Intitulée « Philip Guston et les poètes », l'exposition propose une réflexion sur les manières dont l'artiste est entré en relation avec les sources d'inspiration, en examinant cinq poètes fondamentaux du XXe siècle, qui ont été les catalyseurs des peintures et des visions énigmatiques de Guston. Cinquante ans de carrière artistique de Guston sont retracés en exposant 50 peintures considérées comme ses chefs-d'œuvre et 25 dessins fondamentaux datant de 1930 à 1980, dernière année de la vie de l'artiste. Ainsi des parallèles sont établis entre les thèmes humanistes, reflétés dans ces œuvres, et le langage et la prose de cinq poètes : DH Lawrence (Grande-Bretagne, 1885 - 1930), WB Yeats (Irlande, 1865 - 1939), Wallace Stevens (États-Unis, 1879 – 1955), Eugenio Montale (Italie, 1896 – 1981) et TS Eliot (Grande-Bretagne, Américain de naissance, 1888 – 1965).
L'exposition « Philip Guston et les poètes », ouverte jusqu'au 3 septembre, est organisée par Kosme de Barañano et organisée par la Gallerie dell'Accademia de Venise en collaboration avec la Succession Philip Guston. L'aménagement de l'exposition est réalisé par l'atelier GRISDAINESE de Padoue.
L'exposition est une "première" de Philip Guston dans la ville qui a exercé une profonde influence sur son travail et est en même temps un hommage à la relation de l'artiste avec l'Italie. Dès son plus jeune âge, en créant des peintures murales, il s'est inspiré des fresques de la Renaissance et, en fait, cet amour pour la peinture italienne est resté comme un leitmotiv tout au long de sa carrière.
Dans une lettre de 1975 adressée à son ami Bill Berkson, poète, critique et enseignant important, Guston déclare : « Je suis plus que jamais immergé dans la peinture des XVe et XVIe siècles ! Et quand je vais au nord à Venise, devant Tiepolo, Tintoretto et les œuvres dites maniéristes de Pontormo et Parmigianino, je perds la raison et trahis mes premiers amours.
Paola Marini, directrice de la Gallerie dell'Accademia déclare : « Nous sommes heureux de présenter la première exposition à Venise sur Philip Guston. Le retour de l'artiste dans notre ville est d'autant plus pertinent que c'est ici qu'il s'imprègne d'une histoire et d'un patrimoine importants pour son développement artistique ultérieur. Nous savons par ses propres écrits de sa période italienne que les peintures qu'il admirait dans les salles de l'Académie ont exercé une énorme influence sur sa vision artistique. Contextualiser le travail de Guston, encourager ses études et une nouvelle interprétation est un vrai plaisir pour nous ».
Musa Mayer, fille de l'artiste et présidente de la Fondation Philip Guston, se souvient : « A l'occasion de l'exposition de Guston au pavillon des États-Unis à la Biennale de Venise de 1960, mon père nous emmena ma mère et moi en Italie avant mon départ pour le collège . Venise et les galeries de l'Accademia ont été notre tout premier arrêt. Plus d'un demi-siècle plus tard, je garde encore un souvenir fort de son amour pour les grands chefs-d'œuvre de l'art italien. Mon père serait profondément ému et honoré de cette merveilleuse opportunité d'exposer son travail dans la galerie de peinture qu'il aimait tant."
"L'amour de Guston pour l'Italie ajoute une profondeur de texture complexe et riche à sa peinture", a écrit le conservateur Kosme de Barañano. "Maintenant, quand nous regardons son art à travers les yeux et la prose des lettrés qui étaient ses parents - certains dont il gravitait et dont il s'inspirait tout au long de sa vie, d'autres qu'il ne lisait qu'occasionnellement - nous pouvons étudier comment leurs mots partagent une affinité avec la complexité des œuvres ultérieures de Guston".
L'exposition
"Philip Guston and The Poets" est organisé par noyaux thématiques d'œuvres liées à une sélection d'écrits et de poèmes des cinq poètes. À partir de l'essai « Making Pictures » de DH Lawrence de 1929, la peinture de Guston sera présentée par une exploration de son monde d'images, passant d'une réflexion sur l'acte créatif à une réflexion sur les possibilités contenues dans la peinture. Avec des œuvres qui appartiennent à la fois à son travail de jeunesse et à son travail plus mature, l'exposition plonge dans le voyage intime de Philip Guston vers une "conscience visionnaire", c'est-à-dire la relation, toujours en évolution, avec les formes, les images, les idées et leur manifestation physique.
