La contraculturara segundo Antonioni
En julio de 1968, hace 50 años, comenzó el rodaje de Punto Zabriskie, una de las películas más icónicas de la historia del cine, manifiesto de una época y de una cultura, propiamente de una contracultura de cuyo magma se materializó esa comunidad de espíritus libres que, con sus desafíos imposibles, acabó polinizando la modernidad.
En ese momento, pocos entendieron el valor ético y artístico de la película, desviados por análisis sociológicos, políticos o ideológicos absolutamente fuera del campo de visión de Antonioni. La película no fue entendida en todo su alcance revolucionario, ni siquiera formalmente y así Punto Zabriskie incluso terminó en la lista de las 50 peores películas de todos los tiempos. La incomunicación de Antonioni con cierta crítica, aún mayor, tiene algo de extraordinario. Roger Elbert, quizás el decano de los críticos de cine, tras asistir a la proyección en Cannes de la bella The Brown Bunny (2003), la calificó irrespetuosamente como "la peor película de la historia del festival". Algo análogo sucedió con el igualmente admirable Promesas escritas en el agua (2010), presentada en la 67ª Mostra de Venecia y luego negada y retirada de distribución por el autor, quien dijo estar amargado por los malentendidos que suscitó la película.
Como NeXT de Steve Jobs, hijo predilecto de esa contracultura, Punto Zabriskie estaba demasiado adelantado a su tiempo y el valor seminal de esas creaciones solo se captaría más tarde. Así como el NeXT fue calificado como "el fracaso más exitoso en la historia de la computadora", la película visionaria de Antonioni fue rehabilitada como "uno de los desastres más extraordinarios en la historia del cine moderno".
Antonioni es un director divisivo: público y crítica divididos frente a sus obras. Las polarizaciones que originaron fueron precursoras de las actuales, que ahora se extienden mucho más allá de las obras de arte para involucrar todos los aspectos de la conversación pública. Antonioni siempre ha reservado un desapego olímpico frente a la agitación en torno a sus obras, representando así muy bien su poética de la ausencia, del vacío.
Antonioni es el único gran director del que no tengo nada bueno que decir. Me aburre; es tan serio y carente de ironía.
François Truffaut
Orson Welles
Hizo dos obras maestras Blow up y La Notte, pero no vale la pena aburrirse con el resto.
Ingmar Bergman
el arte di divisivo di Michelangelo
El rencor que las películas de Michelangelo Antonioni suscitaron en muchos espectadores y en algunos de sus compañeros directores se ve compensado (en la valoración final de su figura como artista) quizás sólo por el prestigio de los premios que ha obtenido (Leones y Palma de Oro y un Oscar por su carrera en 1995, además de otros innumerables premios menores), pero puede incluso ser convertida por su producción como fotógrafa y artista visual que marca su carrera cinematográfica. Esta producción también fue objeto de una exposición La mirada de Miguel Ángel. Antonioni y las artescelebrado en Ferrara en 2013 y posteriormente en 2015 en Roma con una exposición titulada Miguel Ángel Antonioni, pintor, comisariada por la esposa y socia del director, Enrique Fico Antonioni. Lo primero a observar es la coherencia entre el fotógrafo y artista visual Antonioni y Antonioni Antonioni cinematográfico.
La exposición de Ferrara, en particular, también estableció una profunda conexión entre la cinematografía de Antonioni y el mundo artístico de su tiempo, con el que a menudo se relacionó, compartiendo, transponiendo y, a veces, anticipando temas y poéticas. Por ejemplo, la yuxtaposición de algunas obras (recopiladas por Antonioni y a menudo donadas por los autores con muchos de los cuales mantuvo una larga correspondencia) de maestros del expresionismo abstracto como Morandi, Rothko, Burri, Vedova es ciertamente estimulante y reveladora. , Pollock a las imágenes de la filmografía de Antonioni. La impenetrabilidad y el "misterio" del director ferrara resultan así, sin duda, menos difíciles y decae también esa cierta aureola de esnobismo intelectual que envolvía a la figura, impresión totalmente desmentida, por si fuera poco, por la biografía testimonios de quienes lo conocieron y frecuentaron, coincidiendo todos en volverse una persona sumamente humilde, jovial, apasionada y alegre.
