Avec une soirée d'ouverture en présence de Sergio Mattarella, Président de la République, Ursula von der Leyen, président de la Commission européenne, Giorgia Meloni, premier ministre, Salle Giuseppe, maire de Milan et bien d'autres, la saison du Teatro alla Scala de Milan commence.
Désormais, l'opéra, drame musical populaire en quatre parties (sept scènes), se poursuivra dans son calendrier, les 10, 13, 16, 20, 23, 29 décembre 2022, toujours à partir de 20
Les décors ont été conçus par Es Devlin, Ida Marie Ellekilde; les costumes et Luke Halls les vidéos, tandis que les lumières sont de Jonas Bǿgh. Les rôles principaux sont joués par Ildar Abdrazakov en tant que protagoniste, Ain Anger en Pimen, Stanislav Tromov en Varlaam, Dmitry Golovnin en Grigorij et Norbert Ernst en Shuysky, tandis que Lilly Jørstad est Fyodor. Le Chœur du Teatro alla Scala est dirigé par Maestro Alberto Malazzi.
Titre récurrent des saisons Scala depuis la première italienne de 1909 commandée par Toscanini (mais dirigé par Edoardo Vitale), dirigé entre autres par Toscanini lui-même mais aussi par Guarnieri, Votto, Gavazzeni et Gergiev, Boris Godunov ouvre la saison de Vérone pour la deuxième fois après la mémorable édition dirigée par Claudio Abbado en 1979, mise en scène par Yuri Lyubimov . La version choisie est celle originale de 1869, qui consterne ses contemporains par ses traits novateurs et réalistes tant d'un point de vue dramaturgique que musical, et se focalise sur le thème de la culpabilité individuelle et ses conséquences inéluctables. Une histoire sombre et d'actualité qui fait écho au sujet du Macbeth de Verdi avec lequel le Teatro alla Scala a inauguré la saison 2021/2022. Nous sommes en 1598 : le tsar Fëdor meurt, gardes et prêtres exhortent le peuple à prier pour que le boyard Boris Godounov accepte de monter sur le trône. Enfin le sacre a lieu sur la place des cathédrales du Kremlin avec une grandiose cérémonie troublée cependant par quelques émeutes. Dans une cellule du monastère de Chudov, le vieux moine Pimen est sur le point de terminer sa chronique des événements de Russie. La chronique rapportera la vérité sur l'assassinat de Zarevič Dimitri, héritier légitime du trône, perpétré sur ordre de Boris. Pimen raconte le crime au novice Grigory, qui, ayant le même âge que le tsarévitch, décide de se faire passer pour lui et mène une révolte contre Boris pour s'emparer du trône. Grigorij se réfugie en Pologne évitant l'arrestation en traversant la frontière avec la Lituanie. Les dernières scènes racontent des événements survenus en 1604 : les enfants de Boris, Xenia et Fëdor ont grandi ; le tsar gouverne un pays désormais épuisé par la famine dans lequel le mécontentement souffle parmi le peuple et les rumeurs sur le régicide commis se multiplient, tandis que les forces rebelles dirigées par Grigory se pressent aux frontières. Hanté par le fantôme du tsarévitch, Boris Godounov perd la tête et meurt après une dernière exhortation à son fils Fiodor.
