Thiebaud から Manzoni まで、ニューヨークのオークションでの現代アート (サザビーズ)

オークションのプレゼント 51月1日からサザビーズ・ヨーク・アベニューのギャラリーで一般公開されているXNUMX区画、現代美術オークションと印象派と現代美術の XNUMX 月のセールに加えて。

現代美術オークションの作品の一部をご紹介します。

キャリアの重大な瞬間に処刑された ウィレム・デ・クーニング『無題 XXII』 1977 年からの作品は、アーティストの成熟した作品の頂点を表しています。 デ・クーニングは、キャリアの初期にマンハッタンの生活の騒音と緊張に疲れ果て、1959年から夏をイースト・ハンプトンで過ごし、1963年にスプリングスに永住し、光に満ちた静かな環境に身を浸した。 「無題 XXII」は抽象的なままですが、デ・クーニングを魅了した海洋と平和な環境の本質、記憶、経験を呼び起こし、オランダの子供時代の家を思い出させます。 デ・クーニングがデッサンと彫刻に集中した活動休止期間を経て絵画に復帰したことを記念する「無題 XXII」は、デ・クーニングのキャリアの中で最も象徴的なものの一つに数えられる、色鮮やかな大規模なキャンバスの輝かしい作品群を生み出した創造性の爆発的な爆発の一部です。

『ブルー・オーバー・レッド』は、1953 年のマーク・ロスコの最初の重要な年の作品を表しています。 25年以上後に競売にかけられる予定（推定35～50万ドル）。 この絵画は、1957 年代前半の発展の重要な時期を表しており、彼が MoMA 裏手にある新しいスタジオに移動した直後で、そこで彼は最も画期的な色の探求のいくつかを描きました。 『ブルー・オーバー・レッド』は、2005年に伝説的なディーラー兼コレクターのハロルド・ダイアモンドによってアーティストから直接入手され、その後ボルチモアのコレクターであるイスラエルとセルマ・ローゼンとともに数十年を過ごし、5,6年にこの作品をオークションに出品し、2007万ドルで落札された。 XNUMX 年以来、同じ個人コレクションに保管されています。

PH-399 は、スティルの先見の明のある作品の根本的な革新を示しています。 1946 年に描かれたこの作品は、ニューヨークでのアーティストの最初の個展と同じ年であり、スティルの実践における初期のマイルストーンです。 PH-399 は、スティルの特徴的なスタイルの実現だけでなく、抽象表現主義の始まりでもあります。1946 年には、マーク・ロスコがサンフランシスコ近代美術館で初の個展を開催し、ジャクソン・ポロックの絵画が XNUMX 年に展示されました。ニューヨークのホイットニー美術館の年次展覧会で初めて、そして美術評論家のロバート・コーツは正式に「抽象表現主義」という用語を造語しました。
ニューヨーカーは、今後数年間でニューヨーク学派およびより広い芸術界の主要な芸術様式として現れる新しい運動を説明する手段として使用されました。
現在の作品の重要性の証として、PH-399 はスティル自身によって、バッファローのオルブライト ノックス アート ギャラリーが主催した 1959 年の独創的な展覧会「クリフォード スティルの絵画」に出品される作品として選ばれました。 アーティストによって個人的にキュレーションされたこの展覧会は、スティルにとって最初の大規模な調査であり、彼のキャリアの中で最も重要な展覧会の一つであり続けています。 展覧会内で写真撮影を求められたとき、スティルはPH-399の前に立つことを選択し、彼の有名な作品だけでなく、神話的な物語と戦後の発展の中で特異な象徴的な表現としてのその地位を確固たるものとした。ペインティング。

黄金の子供時代の記憶から現れた、古典的なレストランやカフェテリアのスタイルにアレンジされたウェイン ティーボーの美しく彩られたデザートは、彼が 1961 年に発明したことで有名なモチーフであり、彼は 60 年近くにわたって再訪し続けています。 これらの気楽な品物や中流階級の消費の特徴は、XNUMX 年代の活気と繁栄の感覚を呼び起こします。 イブニングオークションでは、1997年以来オークションに出品されているティボー氏初のケーキカウンターに換金ケーキが出品される。 高さ72インチという印象的なこの作品は、アーティストの作品の中でも例外的に大きく、完成の年である2011年にアーティストが直接入手して以来、同じ著名な個人コレクションに保管されています。

