La sculpture, on le sait bien, n'entre dans la collection qu'après la peinture et cela pour plusieurs raisons : la première, les dimensions qui peuvent parfois nécessiter un grand espace, et mieux si on en fait le tour ; la seconde, une sensibilité différente à la tridimensionnalité qui caractérise la sculpture qui la place davantage à l'usage du public.
Au cours des siècles passés, les sculpteurs n'utilisaient que des matériaux qui se prêtaient au modelage, comme l'argile. Ou un matériau plus dur comme la pierre ou le marbre qui, cependant, sous les mains habiles d'un tailleur de pierre, pourrait être transformé en formes harmonieuses. Alors qu'aujourd'hui, les sculpteurs modernes ont élargi l'utilisation de matériaux, tels que l'acier ou les résines jusqu'aux substances biologiques périssables au fil du temps.
Dans l'Antiquité, le terme "artifex" désignait à la fois l'artiste et le sculpteur, tandis que le terme "operarius" s'adressait à l'ouvrier. Mais souvent, ils ont été inventés en une seule figure capable de modeler et de façonner la matière. Ainsi aussi le tailleur de pierre castillan et les sculpteurs français appartenaient à la même classe, ils étaient également dignes de représentation.
En pleine Renaissance, Donatello on l'appelait "scarillateur" ou tailleur de pierre, tandis que Léonard, dans sa Comparaison des arts, plaçait sans hésiter "la peinture au-dessus de la sculpture". Et tandis que de Vinci méditait sur les principes qui régissaient l'activité de la sculpture, Michel-Ange, de vingt-trois ans son cadet, créait ses plus belles œuvres sculpturales. Rappelons-nous alors Cellini, Vasari, Pigalle, Bouchardon, Ou l' Bernin. Plus tard, Falconet e Canova, pour arriver au XIXe siècle avec Rodin e Hildebrand. Au siècle suivant, le XXe, les formes sont influencées par la période historique. Les oeuvres doivent s'échelonner dans le temps, l'espace et se débarrasser de toute excroissance jusqu'à devenir conscientes et pures dans une forme complexe tout azimut comme celle de Moore, Harpe, Boccioni. L'espace devient ainsi l'un des attributs fondamentaux de la sculpture de ce siècle dernier.
Aujourd'hui, la sculpture projette et dessine dans l'espace à l'aide de nouvelles méthodes, utilisant cet espace et construisant avec lui, comme s'il s'agissait d'un matériau de nouvelle génération. D'où les nouvelles formes parfois performatives comme celles de Anish Kapoor ou contextualiser la symbologie qui est entrée dans notre nouveau monde, vous voyez Jeff Koons, avec ses grands coeurs en métal soudé et coloré qui ressemblent à des ballons gonflés et suspendus dans les airs.
La passion pour, en revanche, est différente Giacometti (10 octobre 1901 - 11 janvier 1966) impliquant des collectionneurs du monde entier. Ses œuvres sont aujourd'hui parmi ses préférées, jamais de taille monumentale mais d'une importance immense.
Giacometti, s'est également inspiré d'Auguste Rodin et un exemple en est l'œuvre "Homme qui marche": sculpture conçue comme le prototype de l'homme qui à travers la tempête de l'homme qui a connu l'enfer ne ramenant que la peau et les os, comme un spectre où règne un déséquilibre exaspérant.
Le philosophe Sartre définit le sculpteur comme l'artiste incontournable par excellence et le considère comme l'auteur d'une révolution copernicienne dans le domaine de l'art, plaçant Giacometti au centre d'un nouveau contexte philosophique.
Aujourd'hui ses silhouettes élancées sont placées dans les plus grands musées et sont de plus en plus recherchées par les collectionneurs et par les amateurs d'oeuvres "façonnées par la matière".
La sculpture "Grande femme II", a été vendue lors d'une vente aux enchères d'art d'avant-garde européenne par Christie's à Paris pour 25 millions d'euros. L'acheteur est un collectionneur privé qui a requis l'anonymat. La maison de vente aux enchères, dans un communiqué, explique que la sculpture de Giacometti a décroché le record d'une œuvre d'art vendue en France aux enchères.
