L'exposition retrace une période importante de l'œuvre du grand sculpteur lombard, concernant la relation entre l'art et l'architecture, en relation avec la métropole moderne, à travers 16 sculptures, 15 dessins et 14 photomontages.
L'exposition, intitulée Francesco Somaini. Un sculpteur pour la ville. New York 1967-1976, organisée par Enrico Crispolti et Luisa Somaini, organisée par les Archives Francesco Somaini en collaboration avec la Triennale de Milan, analyse à travers 16 sculptures, 15 dessins et 14 photomontages, provenant presque entièrement des collections des Archives Somaini et de Collections privées italiennes, le thème de la relation entre l'art et l'architecture en relation avec la métropole moderne, dans laquelle Somaini est un pionnier en Italie et en Europe, tant d'un point de vue théorique que conceptuel. C'est une recherche, menée dans une logique de dépassement des positions antérieures « d'intégration des arts », que l'artiste développe à partir des années soixante, suite à l'impact avec la culture et l'architecture new-yorkaises.
En effet, la réflexion de Somaini sur la ville trouve son inspiration dans la skyline de New York, métropole assumée comme symbole de la modernité, vécue, étudiée et photographiée lors d'une série de voyages d'affaires effectués aux États-Unis.
Sa relation avec New York a commencé en 1960 avec une exposition personnelle tenue à l'Institut culturel italien de New York. Au cours de ses séjours, il a l'occasion de rencontrer d'importants critiques et collectionneurs célèbres, dont l'architecte Philip Johnson et la famille Rockefeller, Lydia Winston Malbin, Alan et Janet Wurzburger, Joseph Hirshhorn, Seimour H. Knox II et bien d'autres.
Cette extraordinaire décennie de création dans la carrière de Francesco Somaini se poursuit en 1970 avec l'inauguration de sculptures à grande échelle, conçues et réalisées pour les villes de Baltimore, Atlanta et Rochester.
Somaini confie ses idées à une collection de dessins de conception, publiée dans le volume Urgence dans la ville, édité par le sculpteur lui-même et par Enrico Crispolti (Mazzotta, 1972), puis procède à leur développement sur le plan plastique en exécutant la série de grande force imaginative des Carnifications d'une architecture du milieu des années 1974, comme le Sphinx de Manhattan de 1976 et le Colosse de New York de XNUMX. Des sculptures à comprendre aussi comme des modèles de bâtiments énigmatiques, résultat d'une conception formelle originale qui a ses racines dans l'antiquité.
Comme l'écrit Giulio Carlo Argan, « Somaini a consciencieusement étudié le problème, qui engageait sa responsabilité d'artiste ; et est arrivé à la conclusion que l'institution historique et sociale de la ville n'est pas dépassée. La ville conserve une dimension historique ; l'intervention et l'engagement des artistes dans la recherche d'une solution sont non seulement possibles, mais nécessaires et urgents (…). L'hypothèse de Somaini est méthodologique et planificatrice : la tâche de l'artiste, aujourd'hui, n'est pas de construire ou de reconstruire la ville, mais de l'interpréter, de la rendre signifiante ».
Ce sont des Archisculptures qui devinrent par la suite les protagonistes de quelques photomontages à fort impact, réalisés dans le but de documenter leur mise en scène utopique pour "dessiner - rappelle Bruno Zevi - un impact provocateur plus incisif et strident".
L'exposition est accompagnée d'un important catalogue publié par Skira, avec des textes de Francesco Somaini, Enrico Crispolti, Fulvio Irace, Giulio Carlo Argan et des contributions de Beatrice Borromeo, Fabio G. Porta Trezzi et Luisa Somaini.
Francesco Somaini est né à Lomazzo (Côme) le 6 août 1926. Il suit les cours de Manzù à l'Académie des Beaux-Arts de Brera et fait ses débuts en 1948 à la Revue Nationale des Arts Figuratifs, promue par la Quadriennale de Rome. Il est diplômé en droit de l'Université de Pavie en 1949. Il participe pour la première fois à la Biennale de Venise en 1950. Après une phase de réflexion sur les expériences de la sculpture moderne internationale, il se tourne vers l'art abstrait et atteint l'autonomie du langage vers le milieu des années cinquante avec des œuvres réalisées en conglomérat ferrique (Chant ouvert, Forza del nascere), qui marquent son adhésion au Movimento Arte Concreta et prélude à la grande saison informelle.
