Toda la libertad italiana en Reggio Emilia. Siete secciones que reúnen casi 300 obras: pinturas, esculturas, gráficos, proyectos arquitectónicos y decorativos, carteles, cerámicas, préstamos muy seleccionados de los más importantes museos italianos y extraordinarias colecciones privadas se recopilan y exhiben hasta el 4 de febrero en el Palazzo Magnani. Muchos de estos préstamos son el resultado de los estudios más recientes y salen de las colecciones mostrándose al gran público por primera vez.
Cada sección de la exposición - dedicada al diálogo entre las diferentes artes - destaca la alternancia entre las dos "almas" de la libertad italiana: la propiamente floral y la "modernista", más inquieta y cercana a las influencias europeas, y que poco después a la búsqueda de las vanguardias y al desarrollo en clave más estilizada y esencial del lenguaje decorativo.
“Dentro de una idea más amplia y general de la “libertad italiana” – anticipan los curadores Francesco Parisi y Anna Villari – queríamos comparar las dos tendencias diferentes; tratando de sustentar el debate histórico-artístico de la época que identificaba la línea fluida, floral y decorativa como la verdadera esencia del Art Nouveau y, por otro lado, recuperando el modelo crítico de la literatura contemporánea que identificaba en el Art Nouveau todo lo que se consideraba modernas y disruptivas, incluyendo así también aquellas experiencias que en Italia no pueden calificarse propiamente de florales sino de modernistas o secesionistas”.
El itinerario de la exposición se desarrolla según una escansión por secciones "tradicionales": pintura, escultura, decoración mural, cerámica, proyectos de casas de artistas (como una nueva clave para entrar en la idea proyectual del arquitecto que trabaja, excepcionalmente y con la máxima libertad de expresión, por sí mismo), carteles, ilustraciones y gráficos originales.
Hilo rojo que une todos los apartados: la línea gráfica y la investigación del signo, que en su momento fueron la base del diseño y concepción formal de cada obra, tanto la más propiamente fluida y floral, como la más severa y moderna. uno. De hecho, se han combinado con pinturas, esculturas, cerámicas, grandes carteles publicitarios, bocetos preparatorios, cartones para frescos, dibujos relativos a jarrones, ilustraciones, grabados.
Una clave insólita que revela la verdadera esencia conceptual y expresiva de Liberty, un movimiento, una tendencia y una moda que, tras más de cien años, aún no ha agotado su poder de seducción.
LAS SECCIONES DE LA EXPOSICIÓN
CUADRO
En las tres grandes salas dedicadas íntegramente a la pintura, se verá que en Italia no es posible identificar un estilo unitario atribuible a una ortodoxia libertaria sino una variedad debida en parte a la fidelidad a un lenguaje tradicional, más que a una atención a la diversas tendencias más allá de los Alpes. A pesar de ello, en varios artistas -desde Casorati a Boccioni a Bargellini, de Bocchi a Corcos- se puede percibir un eco de la línea decorativa Liberty, coincidiendo muchas veces con una búsqueda juvenil.
ILUSTRACIÓN Y GRÁFICOS
Quizás más que ninguna otra, la expresión artística que caracterizó a la Belle Epoque fue la gráfica, tanto la aplicada -es decir, el cartel y la ilustración de libros- como la producción más personal que salía de las prensas de los artistas individuales que, en una más amplia, en las exposiciones de arte se le llamó "Blanco y Negro". En el caso de la producción gráfica original, se trataba casi siempre de obras inspiradas en los grandes temas de la literatura decadente o historicista; en el caso, sin embargo, de la gráfica editorial se crearon importantes binomios entre artista y hombre de letras. Un ejemplo de ello es la relación entre De Carolis y D'Annunzio, o entre Francesco Nonni y Antonio Beltramelli.
Se da un amplio espacio al grabado original y se exhibirán las obras de los artistas más influyentes con especímenes raros y preciosos de varios archivos privados y de las colecciones de la Calcografía Nacional de Roma.