「現代の問題に関心があると宣言しながら、今日でも絵画を、多かれ少なかれ評価できる好みに応じて色や形で満たされる表面であるかのように見ている画家のことを、私は理解できません。多かれ少なかれ訓練を受けています[…]。 こうして絵画は完成し、無限の可能性を秘めた表面は、最終的に不自然な色と人工的な意味が強制的に圧縮された一種の器に還元される。 代わりにこの受信者を空にしてみてはいかがでしょうか? なぜ表面をきれいにしないのでしょうか？ 総空間の無限の意味を発見してみませんか? 純粋で絶対的な光ですか？ 」（「自由次元」で言及されたアーティスト、Azimut 2、1960）
「2017 つの作品のうち 7 つはすでに多くの著名な展覧会に出品されていますが、もう XNUMX つは（本作品は）つい最近まで人目に付かずに隠されていました。 並外れた力強さを持った XNUMX 枚のキャンバス、チューリッヒの部屋で初めて一緒に見たときは息をのむほどでした…」（ロザリア・パスカリーノ・ディ・マリネオ編、ピエロ・マンゾーニ：双子の絵画、ニューヨーク、XNUMX 年、p. XNUMX）
1959 年に制作されたこの作品は、ピエロ マンゾーニの画期的なアクローム シリーズの中でも最も記念碑的で視覚的に説得力のある例の XNUMX つです。 マンゾーニの中心哲学を最大限に表現したアクロームは、驚くべきことに、表現や強制的なジェスチャーの制約から絵画を解放するための芸術家の理論的および技術的研究を体現しています。 イタリアの影響力のある美術評論家ジェルマーノ・チェラントは次のように主張しています。 それは芸術のアーティストへの依存を減らすことを目的としていました…アクロミはいかなる調性も色記憶も表しません。 芸術家の情熱の本質を思い起こさせるものは何もありませんでした。」 （Exh. Cat.、ロンドン、The Serpentine Gallery、Piero Manzoni、1998、p. 22） 1957 年に、米国における抽象表現主義の男らしさの行動と、ヨーロッパにおけるアンフォルメル美術の絵画的ジェスチャーを意識的に拒否するものとして最初に考案されました。アクロームの絵画は、絵画の表面を芸術家の積極的な参加から完全に切り離し、芸術的な身振りのフェティシズムを現代的なセンスで克服しようとするマンゾーニの試みを表しています。 そのため、アクロームの絵画は、攻撃できない意味の地位を占めています。純粋なシニフィアンとしての結晶化した物質形態の束縛されない優位性は、50 世紀美術史の中で最も急進的な概念的ジェスチャーの 1959 つを示唆しています。 幅 XNUMX インチを超える XNUMX Achrome は、この尊敬される野心的なコレクションの真の傑作です。 キャンバス上にカオリンで構成された約 XNUMX 点の作品のうち、本作品は、このような記念碑的な規模で制作されたわずか XNUMX 点のうちの XNUMX つです。 このグループの他のメンバーは、パリのポンピドゥーセンターなどの著名なコレクションに所蔵されています。 トリノ近現代美術館市民ギャラリー。 ウィーン、ルートヴィヒ美術館の現代美術館。 そしてダラスのラチョフスキー・コレクション。 柔らかな縞模様と叙情的なひだに満ちた Achrome は、すぐに彫刻のような堅固さと優美な軽さの感覚を呼び起こします。 しかし、シニフィアンや表象との結びつきを欠いたアクロムは、その存在そのものにほかならず、寓話、暗示、物語的表現を空にした解放されたタブラ・ラサである。
この作品は、最近この作品とその姉妹作品を検証する野心的なプロジェクトの栄誉を授与された重要な一対の絵画に属しています。 このプロジェクトは、ピエロ・マンゾーニ財団理事ロザリア・パスカリーノ・ディ・マリネオによって着手され、最近2017年に完了しました。このプロジェクトは、ジェルマーノ・チェラントの最初の総合カタログにおけるアクロームの最初の省略（絵画の純粋な出自による見落とし）を修正することを目的としていました。オリジナルのレゾネ カタログ（1974 年発行）の作成中は個人コレクションでした）。 このプロジェクトについて、パスカリーノ・ディ・マリーノ監督は次のように書いている。「この二つの特徴、つまり『ヘテロ接合性の双子』を特徴づけるこのプロジェクトは、明らかに普通ではない。 実際、私にとって、これはおそらくユニークな出来事であり、二度と繰り返される可能性は低い出来事です。2017 つの絵画は非常に重要で、異なっていながらも同じであるため、並べて並べてもう一度研究し、今度は深めることができます。 (Rosalia Pasqualino di Marineo, ed., Piero Manzoni: The Twin Paintings, New York, 7, p. XNUMX) ピエロ・マンゾーニ財団の理事長の指導のもと、「The Twin Paintings」は、現在の研究をしっかりと統合する重要な研究をまとめたものです。ここ数十年の華やかさにもかかわらず、マンゾーニの驚異的な作品。 パスクアリーノ・ディ・マリネオは次のように書いている。「XNUMXつの作品のうちのXNUMXつは、すでに多くの有名な展覧会に出品されていますが、もうXNUMXつ[現在の作品]はつい最近まで人目につかないようにされていました。 非常に並外れた力を持つXNUMX枚のキャンバスが、チューリッヒの一室で一緒に並んでいるのを初めて見たとき、息を呑むことができました…」（同上）
アクロムの絵画を作成するために、マンゾーニはまず、未塗装のキャンバスを接着して、自己増殖する折り目としわが一見有機的に配置され、次にカオリン（磁器の製造に使用されるチョーク状で無色の溶液）をキャンバスの表面に塗布しました。チョーク状の溶液を乾燥させた。 最終的には、アーティストの介入なしに、独自に定義した乾燥プロセスを経て、作品は最終的な形に到達します。 元の生のキャンバスよりもさらに白く純粋なカオリンは、マンゾーニに「未塗装」の無彩色絵画を構想するための理想的な媒体を提供しました。 この技法はアーティストの手を取り除くだけでなく、彫刻の奥行きと表面の起伏の立体感を強調します。 実際、アクロムの水平方向の襞と隆起は、物質変態の状態で石化して化石のように保存されているように見えます。 もはや初期状態の流動的な柔らかさと流動性ではなく、実体と空虚の両方を二重に肯定することで硬化した、ポジティブとネガティブの懸濁状態であり、「完全な空間」と「純粋な絶対的な光」に対するマンゾーニの形而上学的な探求を真に体現している。 マンゾーニは、「ディメンション リベラ」、アジムット 2、1960 年、np で引用）芸術的主体性と身振りをキャンバスの表面から置き換えることによって、表現を排除し、その中で完全に自己生産された絶対的な純粋さの形而上学的イメージを獲得することを目指しました。
マンゾーニはわら、発泡スチロール、砂利、ロール、フェルト、羊毛などの異質な物質を含む膨大な素材を使って実験しましたが、カオリンを染み込ませた折り目で構成されたキャンバス上の彼の象徴的な「無彩色」作品群は、次のような先駆的なコンセプトの頂点を形成しています。対話アーティスト。 スケールと構成の複雑さにおいて並外れたアクロームは、この一連の作品の模範として立っています。色調が透けて見えるベールのようなカオリンの XNUMX つの水平の帯で囲まれ、重いカオリンで飽和したピンと張ったひだで包み込む中央のフィールドは、完全に魅惑的です。 マンゾーニは言及性を特に避けましたが、アクロームに明らかな絶妙な形式的調和は、あたかもキャンバスとカオリンの素材自体に眠っている生来の美しさを利用し解放するかのように、一種の有機的な建築を示唆しています。 美しく豊かで色彩的に均質な表面は、漆喰のほこりっぽいもろさと大理石の冷たい堅固さを思い起こさせます。 磁器粘土のひだによる自然光の吸収と反射は、縞模様の角張った尾根によって強調され、彫刻されたルネッサンスのカーテンの触感的なひだを思い起こさせます。一方、複雑な表面の複雑さは、闇と光が驚くほど鮮やかで、私たちの目を誘惑する劇的な明暗を生み出します。並置された。 一見白いように見えるカオリンは、色を取り除いて重みを加えることで、これらの作品に古典的な大理石の彫像を抽象的に呼び起こす、ある種の記念碑的な感覚を与えます。 しかし、この作品が過去の記念碑的な芸術を呼び起こすとしても、それは芸術そのものの閉鎖性、きらびやかな光の物質性の純粋に視覚的な言語の証拠にすぎません。
マンゾーニは、わずかXNUMX歳で幕を閉じた悲劇的なほど短い人生の中で、芸術の創造と展示に対して革新的な概念的アプローチをとりました。、作品の真の主題としての表面と素材を強調します。 アクロミの制作において、マンゾーニは、絵画の主題が自ら生成する形であるという創造性の領域を目覚めさせました。 1960年に彼は次のように書いている。「芸術家は完全な自由を獲得した。 純粋な物質は純粋なエネルギーになります。 芸術批評のすべての問題は克服されます。 すべてが許可されています"。 (同上) マンゾーニの先見の明のある革新は、概念主義とアルテ ポーヴェラの両方を先取りしていましたが、彼の芸術的遺産は、 現在のアクロームのような象徴的な作品は、今日の現代美術における革命的な存在として存続しています。