Il se fait remarquer par la critique en 1956 avec sa participation à la XXVIIIe Biennale de Venise. Obtient un succès mondial avec la salle à la V Biennale de São Paulo au Brésil en 1959, où il obtient le 1er prix international de sculpture, une reconnaissance qui ouvre le marché aux États-Unis. En 1960, il est invité avec une chambre personnelle à la XXX Biennale de Venise. L'année suivante, il participe à la Deuxième Biennale de Paris où il reçoit le 1er prix de la critique d'art française. Au cours de ces années, son travail rencontre les faveurs de critiques comme Argan et Tapié. Intéressé par l'expérimentation des matériaux, l'artiste coule également ses œuvres en fer, plomb et étain, qu'il attaque ensuite au chalumeau et polit les parties concaves pour en accentuer l'expressivité. C'est le temps des martyrs et des blessés, présenté dans les différentes expositions personnelles mises en place à la Galleria Notizie de Turin, à l'Institut culturel italien de New York, à la Galleria Odyssia de Rome et New York, à la Galleria Blu de Milan et dans toutes les expositions collectives les plus importantes de sculpture internationale.
À la fin de la saison informelle, Somaini charge ses sculptures de valeurs symboliques (Portali, 1967), où les formes organiques sont placées dans une relation dialectique continue avec les volumes géométriques d'un agencement architectural, qui atteignent des niveaux de haute vision avec le cycle. des Carnifications d'une architecture (1974-1976). Convaincu que la sculpture doit jouer un rôle dans le redéveloppement du tissu architectural urbain - mûri au cours des expériences informelles menées à grande échelle, entre 1958 et 1972, en Italie et aux États-Unis -, le sculpteur formalise ses idées sur un théorique et utopique dans une série d'études de design (Crispolti, Somaini, Urgence dans la ville, Mazzotta, Milan 1972). Parallèlement à la réflexion sur la relation entre sculpture, architecture et contexte environnemental, Somaini expérimente une technique personnelle de taille directe pratiquée par l'utilisation d'un jet de sable sous haute pression, qui devient depuis 1965 une composante fondamentale de son langage plastique. En 1975 l'analyse conceptuelle des procédés de laboratoire inhérents à la sculpture conduit l'artiste à la création d'un bas-relief « trace », obtenu par laminage d'une « matrice » sculptée qui, laissant une empreinte en cours, se développe et révèle une image cryptique confiée à lui en négatif. Matrices et traces introduisent l'élément dynamique, l'action, l'idée d'un parcours, d'une intervention impliquant l'architecture et le contexte urbain. Ces nouvelles oeuvres sont présentées dans la salle personnelle à la Biennale de Venise en 1978 (Première trace et la sculpture matricielle : Antropoammonite), dans l'anthologie au Wilhelm -Lehmbruck - Musée de Duisburg en 1979 (Développement d'un paysage anthropomorphique et matriciel, 1978 -79) et dans l'exposition personnelle au Jardin Botanique de Lucques en 1980 (Svolgimento dell'avvolto : trace tragique, 1979).
À partir du milieu des années quatre-vingt, Somaini se tourne à nouveau vers l'exécution d'œuvres à grande échelle, créant en Italie et au Japon, où la dialectique de l'empreinte conduit au traitement des formes positives/négatives, comme dans Porta d'Europa , Côme 1995 .
L'artiste procède à la taille directe du marbre au jet de sable à l'air comprimé à partir de 1975 (Anthropoammonite I), une activité qui se poursuit dans des œuvres ultérieures de grand engagement comme Fortunia (1988), dans une série de Combats avec le serpent caractérisé par une organicité majoritairement vitaliste, comme FortunaVincitrice (2000), installé près de l'échangeur autoroutier de Côme. Œuvres proposées en partie dans l'anthologie mise en place au Palazzo di Brera de Milan en 1997, dans la Quadriennale de Rome en 1999, dans les Biennales de Carrare en 1998 et 2000 et dans l'anthologie du Castello di Pergine (Trento) en 2000. Ces dernières années, le sculpteur combine de plus en plus l'activité dessin et picturale avec celle plastique. En 1999, il met la main à une grande série d'œuvres sur papier qui reprennent les mythes et légendes qui se sont développés autour de l'Etna dans une tonalité fantastique, revisitée également à travers la lecture de Maria Corti (Magic Land Registry, Einaudi, 1999). Dans les années suivantes, il place Fortunia Vincitrice (1997-2000) et Variations sur une grande sculpture verticale (2001) dans les bureaux du centre commercial Bennet à Montano Lucino (Côme).
Il participe à d'importantes expositions, telles que Arts et architecture, 1900-2000 organisée par Germano Celant au Palazzo Ducale de Gênes (2004), Sculpture italienne du XXe siècle à la Fondation Arnaldo Pomodoro et Annicinquanta. La naissance de la créativité italienne, Palazzo Reale à Milan (2005). Il meurt à Côme le 19 novembre 2005. La Galerie nationale d'art moderne et contemporain de Rome lui consacre la première rétrospective posthume, La période informelle 1957-1964 (2007).
