Une grande exposition anthologique réalisée en étroite collaboration avec l'artiste, propose une Rome au Palazzo delle Esposizioni l'œuvre complexe de Jim Dine l'un des grands protagonistes de l'art américain, dont le travail, radical et innovant, a eu un grand impact sur la culture visuelle contemporaine, en particulier sur la culture italienne des années soixante.
Un dispositif iconographique exhaustif issu d'une recherche approfondie des sources iconographiques dans les archives qui détiennent les images des grands photographes actifs dans les années XNUMX et XNUMX sur la scène artistique du centre-ville de New York, tels que Robert R. McElroy, Fred W. McDarrah et Peter Moore, restitueront la mémoire visuelle des événements célèbres racontés dans l'exposition par la voix de Jim Dine lui-même. Enfin, une sélection d'entretiens vidéo vous familiarisera avec la figure de l'artiste.
Malgré sa popularité, Jim Dine reste un artiste difficile à catégoriser principalement en raison de sa volonté d'indépendance et de son refus de s'identifier dans les catégories de la critique, de l'histoire de l'art et du marché. L'autonomie et la liberté avec lesquelles il a toujours été en relation avec le panorama des valeurs établies sont exemplaires. En témoignent ses événements biographiques et ses œuvres adhérant avec ténacité à des expériences vécues, « incultes » et « troublantes », comme on les a parfois définies.
Créateur des happenings avec un petit groupe d'amis et associés, Dine est avant tout le puissant innovateur de la peinture qui, depuis sa création, il combine des objets réels avec ceux d'usage quotidien, obtenant des images nouvelles et aliénantes.
Amoureux de la culture méditerranéenne, sa voix est celle rugissante et savante qu'Elio Vittorini a vue s'exprimer dans la littérature américaine. C'est un auteur difficile à classer, qui ne s'est jamais reconnu dans les schémas imposés par la critique ou le marché. Compté parmi les principaux interprètes du Pop Art, il prend ses distances avec ce phénomène banalisé par la culture de masse. D'autre part, il revendiquait son point de vue individuel, sachant toujours le forger en termes de communication adressée aux autres. "Ce qui rend son travail actuel aujourd'hui - dit Daniela Lancioni - est aussi sa capacité à relier la dimension strictement personnelle à la dimension collective, une attitude avec laquelle, dans les années de ses débuts, Dine a contribué de manière significative à définir la conscience d'une nouvelle subjectivité. .
Le parcours de l'exposition est chronologique, donc conçu pour laisser apparaître des séquences, des surprises et des obsessions telles qu'elles se sont manifestées, jusqu'à présent, dans la biographie de l'artiste. L'ordre historico-temporel vise également à ne pas affecter le sens de l'orientation des visiteurs qui, de temps à autre, peuvent associer leurs souvenirs ou leurs connaissances à des ensembles d'époques différentes.
Les premières œuvres exposées sont des petites têtes de 1959, des autoportraits pour la plupart, réalisés par l'artiste d'à peine vingt ans. A l'autre bout de la rotonde, dans la salle 6, le parcours chronologique se termine également par des autoportraits pour sceller l'importance accordée par l'auteur à ce sujet.
L'exposition se poursuit par un focus dédié aux happenings issus d'une recherche capillaire qui a permis de réunir pour la première fois toutes les images prises par les principaux témoins de l'avant-garde new-yorkaise.
Les photos tournent en boucle sur des moniteurs accompagnés de la voix de Jim Dine lui-même, qui a recueilli des souvenirs de sa courte mais séminale saison en tant qu'interprète pour cette occasion.
L'attachement inconditionnel de Jim Dine à la peinture s'impose dans les deux salles suivantes parsemées d'images inédites et mordantes des peintures réalisées entre 1960 et 1963, devenues parmi les icônes les plus célèbres de l'époque.
Dans la salle 2, il y a des peintures avec des vêtements ou des ustensiles, parfois accompagnés de la présence emblématique de leurs noms écrits.
La salle 3 présente les peintures avec les outils attribuables à l'activité du peintre et les œuvres, chefs-d'œuvre reconnus, dans lesquelles l'artiste a expérimenté une spatialité inédite, les concevant comme s'il s'agissait des murs d'une maison. Ces deux salles contiennent cinq des huit œuvres de Jim Dine présentées dans la célèbre édition de 1964 de la Biennale de Venise.
La visite se poursuit dans l'espace central consacré à la sculpture à laquelle l'artiste s'est consacré exclusivement entre 1965 et 1966, tandis que sur les murs d'autres œuvres datant de la seconde moitié des années XNUMX suggèrent l'embranchement des recherches dans différentes directions et les inventions mûries dans des séjours fréquents et heureux à Londres.
La salle 5 rassemble les premières œuvres dans lesquelles apparaît l'image du cœur, utilisée par Jim Dine comme une sorte d'emblème héraldique tandis que dans la salle 6 prévaut la relation avec les cultures anciennes, cultivées surtout à partir de la seconde moitié des années soixante-dix . Le lien avec le passé est renforcé par la présence, dans cette même salle, des autoportraits récents qui clôturent le parcours strictement chronologique de l'exposition.
L'exposition se termine dans la salle 8 avec une foule de Pinocchio, les sculptures récentes (2004-2013) inspirées du personnage de Collodi, incarnation de l'antique métamorphose de la matière inanimée qui prend vie. Pour ces figures, l'artiste a créé un véritable environnement immersif, qui brise les hiérarchies entre auteur, œuvres et destinataires, scellant l'idée d'un sujet personnel et en même temps collectif.
Un noyau important de l'exposition sera constitué des œuvres dont Jim Dine a fait don entre 2017 et 2018 au Musée national d'art moderne - Centre George Pompidou à Paris et que l'institution française a mis à disposition à cette occasion. Une sélection d'œuvres viendra des États-Unis, dont les deux célèbres peintures des années 2, A Black Shovel. Number 1962 (1963) et Long Island Landscape (1961), appartenant aux collections du Whitney Museum de New York. Des collections américaines sortiront également Shoe de 1963 et The Studio (Landscape Painting) de 1964, tous deux présentés par l'artiste à la Biennale de Venise de XNUMX.
L'exposition sera accompagnée d'une série d'événements collatéraux, certains impliquant l'artiste lui-même et d'autres personnalités de la culture internationale. House of Words, une lecture avec Jim Dine, accompagné de Fabrizio Ottaviucci au piano et de Daniele Roccato à la contrebasse, aura lieu le mercredi 18 mars à 19h00 dans la rotonde du Palazzo delle Esposizioni.
En 1969, au Soho Art Lab de Londres, Jim Dine a donné la première lecture publique de ses poèmes, qu'il avait commencé à écrire cette année-là sous les encouragements de son ami poète Robert Creeley. Cette expérience, qu'il répète de plus en plus fréquemment depuis le début des années XNUMX, est l'une des différentes manières dont Dine a décidé de donner forme à son histoire. En effet, Dine lit ses poèmes accompagnés des improvisations d'un ou plusieurs musiciens et entourés de grandes feuilles de papier sur lesquelles il a écrit les paroles à la main. A cette occasion, le piano de Fabrizio Ottaviucci et la contrebasse de Daniele Roccato l'accompagnent.La participation est comprise dans le billet d'entrée.
JIM DINE édité par : Daniela Lancioni
Société Spéciale Palaexpo
www.palaexpo.it www.palazzoesposizioni.it
Lieu : Palazzo delle Esposizioni,
Période : 11 février 2020 – 2 juin 2020