Riccardo Chailly et Boris Godunov
Parmi les chemins désormais nombreux qui composent l'expérience de plus de quarante ans de Riccardo Chailly à La Scala, celui qui traverse le répertoire russe revêt une importance particulière. Après des débuts précoces sur le podium des Masnadieri en 1978, appelé par Abbado en remplacement de Gavazzeni, Chailly remporte en 1979 un chaleureux succès personnel en dirigeant The Rake's Progress de Stravinsky au Lirico, suivi en 1981 du puzzle critique et interprétatif que représente la foire de Soročincy par Moussorgski, résolu avec brio. En 1994, c'est au tour de l'Ange de feu de Prokoffev, un succès dont beaucoup se souviennent encore. « Pendant les premières saisons de ma direction musicale – explique le Maître – J'ai jugé nécessaire de me concentrer exclusivement sur le répertoire italien, avec des cours consacrés à Giacomo Puccini, la "Trilogie de la jeunesse" de Giuseppe Verdi et les opéras qui ont eu leur première mondiale à La Scala. Aujourd'hui, le moment est venu de donner de la place à d'autres voix qui font pleinement partie de l'histoire de La Scala. Boris Godounov de Modeste Moussorgski a eu sa première représentation italienne dans notre Théâtre en 1909 sous la direction d'Edoardo Vitale et Fëdor Šaljapin comme protagoniste, et est resté dans les saisons suivantes comme une présence constante, en particulier grâce à Arturo Toscanini qui l'a dirigé pendant quatre Saisons entre 1922 et 1927, à Antonio Guarnieri qui la proposa à nouveau en 1935, 1941 et 1946, puis, entre autres, à Antonino Votto et Gianandrea Gavazzeni. En 1979, Boris Godunov est le deuxième opéra non italien à inaugurer la Saison le 7 décembre après Fidelio mis en scène par Karl Böhm en 1974 : un choix d'ouverture voulu par Claudio Abbado qui en donne une interprétation mémorable avec le metteur en scène Yurij Ljubimov. J'étais l'assistant d'Abbado à l'époque et je me souviens des mois de répétitions pour créer un spectacle très novateur qui a aussi fait l'objet de critiques mais qui est resté dans l'histoire de l'interprétation lyrique ainsi que dans celle de La Scala. Tullio Sera a écrit que la grandeur de Boris est peut-être due au sombre réalisme avec lequel Verdi dépeint le vertige du pouvoir chez Macbeth. Présenter les deux œuvres dans deux inaugurations consécutives prend aussi ce sens ».
Le spectacle signé Kasper Holten et son équipe créative propose une lecture de l'œuvre centrée sur les thèmes de la conscience opposée au pouvoir et de la vérité opposée à la censure.
A la racine de la réflexion metteur en scène là est l'origine du livret, la pièce de Pouchkine, composée en 1825 et publiée en 1831. En supprimant l'épopée du « temps des troubles », Pouchkine s'est ouvertement inspiré des grands drames historiques shakespeariens, non seulement dans la grandeur de la fresque mais aussi dans la profondeur des personnages. D'autre part, il est intéressant d'observer comment Shakespeare vivait à l'époque du Godounov historique. Certaines solutions adoptées dans le spectacle s'inspirent précisément du théâtre de Shakespeare, comme la représentation du sentiment de culpabilité à travers la matérialisation de fantômes, réels ou imaginaires, sur la scène. Le spectre du Zarevič assassiné par Boris pour conquérir le pouvoir sera un élément récurrent, signe visible de la culpabilité et enfin de la folie de son assassin. Un autre élément qui sera placé au premier plan est la figure de Pimen, que nous verrons sur scène ; pas dès le début résolu à écrire sa chronique, témoignage véridique et donc politiquement dangereux des faits que Boris et ses scribes tentent de dissimuler. Au centre de l'exposition se trouve justement cette référence à la vérité et la nécessité d'en témoigner. Le spectateur sera transporté dans la chronique de Pimen et donc dans l'histoire, où passé, présent et futur se croisent et s'influencent mutuellement. Une histoire circulaire dans laquelle la violence revient comme une constante.
L'histoire, divisée en sept scènes, est divisée en deux parties distinctes qui seront soulignées par l'insertion d'un intervalle
Dans les quatre premières scènes on assiste à la cérémonie publique du sacre comme moyen de propagande pour attirer le peuple, au témoignage subversif de vérité de Pimen et à la décision de Grigory de déformer cette vérité pour usurper le pouvoir : bref, on assiste à ce qui arrive à Boris en le regardant de l'extérieur. Dans les trois scènes restantes - qui se déroule presque sept ans plus tard - on est avec Boris, on voit comment il essaie de vivre avec sa culpabilité, on sent sa peur et son chemin vers la folie en entrant dans son esprit. Ici aussi les plans temporels se croisent : les enfants de Boris, Fëdor et Ksenija, auront le même sort que les Zarevič mais aussi autant de victimes de la violence aveugle du pouvoir absolu. Avec la mort de Boris, un cercle fait d'encre et de sang se referme, dans lequel on voit l'histoire et sa narration représentées ensemble.