El ego desenfrenado de los tres "gigantescos" directores antes mencionados podría estar en realidad desentonado con la poética de un autor que en toda su obra (narrativa, pictórica y cinematográfica) ha tratado de representar el vacío, la desaparición, la ausencia, la extrañamiento, silencio que también son los temas del cine Punto Zabriskie.
Sobre el discurso en sus películas Antonioni fue bastante claro en una entrevista con el periodista y biógrafo Charles T. Samuels: " Creo que la gente habla demasiado, en todo caso ese es el problema. En realidad. No creo en las palabras. La gente usa demasiadas palabras; en general, los abusa. Estoy seguro de que llegará un momento en que la gente hablará menos y más esencialmente. Si la gente habla menos, será más feliz. no me preguntes porque".
¿Antononi habla de gilipolleces virales en las redes sociales?
¿Un artista desafortunado?
Da una sonrisa pensar en la reacción del joven público digital ante los agotadores planos largos y los silencios sepulcrales de las escenas de Antonioni. Una reacción comprobada fue: “¿Pero qué es una película muda?”. Es significativo que los "nativos digitales", acostumbrados a un imaginario icónico que ha reducido casi a cero la necesidad de un texto, y a la comunicación escrita contratada (SMS y tweets), compuesta por siglas y siglas, requerían mayor diálogo, más articulados y explicativos, a partir del entretenimiento que han elegido.
El caso será que los medios de comunicación, a través de sus programas más informativos, nos han persuadido ahora de que vivimos en la "sociedad de las imágenes", fórmula ya institucionalizada a tal punto que también entra dentro de las vías ministeriales por cuestiones de madurez. Una verificación más cuidadosa confirmaría lo contrario: que una imagen no suficientemente comentada o suficientemente parafraseada no es suficiente por sí sola para satisfacer nuestra necesidad de formulaciones narrativas. Incluso las nuevas generaciones piden palabras.
Si esta consideración pudiera generalizarse (pero ningún supuesto lo es), Antonioni sería un autor muy superado, dado que su poética tiende a confiar casi exclusivamente en el poder de la imagen, evitando incluso las sugerencias que un código expresivo aún menos denotativo pueda hacer. como la música. Y hablando de la música de sus películas, el propio Antonioni ha declarado"Personalmente, soy muy reacio a poner música en las películas, precisamente porque siento la necesidad de ser seco, de decir las cosas lo menos posible, de usar los medios más simples y la menor cantidad de medios. Y la música es un medio extra. Tengo demasiada fe en la fuerza y la sugestión de la imagen para creer que la imagen no puede prescindir de la música.".
Quizás esto explique la problemática relación de Antonioni con la música preparada por Pink Floyd llamada por el propio Antonioni para componer el acompañamiento sonoro de la explosiva escena final de Punto Zabriskie. A pesar de la avalancha de música producida por el grupo inglés, Antonioni nunca pareció satisfecho y finalmente, de ese copioso material, seleccionó solo una pequeña parte para incluirla en la película. La historia se reconstruye en un libro. historias y secretos (ed. Giunti) del que hay un estratto también en la red.
Il vacío è il pieno
Pero ni siquiera la imagen es nunca fidedigna y toda la obra de Antonioni se configura como una reflexión sobre la imposibilidad de la imagen para representar la realidad y la incapacidad de la mirada para adherirse a ella y lo fenoménico de Antonioni se expresa en la representación de un vacío que declina. en los paisajes brumosos del valle del Po (gente del po, El grillo), hasta los horizontes esenciales de los desiertos africanos (Professione: Reportero) y californianos (Punto Zabriskie), pasando por el aislamiento también desierto y desierto por la presencia humana de las Islas Eolias (La aventura). Y, sin embargo, la ciudad no es más que un no-lugar, un mero laberinto de hormigón, inhabitable y repulsivo, símbolo de la pérdida de todo sentido, de toda referencia e identidad (La notte, El eclipse).
