Africa Vibes: en el Opificio Golinelli un recorrido por las obras africanas de la Colección Marino y Paola Golinelli
Obras de Joël Andrianomearisoa (Antananarivo, Madagascar, 1977), Abdoulaye Konaté (Diré, Mali 1953), Gonçalo Mabunda (Maputo, Mozambique, 1975), Cameron Platter (Johannesburgo, Sudáfrica, 1978), Pascale Marthine Tayou, (Yaoundé, Camerún , 1967), Ouattara Watts, (Abiyán, Costa de Marfil, 1957), todas realizadas en la última década, en un camino coherente con la aproximación multidisciplinar y didáctica al arte que la Fundación Golinelli propone a través de las actividades del área de proyectos Arte, Ciencia y el Conocimiento, especialmente a través de las grandes exposiciones que se celebran anualmente desde 2010.
Las 11 obras presentes en Opificio Golinelli fueron seleccionadas entre las aproximadamente 600 obras de la Colección Golinelli. Diferente entre sí en los lenguajes utilizados y en la expresión de poéticas individuales, se combinan sin embargo por el uso común de técnicas fuertemente marcadas por la artesanía, por la recuperación y transformación de los materiales encontrados, situándose a medio camino entre la cultura de origen y experiencia occidental. Características que serán exploradas en las actividades docentes y de laboratorio propuestas por los tutores de la Fundación Golinelli, trabajando temas, como la reutilización, que no solo son política y antropológicamente correctos sino que hoy constituyen una de las formas de expresión expresiva más sofisticadas y actuales. investiga no solo en arte sino también en diseño, arquitectura, incluso cine.
Jean Apollinaire Tayou nació en Yaoundé, Camerún en 1967. A mediados de los noventa, cambió su nombre, declinándolo por uno femenino, convirtiéndose así en Pascale Marthine Tayou. La obra de Tayou está muy ligada a la idea de viaje y encuentro con el otro. La del viajero para Pascale Tayou no es solo una condición de vida, sino una condición psicológica, explorando temas contemporáneos como los de la identidad, la apropiación cultural, la permeabilidad de las fronteras en relación a las migraciones humanas. Tayou hizo de su condición de inmigrante la expresión de toda una generación de hombres y artistas: los que se sitúan "a medio camino" entre su cultura originaria y la experiencia occidental; Africanos de espíritu pero al mismo tiempo nuevos ciudadanos europeos; desorientado y poscolonial. En las coloridas esculturas con forma humana de Fashion Street, Tayou combina vidrio, esponjas, lana, plástico, cuero, cuentas y conchas marinas y otros materiales reciclados en un trabajo que está fuertemente relacionado con su trasfondo cultural específico. Los "vestidos" que visten las figuras están inspirados en formas tribales africanas, combinados con objetos que provienen de la sociedad de consumo europea. Las figuras en sí están construidas con vidrio producido a pocos kilómetros de Florencia.
Los artistas, las artistas…
Nacido en Abidjan (Costa de Marfil) en 1957, Ouattara Watts estudió en una escuela religiosa y recibió una temprana iniciación en los rituales chamánicos, a pesar de vivir en una gran ciudad y, por lo tanto, también estar expuesto a la cultura urbana. Una condición a caballo entre la modernidad y la tradición que quedará reflejada en sus obras. En 1977 se trasladó a París para estudiar en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts. En la capital francesa, a finales de los años ochenta, conoce a Jean Michel Basquiat, de quien se hace amigo, quien lo convencerá de mudarse a Nueva York, donde aún hoy reside. Autor de una pintura vibrante de colores, materiales y signos hipnóticos, Watts explora la identidad multicultural y el sentido de la espiritualidad en la sociedad contemporánea. Con el tiempo ha desarrollado un rico código expresivo, un alfabeto de formas, números, letras, símbolos científicos y religiosos, que utiliza, fusionándolo con el uso de objetos encontrados y reciclados, fotografía y otros medios, para comunicar su dinámica y poética. visión de la sociedad y de la historia y su personal acercamiento a la metafísica. Sus obras evocan el África ancestral pero también las influencias de artistas como Picasso o Cy Twombly, quedando como suspendidas entre dos mundos, creando un puente entre ellos. “Mi visión no se basa en pertenecer a un país o a un continente –dice el artista– sino que va más allá de la geografía, más allá de lo que se puede ver en un mapa. Si bien algunos de mis elementos pictóricos se pueden referir a una cultura específica, y así entenderse mejor, mi trabajo se refiere a algo mucho más amplio, se refiere al Cosmos”. Le Fleurs du Mal I cita la famosa colección de poemas de Baudelaire -que trata temas metafísicos, teológicos y exóticos- y combina el uso de un precioso tejido oriental, imágenes de figuras demoníacas, líneas de números que simbolizan las rutas de los esclavos y formas biomórficas. o elemental, calcado según una forma de improvisación que recuerda al jazz.