En ce qui concerne la relation avec les écrits de Yeats, le voyage de Guston à la recherche d'une vision personnelle de la peinture se déroule notamment à travers le poème "Byzance" de 1930. Comme chez Yeats, également dans l'évolution artistique de Guston, il y a des références à l'agonie et à la purification. L'artiste s'éloigne des confins raréfiés du modernisme, du langage de l'abstraction et des canons de la New York School pour aller vers une nouvelle structure picturale plus expressive, qu'il trace en figuration.
De l'Italien Eugenio Montale, avec qui Guston partage une poétique du fragment qui s'exprime à travers des symboles tragiques et puissants, pour arriver à Wallace Stevens et TS Eliot (auxquels Guston fait explicitement référence dans le tableau de 1979 "East Coker - TSE"), L'exposition propose une enquête littéraire sur la métaphysique, les énigmes et la recherche de sens telles qu'elles apparaissent dans l'œuvre de Guston. Le travail de Guston est présenté en relation avec l'environnement poétique, plutôt que dans une séquence chronologique ou tendancielle, comme c'est le cas dans les expositions plus traditionnelles. La démarche curatoriale de « Philip Guston and The Poets » permet donc une relecture, et une remise en cause en quelque sorte inédite, de son œuvre.
L'énorme influence que l'Italie a eue sur Guston et sa peinture sera mise en évidence grâce à l'installation conçue pour la Gallerie dell'Accademia. En 1948, un jeune Guston visite l'Italie pour la première fois, après avoir reçu le Prix de Rome. Il y revient en 1960, lors de l'exposition de son travail à la Biennale de Venise, puis en 1970 pour une résidence d'artiste à Rome. Ce nouveau voyage en Italie fait suite à la vague de critiques soulevées autour de sa première exposition de peinture figurative à New York. Les toiles plus existentialistes de Guston, considérées par certains comme "grossières" et "caricaturales", sont imprégnées de l'influence de la tradition culturelle et artistique italienne : des vues urbaines anciennes et modernes qui peuplent sa série consacrée à Rome, en passant par les références aux films de Federico Fellini, son travail montre une énorme dette envers les grands maîtres italiens : Masaccio, Piero della Francesca, Giotto, Tiepolo et De Chirico, auxquels il rend hommage dans "Panthéon" de 1973. Et, encore une fois, ils seront expose des peintures inspirées de la Renaissance, des œuvres faisant allusion à Cosmè Tura et à Giovanni Bellini, et des œuvres créées par Guston lors de ses voyages.
Philip Guston
Philip Guston (1913 – 1980) est l'une des grandes figures de l'art du XXe siècle. Son engagement à produire des œuvres qui naissent d'émotions et d'expériences vécues développe une implication émotionnelle qui reste vivante dans le temps. La riche carrière de Guston s'étend sur près d'un demi-siècle, de 1930 à 1980, et ses peintures, en particulier celles de ses dernières années, continuent d'exercer une puissante influence sur les jeunes générations de peintres contemporains.
Né à Montréal en 1913 dans une famille d'émigrants juifs russes, Guston s'installe en Californie en 1919 avec sa famille. Il a brièvement fréquenté l'Otis Art Institute de Los Angeles en 1930, mais en dehors de cette expérience, il n'a jamais reçu une éducation formelle appropriée. En 1935, Guston quitta Los Angeles pour New York, où il connut un succès précoce avec la Works Progress Administration commandant des peintures murales à des artistes dans le cadre du Federal Arts Project. Parallèlement à la forte influence exercée sur Guston par l'environnement social et politique des années XNUMX, ses peintures et peintures murales évoquent des formes stylisées de De Chirico et de Picasso, des motifs issus de la traction des peintures murales mexicaines et des fresques des maisons historiques de la Renaissance. L'expérience en tant que peintre muraliste a permis à Guston de développer le sens de la narration à grande échelle auquel il reviendra dans ses œuvres figuratives ultérieures.
Après avoir enseigné pendant plusieurs années dans le Midwest, Guston a commencé à partager son temps entre la colonie d'artistes de Woodstock et New York. À la fin des années XNUMX, après une décennie d'expérimentation d'un langage allégorique et figuratif personnel pour ses peintures de chevalet, Guston a commencé à virer vers l'abstraction. Son atelier de la dixième rue était proche de ceux de Pollock, De Kooning, Kline et Rothko.