La mise en scène reprend la scénographie d'Es Devlin. L'artiste britannique a élargi le champ de son activité de la scénographie d'opéra aux grands événements, des cérémonies pour les Jeux olympiques de Londres et de Rio de Janeiro aux tournées d'Adele et de Beyoncé aux grandes sculptures de Trafalgar Square, pour le Victoria and Albert Museum et Art Basel, jusqu'à la collaboration originale avec le physicien italien Carlo Rovelli. Les costumes de la Danoise Ida Marie Ellekilde traversent l'histoire allant avec un esprit créatif et non philologique de l'époque de Boris Godounov à celle de Pouchkine, de Moussorgski jusqu'à des allusions au présent.
Versions de Boris Godunov
Le compositeur procède alors entre 1871 et 1872, dans une période où il partage une chambre avec Rimsky-Korsakov, à une révision radicale (dite "version originale") qui prévoit l'ajout de trois nouvelles scènes. Deux composent le spectaculaire "acte polonais" dans lequel non seulement une série de chansons populaires intervient pour atténuer la morosité générale, mais la voix de ténor de Grigorij (le "faux Dimitri") trouve place et expansion héroïque aux côtés de Marina, le personnage féminin qui il manquait à la première version. Le troisième, qui retravaille les thèmes de la "scène des innocents", déplace la fin des tons humbles de la mort de Boris vers la grandiose révolte dans la forêt de Kromy. Non seulement la continuité est rompue au profit d'une « dramaturgie de l'image » qui se déplace entre différents lieux et époques, mais toute la musique est réécrite en atténuant le réalisme au profit d'un élan lyrique plus accentué. La révision suffit à faire jouer l'opéra, qui fut mis en scène au Mariinsky le 8 février 1874, mais pas à décréter son succès. Les critiques et confrères accusent l'auteur de mauvais goût et d'ignorance musicale : en fait un véritable lynchage.
La survie du titre sur scène est due en grande partie à la révision achevée par Nikolaj Rimsky-Korsakov en 1896, qui réinvente l'œuvre en la recouvrant d'une orchestration luxuriante d'une immense séduction mais en contraste frappant avec les couleurs rugueuses et sévères souhaitées. par Moussorgski. Entre-temps, en 1928, le musicologue russe Pavel Lamm publie une révision critique incluant les deux versions originales dans la partition, respectueuse de la volonté de l'auteur et de ses manuscrits extrêmement précis. La toute première représentation deUr-Boris a lieu le 16 février 1928 à Leningrad. Une nouvelle version fut alors préparée par Eostakovie entre 1939 et 1940 et fut mise en scène à Moscou en 1959. La reprise exécutive définitive duOur Boris devra attendre la version Kirov réalisée par Valery Gergiev en 1992.