El artista sudafricano Cameron Platter (Johannesburgo, 1978, vive en Ciudad del Cabo y KwaZulu Natal) concibe su trabajo como una forma de reportaje, en el que describe lo que ve a su alrededor: «discotecas, comida rápida, historias de crímenes, el mundo del arte , TV, cine, política, consumismo…». La realidad, con su inagotable variedad y extraordinaria complejidad, le proporciona un repertorio de imágenes que luego el artista dispersa a través de múltiples medios: dibujo, pintura, escultura, fotografía, tapices, dibujo mural, vídeo. Lo ordinario y marginal de su obra se llena de significados incendiarios, comunicados de una manera extremadamente directa, una denuncia del consumismo, la degradación, la desigualdad, de los conflictos latentes que atraviesan la sociedad sudafricana. Su lenguaje inmediato y subversivo se inspira en el mundo de la infancia y el arte popular, pero también en los linograbados de un maestro del arte sudafricano como John Muafangejo y en los carteles de protesta. Risk es un gran dibujo al pastel sobre papel, técnica muy utilizada por el artista, con campos de color planos y un uso muy gráfico del blanco y negro que hace que la obra parezca un grabado. Pertenece a una serie de obras de gran formato que Platter considera "Murales nómadas", según la definición de tapices de Le Courbusier. «Es lo que haces lo que te pone en riesgo!!!» (¡¡Es lo que haces lo que te pone en riesgo!!!) leemos en el centro de la obra. La escritura va acompañada de la imagen de una gallina que ocupa casi toda la superficie, destacando sobre un fondo decorado con un estilizado motivo de cientos de huevos recién puestos. Los animales se utilizan a menudo en las obras de Platter como un espejo de los comportamientos humanos. En este caso la referencia es al aumento constante de los ritmos de producción, a jornadas laborales cada vez más completas y prolongadas, especialmente para los trabajadores menos calificados, lo que contrasta con las necesidades fisiológicas de pausas y descanso, aumentando el riesgo de enfermedades, lesiones, estrés.
El título que eligió Joël Andrianomearisoa (Antananarivo, Madagascar, 1977) para esta obra no es casualidad: Sin título – Pocas de mis cosas favoritas. De hecho, la obra presenta algunos de los elementos característicos de su obra. En primer lugar el material utilizado: el tejido, que recuerda su formación, que comenzó a los doce años en la academia de moda de su Madagascar natal. En segundo lugar las formas: radicalmente geométricas. En tercer lugar, el color: negro, que ofrece al artista «infinitas posibilidades. En cada pieza tengo que encontrar variaciones en el espectro del negro, diferentes posiciones del negro. No es sólo un color, sino también una actitud… apunta a lo universal». Después de sus primeros estudios en su Madagascar natal, Andrianomearisoa continuó su formación en París, Ecole Speciale d'Architecture, donde fue alumno de Odile Decq, sintiendo los efectos de sus atmósferas "oscuras" que caracterizan las obras del célebre arquitecto. Llegó entonces a una concepción que denominó «archi-vestimenta»: una práctica que ocupa un territorio híbrido entre el arte, la moda, el diseño, la arquitectura. Este gran tapiz rectangular también participa de los aportes entre estos diferentes sectores, compuesto por retazos geométricos de telas que declinan una escala infinita de negros, en una superposición de capas que alcanza una densidad tridimensional y escultórica. Una obra que surge de una serie de manipulaciones que en su realización conducen al resultado final, fruto de la necesidad de dejarse sorprender por los objetos que nacen de las propias manos.