Les œuvres abstraites de Guston étaient désormais ancrées dans une spontanéité et une liberté nouvelles, un processus que le critique Harold Rosenberg décrira plus tard comme "l'action painting". Au début des années XNUMX, les abstractions atmosphériques de Guston ont suscité des comparaisons superficielles avec Monet, mais au fil de la décennie, l'artiste a travaillé avec des empâtements plus épais et des couleurs menaçantes, qui ont cédé la place aux gris, aux roses et aux noirs.
En 1955, il approche la Sidney Janis Gallery avec d'autres artistes de la New York School, et fait partie de ceux qui quittent en 1962 pour protester contre l'exposition Pop Art que Janis a montée, et contre le virage en faveur de la commercialisation de l'art que cette exposition représente. pour eux. Après une grande rétrospective au Solomon R. Guggenheim Museum de New York en 1962, Guston s'impatiente d'un langage d'abstraction pure et recommence à expérimenter des formes plus tangibles. Le travail des nombreuses années suivantes se caractérise donc par l'utilisation du noir et l'introduction de verts vifs et de bleus cobalt – à la fois dérangeants, angoissants et gestuels. Cette œuvre plus sombre a été influencée par les écrits et la philosophie européens, en particulier les œuvres de Kierkegaard, Kafka et Sartre. À ce stade, Guston s'est retiré de la scène artistique new-yorkaise pour vivre et travailler à Woodstock pour le reste de sa vie.
En 1968, Guston avait abandonné l'abstraction, redécouvrant ainsi le potentiel narratif de la peinture et explorant des motifs surréalistes et des combinaisons d'objets dans son travail. Cette "libération" a conduit à la période la plus productive de toute sa vie créative. Au cours des années suivantes, il a développé un lexique personnel d'ampoules, de livres, d'horloges, de villes, de cigarettes, de chaussures abandonnées et de personnages à capuchon du Ku Klux Klan. Son expressivité picturale des années XNUMX était souvent une référence autobiographique ouverte à la nature : la figure de l'artiste masqué par une cagoule souvent récurrente, ou les tendres portraits de sa femme Musa, ou encore un Guston semi-abstrait enveloppé dans un cocon. L'œuvre tardive révèle également des échos de la jeunesse de Guston, des persécutions religieuses et raciales dont il a été témoin et du suicide de son père. Ses dernières œuvres possèdent une liberté croissante, unique parmi les artistes de sa génération. Au milieu des années XNUMX, d'étranges formes iconiques jamais vues auparavant sont apparues. "Si je parle d'un sujet à peindre, je veux dire qu'il y a un lieu oublié des êtres et des choses, dont je dois me souvenir", écrit Guston dans une note d'étude. « Je veux voir cet endroit. Je peins ce que je veux voir ».
Le travail tardif de Guston n'a pas été facilement accepté par les critiques et est resté largement incompris jusqu'à sa mort en 1980. Son travail a subi une reconsidération radicale à la suite d'une rétrospective itinérante au Museum of Modern Art de San Francisco qui a ouvert trois semaines avant sa mort. Dans les années suivantes, d'autres rétrospectives et monographies ont eu lieu aux États-Unis, en Europe et en Australie. Aujourd'hui, les dernières peintures de Guston sont considérées comme l'une des œuvres les plus importantes du XXe siècle.
Remarque sur l'éditeur
Kosme de Barañano est un érudit émérite de Guston. Il a organisé, parmi de nombreux projets, deux importantes expositions « Philip Guston : Roots of Drawings » (Rekalde, Bilbao 1993) et « Philip Guston One Shot Paintings » (IVAM, Valence 2001). Historien de l'art et conservateur de renommée internationale, De Barañano a été directeur de l'IVAM et directeur adjoint du Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofìa à Madrid. Il est titulaire d'un doctorat en histoire de l'art de l'Université de Deusto, Bilbao. De Barañano est professeur d'histoire de l'art à l'Université du Pays basque et à l'Université d'Elche, en Espagne, et a été professeur invité à l'IUAV de Venise et à l'Université Humboldt de Berlin. Il a signé de nombreux livres et essais sur un grand nombre de sujets, de Pontormo et Max Beckmann à Alberto Giacometti et Eduardo Chillida.
Philip Guston : Peintre, 1973, huile sur toile, 72 3/4 x 80 1/2 in. Collection privée. © La succession de Philip Guston. Avec l'aimable autorisation de Hauser & Wirth
