Pablo Picasso se întoarce la Roma la 100 de ani după călătoria pe care a făcut-o acolo la vârsta de 37 de ani, în clima furtunoasă din 1917, la apogeul războiului mondial. De fapt, grajdurile Quirinale dedică o expoziție foarte interesantă marelui pictor spaniol care îmbrățișează un deceniu fundamental din viața artistică și umană a lui Picasso, anii 1915-1925. Picasso și-a făcut călătoria în Italia, la Roma și Napoli de la Paris, unde a condus revoluţia cubistă. La Roma, printre altele, a cunoscut o dansatoare atrăgătoare Olga Khokhlova, care mai târziu avea să-i devină soție.
Expoziția intitulată „Picasso. Between Cubism and Classicism 1915-1925” reunește peste o sută de capodopere, inclusiv pânze, guașe și desene, precum și fotografii, scrisori cu autograf și alte documente atent selectate de curatorul Olivier Berggruen cu Anunciata von Liechtenstein. Printre acestea, Portretul Olgăi într-un fotoliu (1918), Arlechin (Léonide Massine) (1917), Natura moartă cu chitară, sticlă, fructe, farfurie și pahar pe masă (1919), Două femei care aleargă pe plajă (Alerga ) (1922) lucrare aleasă ca afiș pentru expoziție, Flaut de pan (1923), Acrobat așezat cu brațele încrucișate (1923), Arlechin cu oglindă (1923), Paulo ca Arlechin (1924), Paulo ca Pierrot (1925). Pentru Picasso a fost o perioadă de regândire profundă a propriei identități.
Războiul l-a lipsit pe artistul spaniol de tovarășii săi de călătorie: pictorul Georges Braque și poetul Guillaume Apollinaire s-au înrolat în armată, iar negustorul Daniel-Henry Kahnweiler a fost nevoit, din cauza originilor sale germane și a simpatiilor sale franceze, să caute exilul în Elveția. Picasso se trezește lucrând în singurătate în studioul său parizian de pe rue Schoelcher, iar fotografiile care îl înfățișează mărturisesc versatilitatea pe care o atribuie propriei imagini: aceea a unui artist feroce, cu identități multiple, care provoacă lumea artei pe măsură ce trece treptat într-un luptător, muncitor, artist din Montmartre și burghez parizian. Din acest punct de vedere, călătoria în Italia capătă o importanță fundamentală în viața artistului. Aici întâlnește arta lui Rafael, la Napoli îl admiră pe Hercule Farnese și celelalte capodopere clasice ale Muzeului de Arheologie. Ca să nu mai vorbim de impactul artistic și emoțional pe care l-a avut asupra lui farmecul misterios al frescelor din Pompei.
Picasso a plecat în Italia în urma prietenului său Jean Cocteau, pe care l-a cunoscut cu doi ani mai devreme, prezentat de compozitorul Edgar Varese. Și Cocteau a fost cel care l-a fascinat cu proiectul de balet burlesc pe care îl punea în scenă cu compania de balet rusă a lui Diaghilev. De la întâlnirea cu Diaghilev iau acoperire „Parada” un spectacol de dans pe care baletele rusești îl pregătesc pentru Roma.
Tot acest bagaj de experiențe noi reprezintă punctul central al expoziției de la Scuderie del Quirinale. Expoziția se concentrează în special pe metoda pastișei, analizând metodele și procedeele prin care Picasso a folosit-o ca instrument în slujba modernismului, într-una dintre cele mai originale și extraordinare călătorii de la realism la abstractizare din istoria artei moderne. Lucrarea făcută pentru Balet Parade, pe muzică de Satie, după cum va preciza prietenul și criticul său Apollinaire, va fi menită să deranjeze foarte mult ideile spectatorilor și însăși producția „geniului Picasso”. Alături de Parade și schițele pentru decorurile și fundalurile baletului Pulcinella, două spectacole de teatru puternic influențate de experiența turneului italian.
