. En 1984, el filósofo Massimo Caccari declaró: “ninguna reproducción fotográfica podría jamás dar una vaga idea de tal calidad física y consistencia de detalles en las obras de Vedova. Para comprender su producción en los últimos años, era necesario considerar, junto con la arquitectura de las iglesias y las figuras barrocas; su experiencia con el vidrio a finales de los 60: la luz que transforma la sustancia; sustancia pura que se vierte en transparencias siempre cambiantes”.
A fines de la década de 50, Vedova viajó a España, donde quedó impactado por las pinturas de Goya, especialmente por su compromiso político. La pobreza del país dirigido por Franco tuvo un fuerte impacto en él, posteriormente produjo en 1961-62 un ciclo de obras dedicadas a España para una exposición en el Ca 'Giuistinian durante la Bienal de Venecia de 1962. La exposición incluye dos obras seminales de esta serie, especialmente Por España '61 / '62 – 1/6, 1961-1962, una obra de técnica mixta con una influencia particularmente dadaísta.
En 1960, Vedova creó escenarios y vestuarios en movimiento para la ópera Intolleranza '60 de Luigi Nono. Esto condujo al primer Plurimi en 1961-63: paneles plegables de madera y metal, pintados por todos lados. Desde entonces, ha experimentado con más medios diferentes y escalas más grandes, incorporando luz, metal y vidrio. Sobre el historiador del arte de Plurimi, Celant escribe: "Con las percepciones de Plurimi [...] se enriquecen en la multiplicación de las perspectivas visuales y físicas y, tras poner en crisis la representación con signos espurios e intensos, llega al punto de demoler la unidad de el perímetro pintado, desordenando su existencia para propagar la violencia de la desunión creadora por todos lados”.
Entre 1977 y 1983, Vedova produjo un ciclo de pinturas titulado Cosiddetti Carnevali. Este grupo de obras se mostró como conjunto solo una década después en la exposición monográfica del Castello di Rivoli. Vedova escribe en su diario: “Me fascina el carnaval […] por su expresividad gestual por su elemento fantástico, lo “impuesto” (lo irregular), por su dinámica, su irracionalidad y su pasión. Me encanta su cualidad "orgánica" y emotiva, su despreocupación y dramatismo, su ambigüedad, su "poder liberador", cuando todo está permitido y es posible, en pocas horas. “Para Vedova, el carnaval nos permite experimentar la libertad, la exaltación y el tormento en un enfrentamiento interminable con el mundo y con nosotros mismos. En … Los llamados Carnavales … '77 / '83 – n. 7 (1977-1983), el juego entre el blanco y el negro y las dos máscaras de yeso parecen expresar una dualidad presente en toda su obra, que simboliza un yo desgarrado en un mundo dividido.
Un piso entero de la galería está dedicado a la década de 80, una década ampliamente reconocida como el punto culminante de la carrera del artista. En los años 80 Vedova amplía su paleta, incorporando colores más vivos, alejándose de los tonos más sobrios de la década anterior. En 1980, Vedova viajó a México, donde los colores y los vastos paisajes le dejaron una impresión duradera.
Al año siguiente, Vedova inició un ciclo de pinturas titulado Teleri, término tomado de Teler, propio del arte veneciano de los siglos XVI y XVII. La exposición presenta obras de dos series particularmente significativas de Teleri: Da Dove (1984) y Di Umano (1985) ). En estas obras los toques de amarillo, verde y rojo dan energía al plano pictórico y aumentan su fuerza emocional.
Emilio Vedova está representado en colecciones de todo el mundo, en particular en la Albertina, Viena, Austria; Les Abattoirs Musée d'Art Moderne et Contemporain, Toulouse, Francia; Berlinische Galerie y Nationalgalerie, Berlín, Alemania; Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina; Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo, Brasil; el Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos; Philadelphia Museum of Art, USA y Peggy Guggenheim Collection, Venecia, Italia.
Vedova participó en las exposiciones documenta de 1955, 1959 y 1982. En 1951, fue premiado para jóvenes pintores en la primera Bienal de São Paulo. En 1959 regresó a la Bienal de São Paulo, poco antes de una gran muestra en el Palazzo Grazzi de Venecia, que luego viajó al Museo Stedelijk de Ámsterdam. Después de participar en la Bienal de Venecia en 1950, 1952 y 1954, ganó el primer premio de pintura italiana en la Bienal de 1960 y en 1997 el León de Oro por su trayectoria.
La mayor exposición individual de su obra se llevó a cabo en el Instituto de Arte Contemporáneo de Washington (1965); Museo Carrillo Gil, Ciudad de México (1980); Museo Correr, Venecia (1984); Bayrische Staatsgemäldesammlungen, Múnich (1986); Castello di Rivoli, Turín (1998); Colección Peggy Guggenheim, Venecia (2007); Galería Nacional de Arte Moderno, Roma (2007); Berlinische Galerie, Berlín (2008), Museo Novecento, Florencia (2018).
Las exposiciones colectivas notables incluyen Pinturas, Esculturas, Ambientes desde el Expresionismo hasta la actualidad, Museo Ludwig de Colonia (1986); Berlinart 1961-1987, Museo de Arte Moderno, Nueva York (1987); La metamorfosis italiana (1943-1968), Museo Guggenheim, Nueva York (1994); Una historia del arte italiano en el siglo XX, Museo de Arte Contemporáneo, Tokio (2001); Figura e imágenes del siglo XX italiano, Museo Nacional de Arte, Beijing (2006), Cursiva: el arte italiano entre la tradición y la revolución 1969-2008, Fundación François Pinault – Palazzo Grassi (2008), In-finitum, Palazzo Fortuny, Venecia ( 2009)); Georg Baselitz – Emilio Vedova, Arte de otro tipo, Museo Salomon Guggenheim, Nueva York (2012); Georg Baselitz – Emilio Vedova, Küppersmühle, Duisburg, Alemania (2016), posguerra, Museum der Kunst, Múnich (2016/17).