Gonçalo Mabunda (Maputo, 1975) trabaja sobre la memoria colectiva de su país, Mozambique, que vivió una larga y terrible guerra civil que comenzó cuando era niño, poco después de la independencia de Portugal al final de cinco siglos de colonización. Sus esculturas están hechas con armas incautadas a la guerrilla al final del conflicto, que duró de 1977 a 1992. Recicladas en formas antropomórficas que remiten a las tradicionales máscaras africanas -diferentes en cada región del continente y fuente de inspiración de tantas El arte occidental, desde Picasso a Braque hasta el más contemporáneo Thomas Houseago, las armas utilizadas por Mabunda tienen un fuerte sentido de denuncia política pero, al mismo tiempo, proponen una reflexión positiva sobre la capacidad del arte para transformar las cosas. Una habilidad que pertenece en particular a la creatividad africana, un maestro en reciclar lo que ya existe, a menudo desechos o materiales sin valor, dando vida a bellas obras. Sorprendentes, irónicas e imaginativas, las máscaras están flanqueadas, en la obra de Mabunda, por obras de mayor tamaño que adoptan la forma de tronos, aparentemente similares a las expresiones del arte cortesano africano muy buscadas por los coleccionistas internacionales. Realizados también con armas desactivadas, presentan una abierta referencia a la simbología tribal del poder, con la intención de denunciar las responsabilidades de los políticos en una situación de inestabilidad que vuelve a generar violencia en el país. Mozambique es la única nación del mundo que tiene un arma de fuego como símbolo en su bandera.
Abdoulaye Konaté (1953, Diré. Vive en Bamako) es un artista maliense entre los más reconocidos del continente africano. Su investigación se mueve entre los conflictos del mundo moderno y la tradición artesanal de su país de origen. Típico de su sello estilístico son los "tapices" de gran formato en los que cientos de tiras de tela teñida a mano, principalmente algodón (uno de los cultivos fundamentales de Malí), caen en cascada y se combinan en fascinantes efectos cromáticos. Con estas obras, el artista hace referencia a la tradición de África Occidental de utilizar tejidos como medio de conmemoración y comunicación. Inicialmente orientada hacia la abstracción, la investigación de Konaté se abrió cada vez más a las referencias a la realidad y lo social, vinculándose a la actualidad geopolítica, a temas como la guerra, la lucha por el poder, la religión, la globalización, los cambios ecológicos y la epidemia del SIDA. En los últimos años muchas de sus obras hacen referencia a la guerra civil en Malí entre las fuerzas gubernamentales, los separatistas tuareg y los rebeldes islamistas, criticando toda forma de violencia motivada en términos religiosos o étnicos. En el itinerario de Konatè destaca la obra Koré Dugaw (Malí), una instalación formada por un gran tapiz con figuras enmascaradas y objetos simbólicos típicos de una de las sociedades iniciáticas bambara, la Koré, y un maniquí con una colorida capa con flecos. En palabras del autor, “esta obra monumental es un homenaje al grupo de iniciados Korè Dugaw, muy importante para la cultura maliense ya que representa la parte más abierta de la sociedad. En efecto, a los iniciados se les otorga total libertad de expresión: pueden expresarse libremente y criticar todos los aspectos de la sociedad, incluso lanzando críticas vehementes contra exponentes de la política, la cultura, etc. El manto fetiche también se convierte aquí en armadura y representa el papel de autoridad absoluta de estos 'sacerdotes de las ideas'.