Expoziția ilustrează experimentele lui Picasso cu diferite stiluri și genuri: de la jocul suprafețelor decorative în colaje, realizat în timpul Primului Război Mondial, până la realismul stilizat al „anilor Diaghilev”, de la natura moartă la portrete.
Expoziția documentează așadar impactul pe termen lung al șederii în Italia asupra artei maestrului spaniol, impact evidențiat de numeroasele lucrări de inspirație clasică create în perioada care a urmat acelei călătorii; lucrări concepute și elaborate într-un mod foarte personal, după cum subliniază curatorul Olivier Berggruen: „Al statuilor antice a fost impresionat de monumentalitate și senzualitate ascunsă, mai mult decât de forme și proporții. Dar apoi, anticipând anumite transgresiuni moderne, Picasso începuse să pună împreună „înalt” și „jos” cu mare ușurință. În dorința lui pentru o artă în același timp mai modernă, dar și mai primitivă, devenind și mai interesată de toate acele lumi „la marginea clasicismului”, preferând pe etrusci Roma Antică și Renaștere, frescele erotice din Pompei. , măștile Commedia dell'arte, viața frenetică de pe via Margutta în 1917, sau cea a aleilor din Napoli».
Dacă Roma îl pune pe Picasso în contact cu marea tradiție artistică romană, la Napoli artistul în timp ce se plimbă pe aleile Forcellei alături de marele compozitor rus Igor Stravinskij, al cărui celebru portret poate fi admirat expus, dă peste un spectacol de păpuși al comediei dell. 'arte, spectacole tradiționale de teatru în aer liber ale măștii Pulcinella. Spectacolul modest oferit de teatrul napolitan reafirmă atât gustul artiștilor pentru formele de artă populare, cât și tradiționale și reprezintă dovada că cea mai simplă expresie artistică ar putea avea un apel universal.
Surse diferite de inspirație, de la cele mai joase la cele mai înalte, pot fi integrate în lucrările lor, la fel cum peisajul roman oferă o viziune în care antichitățile, bisericile renascentiste și palatele baroc par să se contopească.
În urma călătoriei sale în Italia, Picasso reînnoiește reprezentările tradiționale ale acrobaților și artiștilor de circ din tinerețe, portretele nostalgice ale artiștilor surprinși adesea pozând și meditativ. Subiectele care au populat perioadele albastru și roz devin apoi modelele viziunii sale artistice personale astfel încât figura arlechinului devine o metaforă a procesului de creație al pictorului. Picasso devine un iscusit jongler de stiluri, capabil să treacă de la reprezentări gânditoare ale scălătorilor și artiștilor stradali la naturi moarte ironice, de la compoziții cubiste decorative la portrete introvertite. Această perioadă de experimentare stilistică culminează cu convulsiva „La danse” din 1925, care marchează rămas bun de la lumea dansului și este în mod constant ultima lucrare expusă.
Expoziția, care va rămâne deschisă până pe 21 ianuarie, a fost posibilă datorită a 38 de creditori. Lucrări unice din Europa, Statele Unite și Japonia. Muzeul Picasso, Centre Pompidou din Paris, Tate din Londra și din nou MoMa, Muzeul Metropolitan, Guggenheim din New York și apoi din nou Muzeul Berggruen din Berlin, Fundația Museu Picasso din Barcelona și Muzeul Tyssen din Madrid pentru a numi câteva unele. „Este o expoziție la care se lucrează din 2015 și care se prezintă ca una dintre cele mai importante expoziții dedicate vreodată lui Picasso în Italia” subliniază Mario De Simoni, Președinte și CEO Ales spa, coproducător al expoziției cu MondoMostre. Skira și cu participarea Galeriilor Naționale de Artă Antică.
Proiectul a fost dezvoltat sub supravegherea unui prestigios comitet științific format din Carmen Gimenez, Laurent Le Bon, Brigitte Léal, Valentina Moncada, Bernard Ruiz Picasso și Gary Tinterow. Montarea este curatoriată de Studio Selldorf din New York.
