Scorsese tiene la mitad de razón
Ciertamente se puede compartir el sentimiento de tristeza que siente Martin Scorsese al ver tantas bellas películas excluidas de su visualización en los cines. La pantalla grande está cada vez más ocupada por películas de franquicia que los estudios de Hollywood producen en la línea de montaje. También se puede compartir parcialmente la opinión de que las películas de Marvel son un sustituto del cine con solo el sabor del cine, pero no su aura.
Sin embargo, lo que no se puede compartir es que la cinematografía está muerta como arte. Claro que Hollywood está perdido, al menos por ahora. Afortunadamente existe la tecnología para lanzar un salvavidas al arte del cine y sus expresiones no hollywoodenses. Que sean del cine independiente, los autores experimentales y los que están fuera de la manada.
Son precisamente los servicios de transmisión, como Netflix, Prime Amazon, Hulu y otros, los que producen el tipo de películas que Scorsese extraña y las producen en cantidades nunca antes vistas. Están poniendo $30-40 millones para financiar una película sobre Heinrich, sobre la sequía en África, sobre el Alzamiento de Pascua en Irlanda. Netflix le dio a Scorsese $140 millones por el irlandés.
El streaming ayuda al arte del cine
Los servicios de transmisión tienen más de quinientos millones de suscriptores que solicitan contenido de todo tipo para cobrar su tarifa de suscripción de $ 10 a fin de mes. Es un público exigente y diverso. Luego está Mubi, que es el mejor cine de autor de todos los tiempos. Ahí está todo el cine que nos gusta a Scorsese ya mí. Si estas películas terminan o no en los cines es una cuestión secundaria. Están ahí y sostiene a los autores, atrae a nuevos y educa a los espectadores de franquicias en el arte perdido del cine.
Es un fenómeno inmenso, el del streaming. El último número de The Economist le dedica la portada y el editorial. The Economist dice que hoy el streaming está atrayendo recursos e inteligencias que empujan a la par de los que sustentaron el boom ferroviario en el siglo XIX y el boom del automóvil en la segunda mitad del siglo XIX. Una bacanal de 650 mil millones de dólares, titula el semanario londinense.
Lo que inevitablemente sucede es que la forma de utilizar estos contenidos se traslada de los cines a la pantalla de televisión y los dispositivos móviles más pequeños. Y esto deja cierta amargura en quienes practican y aman el cine con la "C" mayúscula. Pero así son las cosas y no se puede detener una inundación con un balde. Entonces, si pocas películas en streaming terminan en los cines, la culpa ciertamente no es de los servicios tecnológicos. Quizás también sea responsabilidad de las elecciones de los expositores que, como los editores de libros, han tomado la resolución de luchar y frenar los nuevos avances.
El punto de vista de Scorsese es demasiado importante para no considerarlo adecuadamente. Por eso ofrecemos su discurso, publicado en New York Times, al lector italiano.
Feliz lectura.
Las franquicias son una calamidad
A principios de octubre fui a Inglaterra e hice una entrevista para “Empire Magazine”. Me preguntaron qué pensaba de las películas de Marvel. He mirado algunos, pero no son para mí. Se parecen más a un patio de recreo que a las películas que he conocido y amado en mi vida. Las películas de Marvel no son cines.
Hay quienes se ofendieron por mi opinión y la interpretaron como una forma de desprecio por Marvel. Si alguien quiere leer mis palabras en este sentido, no puedo evitarlo. Pero este no es el punto.
Muchas franquicias están hechas por personas con gran talento artístico. Mi desinterés por estas películas es una cuestión de gusto personal. Si fuera más joven o hubiera alcanzado la madurez en otro momento, probablemente sería un fanático de este tipo de cine. Tal vez incluso podría dirigir uno yo mismo. Pero crecí en otra época y desarrollé una concepción del cine, de lo que fue y lo que podría haber sido, que está más alejada del universo Marvel que la Tierra de Alpha Centauri.
Para mí, para los cineastas que me inspiraron y para las personas con las que comencé a trabajar, el cine fue una experiencia estética, emocional y espiritual. Se trataba de los personajes, su complejidad, las contradicciones de su ser, cómo podían amarse u odiarse unos a otros y aceptarse a sí mismos. Se trataba de narrar lo impredecible en la pantalla y en la vida. Una situación que el cine dramatizaba e interpretaba, dando sentido al potencial expresivo del arte.
Nuestro enfoque
Ese fue nuestro enfoque: queríamos construir una forma de arte. Hubo un debate en ese momento sobre si el cine era arte o entretenimiento. Nos pusimos del lado del cine como arte para decir que era como la literatura, la música o la danza. Este arte puede expresarse en diferentes lugares y de diversas formas: en Corea en llamas por Sam Fuller, en Persona de Ingmar Bergmann. En siempre hace buen tiempo por Stanley Donen y Gene Kelly, en Ascendente Escorpio por Kenneth Anger, en Esta es mi vida por Jean-Luc Godard, editor contrato para matar de Don Siegel.
O en las películas de Alfred Hitchcock. Creo que podría decirse que Hitchcock fue su propia franquicia. O que era nuestra franquicia. Cada nueva película de Hitchcock era un acontecimiento. Párese entre los espectadores en un antiguo cine y mire La ventana en el patio fue una experiencia extraordinaria: un evento que produjo una alquimia entre el público y la película que se proyectaba en la pantalla. Fue electrizante.
Y, en cierto sentido, algunas de las películas de Hitchcock también fueron un patio de recreo. Estoy pensando en El otro hombre: El clímax tiene lugar en un carrusel en un parque de diversiones real. o un Psico. Lo vi en el estreno en el programa de medianoche. Una experiencia que nunca olvidaré. La gente se ha ido sorprendida y emocionada, ciertamente no decepcionada.