LAS CASAS DEL ARTISTA
El espacio histórico que separa los últimos años del siglo XIX de la Primera Guerra Mundial, la llamada Belle Époque, vio a arquitectos de toda Italia comenzar a lidiar con el consumo de masas y transformar su papel en el de un diseñador total, en estela de los secesionistas. Pero un aspecto particular de la estrecha conexión entre arte, literatura y decoración se puede rastrear sobre todo en la creación de casas de artistas modernos: escritores, escultores, pintores que en la plena madurez de su carrera profesional dedicaron sus energías a crear una unión perfecta. entre la arquitectura, la pintura, la escultura y las artes decorativas diseñando y construyendo según un gusto que variaba según las distintas almas de Liberty. En exhibición proyectos, dibujos, bocetos, pinturas y objetos de Ettore Ximenes, Duilio Cambellotti, Vittorio Grassi, Giuseppe Palanti, Paolo Sironi, Raimondo D'Aronco, Ernesto Basile.
LAS ARTES DECORATIVAS
La explosión de las tendencias Art Nouveau en Italia se produjo sobre todo con motivo de la exposición de Turín de 1902, cuando en otros países ya había signos de crisis, y en Viena se evidenciaba lo que se habría definido como el "Estilo Secesión". comenzando a emerger. En Italia, si por un lado se afirmaba el floralismo de estilo historicista (que se denominó "Dolce Stil Novo"), ya existían los pródromos de lo que habría sido el llamado modernismo (Randone, Vincenzo Jerace, Ernesto Basile). No por casualidad los premios de la exposición de Turín fueron para el dúo Basile-Ducrot (que poco después comenzó a colaborar con Duilio Cambellotti) y para Galileo Chini.
ESCULTURA
Tras los desnudos sinuosos y las ninfas marinas que habían caracterizado muchas esculturas públicas de finales del siglo XIX, la tendencia escultórica más marcadamente Liberty se expresa en la obra de artistas como Domenico Trentacoste o Pietro Canonica. Pero los escultores italianos ya habían comenzado hacia 1880 a sentir las primeras inquietudes del Simbolismo, como Leonardo Bistolfi y, junto a ellos, también los jóvenes que crecieron ya no sobre modelos nacionales decimonónicos sino sobre los grandes maestros extranjeros que tomaban su lugar. primeros pasos: Attilio Selva, Giovanni Primi, Ercole Drei, Nicola d'Antino.
LA GRAN PINTURA DECORATIVA
La verdadera tendencia sintética, inherente a la naturaleza decorativa, la síntesis de color, los fondos planos típicos de la libertad internacional, se expresó sobre todo en los ciclos de frescos privados y públicos creados por Edoardo Gioia, Galileo Chini (decoraciones para edificios de spa y villas privadas) , Adolfo De Carolis, Annibale Brugnoli, Giulio Bargellini y Antonio Rizzi (victoriano).
LOS POSTERS
En años en los que se prestó atención al mundo de las artes aplicadas, de la decoración, de lo que se llamará diseño, en la necesidad de revalorizar la relación entre industria y artesanía educando al pueblo en una belleza generalizada del objeto de la vida cotidiana. Incluso el cartel se convierte en un canal a través del cual el artista moderno puede transmitir su creatividad, haciéndose activo y útil en la difusión de los frutos benéficos de la revolución industrial.
Participando del ambiente cultural dominante, artistas como Adolfo De Carolis, Adolfo Hohenstein, Aleardo Terzi, Plinio Nomellini, Galileo Chini, Leonardo Bistolfi, Vittorio Grassi o Umberto Boccioni se dedicaron al nuevo "arte del cartel", y aplicaron los rasgos estilísticos de las corrientes figurativas del momento. Se exhiben carteles nunca antes vistos en grandes dimensiones y con un impacto de color disruptivo.
Imagen de portada: Aroldo Bonzagni: All'uscita della Scala, 1910 acuarela y témpera sobre papel aplicado a cartón, 40,5×50,5 cm Milán, Galleria d'Arte Moderna