La serie más importante de la obra pictórica de Antonioni es sin duda la de Montañas Encantadas que se configura en dos formas, nacidas en diferentes momentos y luego combinadas por el autor a partir de 1983, cuando comienza a exponer. Por un lado están las acuarelas y collages en formato reducido (inicialmente 21 × 30 cm) y luego recortadas y reducidas; por otro lado están las ampliaciones fotográficas de detalles de las pinturas que aumentan considerablemente sus dimensiones, revelando en detalle una "consistencia material" que no era visible en el original.
El vacío representa, por tanto, la continuidad del cine de Antonion. Y que el "vacío" de Antonioni es a menudo un "lleno" lo confirma su obsesión por la micrología y la ampliación fotográfica, el intento de llegar al "grano" de las imágenes (como el investigador-fotógrafo interpretado por David Hemmings en Blow-Up, en inglés "magnification", de hecho), el entusiasmo de la última época por la imagen digital que en realidad se compone de "granos" (píxel), "puntos" (puntos) y “líneas” (raster), la obsesión pictórica y cinematográfica por lo informe, los límites efímeros, las barreras sólo aparentemente infranqueables.
De la piel blanca de Lucia Bosè en Cronaca de un amor, al mar tormentoso de Lisca Bianca ne La aventura; del alumbrado públicoeclipsar, a la atmósfera contaminada de Deserto rosso; de las nubes de arena de ZPunto Abriskie e Professione: Reportero a las nieblas de Ferrara de Identificación de una donna e Mas alla de las nubesAntonioni siempre ha preferido sumergir los cuerpos de sus personajes en una luz que funde sus contornos, desdibuja los puntos de referencia y delimita la visión hasta ocultar la línea del horizonte.
Un tropostilema recurrente en la estética de Antonioni es el del zoom in, muy evidente en Blow-Up, pero sobre todo en la famosa larga secuencia final de Professione: Reportero, en el que la cámara avanza muy lentamente hacia una ventana enrejada y "mágicamente" la pasa para salir de la habitación en la que yace el cuerpo de Jack Nicholson.
El "resentimiento" perjudicial contra Antonioni tiene, al fin y al cabo, el mismo estigma que el público occidental (en particular el italiano, poco acostumbrado a los festivales de cine, único enclave en el que en cambio recogen aplausos y reconocimientos) reserva para las películas asiáticas. No son pocos los autores orientales de los que se puede decir que están en deuda con el cine de Antonioni: en particular diría Wong Kar-Wai, Hou Hsiao-Hsien, Tsai Ming-Liang, Apichatpong Weerasethakul.
Las mismas quejas sobre la prolijidad, las mismas acusaciones de intelectualismo hermético han golpeado a los citados ya otros directores, de distinta procedencia, pero con la misma formación, como Wenders, Gus Van Sant, Tarkovsky. Emblemático es el caso de Vincent Gallo hacia quien las críticas han asumido a menudo una virulencia casi histérica, hasta el punto de comprometer incluso su carrera como director. El deambular del protagonista de lo suyo. The Brown Bunny en las deslumbrantes superficies de los lagos salados de Utah no pueden dejar de recordar las imágenes del desierto de Antonioni.
Creo que nuestro ojo realmente necesitaría ser reeducado a la visión de esta invisibilidad, casi como si tuviéramos que acostumbrarnos a captar nuevamente el infrarrojo y el ultravioleta en el rango de frecuencias de luz perceptibles; tal vez, sólo entonces, podamos llamarnos verdaderamente una civilización de imágenes y prescindir (casi) de las palabras.
Policía: Nombre y apellido, por favor
Marc: Carlos Marx
Policía: ¿Qué?… Cómo se escribe, dime letra por letra
Marc: carlomarx
Policía: con una x?
Marc: si con una x
Policía: que demonios se llama!!