Sesenta o setenta años después seguimos viendo estas películas y sintiendo el mismo asombro. Pero, ¿es la emoción y la emoción lo que aún crea el hechizo? No lo creo. los conjuntos de intriga internacional son sorprendentes, pero no serían más que una secuencia de construcciones elegantes y dinámicas cautivadoras por el magistral montaje, si no fuera por las intensas emociones de la historia o la historia humana del personaje de Cary Grant.
El clímax de El otro hombre es una gran construcción fílmica formal, pero es la interacción entre los dos protagonistas y la actuación profundamente inquietante de Robert Walker lo que aún cautiva al espectador hoy.
El defecto de las franquicias
Algunos dicen que todas las películas de Hitchcock se parecían entre sí. Quizás esto sea cierto, el propio Hitchcock lo reconoció. Pero las similitudes que encontremos entre las películas de las franquicias actuales es otra cosa completamente distinta. Hay muchos elementos en la película de Marvel que definen el cine como yo lo veo. Lo que falta es desvelamiento, misterio o auténtica implicación emocional. Nada está realmente en riesgo. Las películas están diseñadas para satisfacer una determinada demanda y se conciben como una serie de variaciones sobre un número limitado de temas.
Son secuelas de nombre, pero son remakes en espíritu. Y no podía ser de otra manera. Esta es la naturaleza de las franquicias cinematográficas de hoy: productos de investigación de mercado, específicamente probados, ajustados, modificados y revisados por la audiencia hasta que se consideren adecuados para el uso y consumo de la audiencia objetivo.
En otras palabras, podemos decir que son todo lo que no son las películas de Paul Thomas Anderson, Claire Denis, Spike Lee, Ari Aster, Kathryn Bigelow o Wes Anderson. Cuando salga una película de uno de esos directores, estoy seguro de que veré algo absolutamente nuevo que me brindará experiencias nuevas y ciertamente irrepetibles o replicables en serie. Se ampliará mi concepción de lo que es posible contar a través de una película.
Mi problema con Marvel
¿Cuál es mi problema con Marvel? ¿Por qué no dejo que las películas de superhéroes y otras franquicias hagan lo que se supone que deben hacer? La razón es bastante simple. Aquí, y en todo el mundo, las franquicias se han convertido en casi la única opción disponible para el público cinematográfico en la pantalla grande. Es un negocio extremadamente peligroso para la cinematografía. Hoy en día hay cada vez menos cine independiente.
Todo se puso patas arriba. El streaming se ha convertido en la principal forma de disfrutar del cine. Sin embargo, no conozco a un solo director que no esté ansioso por crear una película para la gran pantalla, una película para ser mostrada al público en una sala de cine. Yo incluido. Y hablo como un director que acaba de hacer una película con Netflix.
Gracias a Netflix pudimos darnos cuenta el irlandés la forma en que queríamos hacerlo, y por eso siempre le estaré agradecido. Pero, ¿me gustaría que la película también se exhibiera en los cines a perpetuidad? Claro que si. Pero da igual con quién hagas una película, lo cierto es que las pantallas de la mayoría de los multicines están ocupadas por franquicias.
Y si cree que, en última instancia, es solo una cuestión de oferta y demanda o de darle a la gente lo que quiere, no estoy de acuerdo. Si a la gente se le ofrece un solo tipo de cosa, y eso se vende sin cesar, obviamente van a querer más y más.
Podríamos preguntarnos qué tiene de malo que estas personas se queden en casa y vean algo en Netflix, Apple TV o Hulu. Por supuesto que no duele. Puede mirar a cualquier parte menos a la gran pantalla, donde el director quiere que se vea su película.
La aversión al riesgo de los estudios
Es bien sabido que la industria del cine ha cambiado por completo en los últimos veinte años. Sin embargo, el cambio más alarmante ha ocurrido bajo el radar, en secreto. El sistema de estudios ha decidido eliminar el componente de riesgo de su actividad. Muchas películas hoy en día son productos formalmente perfectos, empaquetados para su consumo inmediato. Muchos de ellos están muy bien hechos por equipos con muchos talentos dentro de ellos. A pesar de ello, carecen de un componente esencial del verdadero cine: la visión unificadora del artista. Porque, obviamente, el artista independiente es el mayor factor de riesgo.
No digo que las películas deban ser una forma de arte subvencionada, ni que alguna vez lo hayan sido. Cuando el sistema de estudios de Hollywood todavía era vital y saludable, las tensiones entre artistas y hombres de negocios eran frecuentes y furiosas. Pero fue una tensión productiva la que nos dio algunas de las mejores películas de la historia. En palabras de Bob Dylan, los mejores fueron "heroicos y visionarios".
Hoy esa tensión ha desaparecido y hay algunas personas en la industria que muestran la mayor indiferencia ante las necesidades del arte en el cine. Tienen una actitud arrogante y asertiva hacia la historia del cine, una combinación destructiva.
Actualmente, por desgracia, la situación se caracteriza por dos campos distintos: en uno está el entretenimiento multimedia distribuido globalmente, en el otro está el cine. A veces se superponen virtuosamente, pero poco a poco esto sucede cada vez menos. Me temo que el dominio financiero de uno se está utilizando para marginar o incluso aniquilar al otro.
Para cualquiera que sueñe con hacer cine o esté empezando, la situación actual es brutal y desoladora para el cine como arte. El sólo tener que escribir estas palabras me llena de una gran melancolía.
