La vente propose une sélection forte du design français d'après-guerre, ancrée par une impressionnante sélection d'œuvres de Jean Royère. Conduire la vente aux enchères c'est le canapé rouge Ours Polaire. Jean Royère a conçu le canapé Polaire Ours pour les chambres qu'il occupe dans l'appartement de sa mère au 234 rue du Faubourg-Saint-Honoré lors de la rénovation de sa résidence en 1947.
Au départ, le design a mis du temps à prendre de l'ampleur, mais le canapé est rapidement devenu omniprésent dans les intérieurs Royère de la fin des années 50 et du début des années 60. Aujourd'hui, il est reconnu comme l'un de ses designs les plus emblématiques et les plus recherchés. La forme ronde douce de la nôtre s'inscrit dans le style extravagant esthétique et biomorphique de Royère déjà en vigueur dans les années 50. Ce lot conserve l'épaisse doublure rouge d'origine, couleur Royère particulièrement appréciée pour ce modèle.
Jean Royère- Rare commode « OEuf », vers 1956 – Estimation : 100.000 150.000-XNUMX XNUMX $
Parmi les oeuvres de Royère figure également un fauteuil Boule, acquis en 1957 par l'architecte Nadim Majdalani à Beyrouth. Majdalani avait rencontré Jean Royère à Paris et plus tard, à la fin des années 40, les deux ont ouvert ensemble un bureau de décoration et d'architecture, un syndicat qui se poursuivra dans les années 60. Royère et Majdalani ont collaboré à de nombreux intérieurs résidentiels et commerciaux à travers le Liban qui connaissaient une forte croissance et de nouvelles constructions à l'époque. Une commode rare est un autre point fort de Royère dans la vente aux enchères. La commode a été créée à la suite de la chaise Œuf de 1954 ; alors que la chaise est devenue un élément régulier de ses intérieurs, les autres meubles sont beaucoup moins omniprésents, documentés à quelques endroits seulement.
volonté Sont également proposés trois lots de la Commission Lewisohn de Claggett Wilson, comprenant un buffet, une table à manger extensible et un ensemble de douze chaises de salle à manger. Membres aisés et progressistes de la société new-yorkaise du début du XXe siècle, M. et Mme Sam Lewisohn ont trouvé en Wilson un partenaire créatif qui a conçu un aménagement intérieur très original. Wilson était un artiste moderniste américain, dont les peintures sont maintenant dans les collections du Smithsonian American Art Museum et du Metropolitan Museum of Art Comme de nombreux artistes à New York à cette époque, Wilson n'a pas fait de distinction entre les médiums et en plus de la peinture et illustrant, il a également dessiné des costumes et des décors. La diversité de ses créations suggère qu'il a peut-être conçu des meubles autres que ceux de la salle à manger Lewisohn, aujourd'hui les seuls exemples connus. Un article sur Claggett Wilson, probablement publié vers 1933 dans le Boston Evening Transcript (une photocopie subsiste dans les archives de l'un des héritiers de Wilson), cite Henri Matisse comme faisant remarquer dans la salle : « C'est peut-être le fond le plus idéal pour mes tableaux qui J'ai encore de la vue. Découvert dans les années 70 et détenu jusqu'à présent dans des collections privées, c'est la première fois que la suite de meubles actuelle arrive sur le marché public depuis 1939.
Claggett Wilson - Ensemble de douze chaises de salle à manger, vers 1930, estimation : 40.000 60.000-1930 18.000 $ et table à rallonge, vers 24.000, estimation : XNUMX XNUMX-XNUMX XNUMX $
Jeroen Verhoeven – « Lectori Salutem », 2010 – Estimation : 120.000 180.000-XNUMX XNUMX $
Max Lamb - "Poly Poly Chair", conçu en 2006 - Estimation : 8.000 12.000 à XNUMX XNUMX $.
Pour guider la sélection contemporain à vendre est Lectori Salutem de Jeroen Verhoeven. Le travail de Verhoeven réinterprète les traditions du design néerlandais par le biais de la technologie moderne, tout en observant comment la technologie se développe à une telle vitesse que nous nous y habituons. Son travail a attiré l'attention mondiale lorsqu'il a créé la table Cendrillon, créée pour la première fois en 2005-2006. Jeroen a ensuite créé Lectori Salutem en 2010, portant le processus et les matériaux à de nouveaux niveaux. Travaillant avec le soutien collaboratif de son frère jumeau Joep, Jeroen a conçu un bureau qui serait à nouveau basé sur une silhouette historique, en l'occurrence tirée d'un dessin de François Linke. Au lieu d'être sculptée dans un matériau solide, la pièce a été construite avec pas moins de 150 panneaux distincts d'acier inoxydable, assemblés à l'aide de 2.300 XNUMX boulons.Une sélection d'œuvres de Taxile Doat de la collection Ann et Robert Fromer. Parmi les points culminants contemporains se trouve la chaise Poly Poly de Max Lamb, une création unique issue des nouvelles expériences de Lamb sur la forme, le matériau et la technique, conçue en 2006. La chaise a été créée à l'aide du processus de moulage en mousse perdue, une méthode de production très peu conventionnelle pour la fabrication de meubles. Lamb plonge un modèle en mousse de polystyrène de la chaise dans du sable, puis y verse du bronze fondu pour dissoudre la mousse, donnant à la chaise sa surface perlée unique. À cet égard, la chaise est à la fois originale et fait partie d'une série plus vaste, dont un exemplaire appartient actuellement à la collection permanente du Musée d'art moderne de San Francisco.
