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La película de esta semana es un homenaje obediente a un icono del cine internacional: Robert Redford. Un homenaje porque, en sus intenciones, debería ser su última prueba actoral y, en cierto sentido, la síntesis de su larga y laureada carrera. Viejo hombre y el pistola está basada en una historia real, aunque muy ficticia, y trata de la vida de un elegante y refinado "gentleman" atracador que dedicó su vida a asaltar bancos y, una vez detenido, a fugarse en 16 ocasiones. La trama es sencilla y reconstruye su carrera criminal hasta su final. La película discurre a veces más bien lenta y monótona, lúgubre y triste, pero precisamente en estos sentimientos, con esta mirada, queda muy bien reflejado todo el otoño profesional de esta figura legendaria de la gran pantalla.
Él (1936), y su casi contemporáneo Harrison Ford (1942), fueron las imágenes masculinas, muy apreciadas por el público femenino, las que mejor representaron y sintetizaron las venas del exitoso cine estadounidense a partir de los años setenta. Quizás, no sea casualidad que para terminar su carrera como actor Redford (todavía decidió continuar en la dirección donde realizó interesantes películas como la conocida El susurrador de caballos) ha elegido un tema que inevitablemente trae a la memoria títulos memorables: de Butch Cassidy a Len picadura de George Roi Hill a El gran Gatsby, así como Red Crow You Shall Not Have My Scalp tampoco Los tres días del cóndor por Sidney Pollack. Todos sus personajes están adentro, unidos por su mirada que, aun cuando quiere ser dura y mezquina, no puede ocultar un fuerte sentido de humanidad.
Es una película que apreciamos y ofrecemos precisamente como reconocimiento y signo de un mundo cinematográfico que ya declina hacia otros modelos, otros sujetos. No ofrecemos comparaciones: cada época, cada período histórico, encuentra las imágenes que mejor lo representan. Old Man & the Gun nos deja el legado de un rostro, de una máscara cinematográfica que estamos muy agradecidos.
En estos días también está en los cines. El Frío Guerrasobre la que escribimos estrenado en FIRSTonline el pasado mes de junio, dirigida por Pawel Pawlikowski, con dos soberbios actores como Tomasz Kot y Agata Kulesza. Se ha escrito, desde muchos lados, que es una obra maestra, uno de esos raros casos de relato cinematográfico donde el puro, absoluto sentimiento de amor entre un hombre y una mujer se representan en su forma más clara y esencial y, por ello, Por eso mismo, la película se propone en blanco y negro. Repetimos lo que escribimos con mayor convicción que entonces:
Para volver a la actualidad e intentar entender qué está pasando en Europa, cuáles son las sensibilidades e intereses cinematográficos imperantes, os ofrecemos una película anómala pero importante, ganadora del premio de dirección de Cannes: Frío Guerra (Frío Guerra). Una historia trágica, gris y dramática: es la historia de Viktor y Zula en la Polonia de posguerra. Dos almas, dos cuerpos que se encuentran en las notas del piano y se buscarán vagando por una Europa que intenta reconstruir su identidad abrumada por los escombros del gran conflicto, en un ambiente primero abrasador y luego frío de cerrado e impenetrable. fronteras políticas. Todo esto es la película de Pawel Pawlikowski premio al mejor director en el reciente Festival Francés. Todo merecido, todo justo, todo equilibrado en otorgar reconocimiento a quienes aún logran traer, en el insólito formato cuadrado de 4/3, en blanco y negro, la tragedia humana en toda su sencillez, en toda su naturalidad. Los dos protagonistas se aman más allá de cualquier límite, de cualquier barrera, de cualquier conveniencia y al borde de este amor, acompañados de lugares y músicas de fuerte sugestión, su historia se consumirá.
Es una película que te transporta a una forma obsoleta, en algunos aspectos antigua, de hacer cine. No sólo y no tanto por el uso del blanco y negro que también podría aparecer como una forma sofisticada y aristocrática de contar historias a través de imágenes, donde las secuencias no tienen ni un desvanecimiento, todo desprendido. No sólo por la total ausencia de florituras, artificios, más o menos efectos especiales (es curioso observar que si bien esta película ganó en Cannes a la dirección, como escribimos antes, se cumplía el 50 aniversario de la obra maestra de Kubrick que fue artífice de la época contemporánea). Es por tanto una forma de hacer cine que no deja de ser original, tan esencial como funcional (un nombre inapropiado pero quizás da una buena idea) para contar a través de imágenes los sentimientos fundamentales, en primer lugar el del amor.
Finalmente, les contamos sobre una película documental que solo estuvo en los cines durante 4 días y, esperamos, vuelva pronto. (sin embargo, es visible en Netflix). es La mirada de Orson Welles, extraído de las memorias, apuntes, bocetos y dibujos que Welles realizó a lo largo de su carrera. Probablemente fue el mayor director, actor y guionista del último siglo sobre el que se han escrito ríos de tinta. Pero pocas veces se ha podido "leer" las fuentes visuales en las que se inspiró y este documental nos permite hacerlo de una forma fascinante. Para tener en cuenta y no perderse cuando vuelva a los cines.
