Morandi n'avait pas de véritable atelier, il vivait et travaillait dans une pièce, où il y avait une grêle, un bureau, une table à dessin, un chevalet et une infinité d'étagères, où il plaçait des vases, des pichets, des verres et des boîtes de toutes sortes.
Ces objets immobiles étaient ses modèles, qu'il composait et décomposait selon son humeur en natures mortes en parfaite harmonie chromatique.
Morandi, artiste et poète bolognais, était un profond admirateur de Pascal et Leopardi. C'est précisément dès le début qu'il a compris l'importance de faire coïncider l'art avec la vie et de faire vivre ses œuvres à travers son existence. Et c'est ainsi que dans ses œuvres il n'y a pas de frontière entre l'espace et le temps, entre la matérialité et l'immatérialité.
Un homme simple avec une forte personnalité et conscient de ses capacités d'expression, où son espace physique devient une projection de son propre espace mental.
Ses œuvres apparaissent comme des natures métaphysiques d'un monde inaccessible qui savent atteindre l'essence des choses.
Même les paysages sont plongés dans une sorte de lumière presque réinventée, couleurs poussiéreuses et mélangées sur elles-mêmes, non loin des couchers de soleil gallois de Tourneur.
Mais ce sont les natures mortes qui le représentent le mieux, où les objets sont le miroir de lui-même où il peut enquêter sur sa propre existence, en effet ses "créatures" sont très souvent toujours les mêmes, immobiles où les ombres coïncident avec leur matérialité.
Né à Bologne en 1890 où il vivra toute sa vie aux côtés de sa mère bien-aimée Maria Caccaferri et de ses trois sœurs, Dina, Anna et Maria Teresa.
En 1907, il s'inscrit au cours préparatoire de l'Académie des Beaux-Arts de Bologne et en trois ans, il obtient son diplôme avec toutes les notes, obtenant un diplôme honorifique.
Deux ans plus tard, Morandi découvre dans le livre de Vittorio Pica "Les impressionnistes français quelques toiles de Cézanne comme «Vase de fleurs » et « Coin de table », des œuvres qui lui sont inconnues mais qui le fascinent profondément.
Et en 1909, il se rendit à Florence pour voir le Galerie des Offices, où il est particulièrement frappé par le travail de Giotto et masaccio et Paul Uccello. Pendant votre séjour à Venise, visitez la Biennale dans un seul but, visitez la salle avec trente-sept œuvres de Auguste Renoir.
De retour à Bologne il peint "Le paysage printanier"Et le"Chute de neige», où une personnalité à la Morandi est déjà perçue, même si le processus de formation de Morandi n'en est qu'à ses balbutiements. En 1912, il obtient la qualification pour enseigner le dessin.
A partir de ce moment commence sa relation avec le Futurisme, et donc son analyse de la transparence des vases en verre, mais sans jamais entrer dans le bien-fondé de la notion de force et de dynamisme qui sous-tend le langage futuriste.
Nous sommes en 1913, dans cette période les travaux sont exécutés, "Natures mortes en verre""Portrait de soeur"3 certains"Paysages" .
Avec la guerre, Morandi est appelé aux armes, il cessera de peindre jusqu'à ce qu'il tombe gravement malade et soit renvoyé chez lui et réformé. Des œuvres ultérieures semblent émerger d'images de la toute première Quattrocento avec une référence évidente à Giotto.
En 1920, une période de maturité s'ouvre pour l'artiste, où toutes ses expériences sont recomposées. Il broie les couleurs pour trouver de nouvelles tonalités, il prépare les toiles et choisit ses objets de plus en plus minutieusement, faisant entrer la métaphysique dans les choses les plus simples. Ici les formes apparaissent images d'une âme suspendue dans l'air, et les oeuvres de plus en plus éternelles.
A la fin des années 20, les peintures prennent un sens plus naturaliste, lorsqu'il fréquente les environnements du «sauvage» et du «italien» fondés respectivement par Mino Maccari et Léo Longanesi.
Dans la décennie suivante, la peinture de Morandi change complètement, passant d'un style naturaliste à un style où la forme est fascinée par la dissolution, presque dictée par l'existence psychologique de l'artiste de s'offrir à une épreuve sans appel.
Les peintures ressemblent à des cadres d'une même image qui se répètent, et alors que la seconde guerre est sur le point de se terminer, Morandi quitte Bologne pour s'installer à la campagne, entre Bologne et Florence. Une période celle-ci, où le peintre choisit le chemin de l'intériorité, du silence et de la solitude qui blanchit tout.
Lorsque sa notoriété augmente, Morandi se replie sur lui-même et c'est aussi la période où il abandonne presque complètement les paysages et se réfugie dans la nature morte, avec de plus en plus d'opposition entre lumière et ombre.
Progressivement la couleur rose saumon qui illumine bon nombre de ses toiles est également remplacée par le noir presque violet qui donne à l'objet le sens de protagoniste.
Ces dernières années, nous sommes entre 1963 et 1964, il redécouvre son amour pour l'aquarelle, comme marquer « l'instant fugace » sur le papier ou peut-être cet arc-en-ciel de son cœur qu'il n'a jamais réussi à exprimer : là où il n'y a ni paysages ni immobiles vies mais seulement l'essentialisme de la forme.
Morandi a composé la forme, puis a su l'ériger et la faire vivre en silence. On comprend mieux maintenant que chacun de ses objets avait une vie, un mouvement masqué par l'ombre ou une immense fragilité comparable à ce que l'œuvre de Morandi a donné à l'art moderne.