Pour sa neuvième ouverture de la saison, Maestro Riccardo Chailly a choisi de diriger Boris Godounov dans la première version en sept scènes présentée par Moussorgski aux Théâtres impériaux de Saint-Pétersbourg en 1869
L'opéra, parmi les plus grands chefs-d'œuvre du théâtre musical, a une gestation et une histoire complexes. Le compositeur, né dans une famille de propriétaires terriens et tourné vers la musique abandonnant sa carrière militaire, avait subi les conséquences économiques de l'abolition du servage, se réduisant à une vie incertaine et précaire, minée par l'alcool et l'épilepsie. Boris Godounov c'est sa première œuvre, et brise les conventions du théâtre musical de l'époque avec des effets disruptifs. Le livret, de la main du compositeur, s'inspire de la tragédie de Puekin et de Histoire de l'État russe d'Alexandre Karamzine pour dessiner un drame shakespearien de la culpabilité sur fond de ce qu'on appelle le "Temps des troubles" (1598-1614), les années d'anarchie entre la mort d'Ivan le Terrible et l'avènement des Romanov. Pour ce faire, Moussorgski imagine un langage musical visionnaire et anticipatif qui brise les formes fermées de l'opéra traditionnel au profit d'une adhésion absolue à la morphologie de la langue russe. Après un peu plus d'un an de travail, d'octobre 1868 à décembre 1869, Moussorgski présente une œuvre radicalement novatrice à la commande des Théâtres impériaux de Saint-Pétersbourg : divisée en 7 scènes, elle n'a pas de numéros fermés, elle ne contient pas de intrigue sentimentale , n'a pas de rôle féminin pertinent mais n'inclut même pas un ténor héroïque ou amoureux. C'est le soi-disant Ur-Boris o Boris original : dense, sombre, profond. Aujourd'hui La Scala le présente comme le titre inaugural ; elle était alors beaucoup trop inhabituelle pour la commission, qui la rejeta par six voix contre une.
Les différentes versions du Boris – observe Franco Pulcini – reflètent différents moments du sentiment national en Russie : laUr-Boris fait écho à la tradition religieuse et spirituelle russe centrée sur le thème de la culpabilité individuelle avec des accents en quelque sorte analogues à Crime et Châtiment par Dostoïevski. Ce drame de conscience prendra des traits historico-politiques plus marqués dans la version originale de 1874, avec l'adjonction de l'acte polonais. Le rejet des deux versions voulu par Moussorgski reflète le sentiment d'infériorité des Russes du XIXe siècle envers la culture européenne et leur peur de paraître primitifs, brutaux, sauvages. Un sentiment auquel la maîtrise instrumentale de Rimsky-Korsakov trouve refuge avec sa teinte arabesque qui atténue la violence du réalisme de l'auteur. L'ère soviétique, en revanche, influence la version d'Eostakovie dans laquelle l'acte polonais devient une métaphore de la peur de l'agression extérieure ressentie par les Russes pendant les années de guerre froide. L'Ur-Boris, avec ses accents shakespeariens et sa réflexion presque religieuse sur les thèmes dostoïevskiens du crime, de la culpabilité, du châtiment inévitable et de la coexistence du bien et du mal, présente un caractère universel plus que d'autres versions.
Le protagoniste
Ildar Abdrazakov arrive avec Boris Godounov lors de son sixième 7 décembre. Dès le début ne La sonnambule en 2001, Abdrazakov a chanté à La Scala ne La force du destin, Macbeth, Samson et Dalila, Iphigénie en Aulide (avec Riccardo Muti, 7 décembre 2002), Fidelio, Moise et Pharaon (avec Riccardo Muti, 7 décembre 2003), Carmen, Lucia di Lammermoor, Les contes d'Homann, Le nozze di Figaro, Don Carlo, Ernani et les trois dernières ouvertures de saison avec Riccardo Chailly : Attila le 7 décembre 2019, la soirée "A riveder le stelle" le 7 décembre 2020 et Macbeth le 7 décembre 2021, ainsi que dans de nombreux concerts. Doté d'une technique vocale et de qualités scéniques qui lui permettent de préparer un vaste répertoire, Abdrazakov aussi dans ses engagements de ces saisons oscille entreItalien à Alger (Salzbourg 2022 et 2023 avec Cecilia Bartoli, Saint-Pétersbourg 2022) et de Le Turc en Italie (Vienne, 2022) a Attila (Londres 2022), Don Carlo (Munich, 2022 et 2023), La Damnation de Faust (Naples 2023); pas exactement un Boris Godounov (Valdivostok et Milan 2022, Munich 2023).
Alla Scala reviendra en mars 2023 pour jouer les quatre personnages maléfiques dans le Contes d'Homann réalisé par Frédéric Chaslin. Son activité de concertiste est également intense ce qui, après les galas aux Arènes de Vérone et à Saint-Pétersbourg, le ramènera aux États-Unis en 2023 avec le Boston Symphony Orchestra dirigé par Andris Nelsons.