La vente aux enchères présente des céramiques de la collection d'Ann et Robert Fromer, dont des exemples de Paul Jeanneney, Taxile Doat, Auguste Delaherche et autre. Anciens collectionneurs par passion commune, les Fromer ont commencé à acquérir les arts décoratifs il y a près de cinquante ans, comme en témoigne l'étendue consciente de leur collection qui s'étend de la fin du XIXe au début du XXe siècle. La collection Fromers raconte avec justesse l'historicisme et l'esprit novateur de cette période, démontrant comment le naturalisme, les influences japonaises et les renaissances historiques de la fin du XIXe siècle ont cédé la place aux styles progressivement graphiques et picturaux de l'Art Déco. Au cours de ces premières années de redécouverte, sans la richesse de l'érudition et de l'histoire du marché désormais à notre disposition, les Fromer ont néanmoins rassemblé une collection digne d'un musée des œuvres les plus belles et les plus représentatives de la période.
Deux bijoux d'Alexander Calder sont également présents lors de la vente aux enchères de design de décembre. Créée à l'apogée de la reconnaissance de Calder, lorsque ses créations ornaient l'intelligentsia à la mode d'Europe et des États-Unis, la délicate broche Cape Fermoir et Six Cercles met en valeur la capacité de l'artiste à créer de l'art portable. Délicatement fabriquée à la main, chaque pièce unique ajoute une autre dimension à l'expérience du travail de Calder, permettant un niveau d'engagement tangible, portable et très personnel. Créé vers 1940, Six Circles est emblématique de la prouesse technique de l'artiste. L'œuvre a appartenu à l'artiste Aviva Baal Techouva et à son mari Jacob, un critique renommé d'art moderne et contemporain qui écrivit plus tard une publication sur Calder. Créée en 1936 et bénéficiant d'une provenance exceptionnelle, Cape Clasp faisait partie de la collection de Mary Rockefeller Morgan, acquise à l'origine par Nelson A. Rockefeller , le célèbre collectionneur, philanthrope et 41e vice-président des États-Unis, qui était également administrateur, trésorier et président du Museum of Modern Art de New York à une époque où le musée commence à établir une équivalence entre la joaillerie et l'art contemporain. Travail ancien réalisé en argent sterling, l'élégant fermoir joue avec les possibilités sculpturales dans le domaine des vêtements fonctionnels. Un anneau apparemment sans fin d'argent chatoyant témoigne de la rigueur conceptuelle de la géométrie, tandis que des extrémités cannelées asymétriques et des rivets formés à la main rappellent le tendre caprice des premières sculptures en fil de fer de Calder.
La Design Sale avec des œuvres de la collection Florence Knoll Bassett. Il peut sembler surprenant que Knoll Bassett, le pionnier de l'esthétique élégante qui a défini l'intérieur des bureaux américains d'après-guerre, ait collectionné les girouettes du XIXe siècle. Si ces sculptures peuvent sembler incongrues, cet appariement met en lumière la tradition de l'art dit primitif et du modernisme avec une longue histoire entrelacée. Wassily Kandinsky s'est inspiré de l'art populaire russe tandis que Picasso et d'autres artistes travaillant à Paris collectionnaient la sculpture africaine. À la fin des années 50, lorsque Florence découvre les girouettes "sur un coup de tête" lors d'un voyage à Paris avec son second mari Harry Hood Bassett, l'Amérique primitive continue d'inspirer les artistes américains et les grands collectionneurs. Bien que Florence Knoll Bassett ne semble pas avoir inclus de girouettes dans l'un de ses intérieurs de bureau, elles apparaissent sur les images de sa résidence d'été dans le Vermont. Elle a acheté des voiles dans le Vermont et dans les nombreux magasins d'antiquités situés près de la salle d'exposition Knoll dans le centre de Manhattan et a suffisamment chéri sa collection pour l'emporter avec elle lorsqu'elle et Bassett ont déménagé à Coral Gables, en Floride en 1965 et finalement dans sa dernière résidence à Coconut Grove. , où il a montré un groupe impressionnant dans un affichage personnalisé.
