Africa Vibes : chez Opificio Golinelli un voyage à travers les œuvres africaines de la Collection Marino et Paola Golinelli
Oeuvres de Joël Andrianomearisoa (Antananarivo, Madagascar, 1977), Abdoulaye Konaté (Diré, Mali 1953), Gonçalo Mabunda (Maputo, Mozambique, 1975), Cameron Platter (Johannesburg, Afrique du Sud, 1978), Pascale Marthine Tayou, (Yaoundé, Cameroun , 1967), Ouattara Watts, (Abidjan, Côte d'Ivoire, 1957), tous réalisés au cours de la dernière décennie, dans une voie cohérente avec l'approche pluridisciplinaire et didactique de l'art que la Fondation Golinelli propose à travers les activités du domaine de projet Art, Science et du Savoir, notamment à travers les grandes expositions organisées annuellement depuis 2010.
Les 11 œuvres présentes à l'Opificio Golinelli ont été choisies parmi les quelque 600 œuvres de la Collection Golinelli. Différent les uns des autres dans les langages utilisés et dans l'expression d'une poétique individuelle, ils se conjuguent cependant par l'usage commun de techniques fortement marquées par l'artisanat, par la récupération et la transformation de matériaux trouvés, en se plaçant à mi-chemin entre la culture de origine et expérience occidentale. Caractéristiques qui seront explorées dans les activités d'enseignement et de laboratoire proposées par les tuteurs de la Fondation Golinelli, travaillant sur des thèmes, tels que la réutilisation, qui ne sont pas seulement politiquement et anthropologiquement corrects mais qui constituent aujourd'hui l'une des formes les plus sophistiquées et actuelles d'expression recherche non seulement dans l'art mais aussi dans le design, l'architecture, voire le cinéma.
Jean Apollinaire Tayou est né à Yaoundé au Cameroun en 1967. Au milieu des années XNUMX, il change de nom en le déclinant au féminin, devenant ainsi Pascale Marthine Tayou. Le travail de Tayou est étroitement lié à l'idée de voyage et de rencontre avec l'autre. Celui du voyageur pour Pascale Tayou n'est pas qu'une condition de vie, mais une condition psychologique, explorant des thèmes contemporains tels que ceux de l'identité, de l'appropriation culturelle, de la perméabilité des frontières par rapport aux migrations humaines. Tayou a fait de sa condition d'immigré l'expression de toute une génération d'hommes et d'artistes : ceux qui se placent « à mi-chemin » entre leur culture d'origine et l'expérience occidentale ; Africains d'esprit mais en même temps nouveaux citoyens européens ; désorienté et post-colonial. Dans les sculptures colorées à forme humaine de Fashion Street, Tayou combine du verre, des éponges, de la laine, du plastique, du cuir, des perles de mer et des coquillages, ainsi que d'autres matériaux recyclés dans une œuvre fortement liée à son origine culturelle spécifique. Les "robes" portées par les personnages s'inspirent des formes tribales africaines, associées à des objets issus de la société de consommation européenne. Les personnages eux-mêmes sont construits avec du verre produit à quelques kilomètres de Florence.
Les artistes…
Né à Abidjan (Côte d'Ivoire) en 1957, Ouattara Watts a étudié dans une école religieuse et a reçu une initiation précoce aux rituels chamaniques, bien qu'habitant une grande ville et donc également exposé à la culture urbaine. Une condition à cheval entre modernité et tradition qui se reflétera dans ses œuvres. En 1977, il s'installe à Paris pour étudier à l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts. Dans la capitale française, à la fin des années XNUMX, il rencontre Jean Michel Basquiat, dont il se lie d'amitié, qui le convaincra de s'installer à New York, où il réside encore aujourd'hui. Auteur d'une peinture vibrante de couleurs, de matières et de signes hypnotiques, Watts explore l'identité multiculturelle et le sens de la spiritualité dans la société contemporaine. Au fil du temps, il a développé un code expressif riche, un alphabet de formes, de chiffres, de lettres, de symboles scientifiques et religieux, qu'il utilise, en le fusionnant avec l'utilisation d'objets trouvés et recyclés, la photographie et d'autres médias, pour communiquer son dynamisme et sa poésie. vision de la société et de l'histoire et son approche personnelle de la métaphysique. Ses œuvres évoquent l'Afrique ancestrale mais aussi les influences d'artistes comme Picasso ou Cy Twombly, restant comme suspendues entre deux mondes, créant un pont entre eux. « Ma vision ne se fonde pas sur l'appartenance à un pays ou à un continent – précise l'artiste – mais va au-delà de la géographie, au-delà de ce que l'on peut voir sur une carte. Même si certains de mes éléments picturaux peuvent être référés à une culture spécifique, et donc être mieux compris, mon travail concerne quelque chose de beaucoup plus large, il concerne le Cosmos ». Le Fleurs du Mal I cite le célèbre recueil de poèmes de Baudelaire - qui traite de thèmes métaphysiques, théologiques et exotiques - et combine l'utilisation d'un précieux tissu oriental, des images de figures démoniaques, des lignes de chiffres qui symbolisent les routes de l'esclavage et des formes biomorphiques ou élémentaire, tracé selon une forme d'improvisation rappelant le jazz.
L'artiste sud-africain Cameron Platter (Johannesburg, 1978, vit au Cap et au KwaZulu Natal) conçoit son travail comme une forme de reportage, qui décrit ce qu'il voit autour de lui : « les boîtes de nuit, la restauration rapide, les histoires de crime, le monde de l'art , télé, cinéma, politique, consumérisme…». Le réel, d'une variété inépuisable et d'une extraordinaire complexité, lui fournit un répertoire d'images que l'artiste disperse ensuite à travers de nombreux médiums : dessin, peinture, sculpture, photographie, tapisseries, wall drawing, vidéo. Ce qui est ordinaire et marginal dans son travail est rempli de significations incendiaires, communiquées de manière extrêmement directe, une dénonciation du consumérisme, de la dégradation, de l'inégalité, des conflits latents qui traversent la société sud-africaine. Son langage immédiat et subversif s'inspire du monde de l'enfance et de l'art populaire, mais aussi des linogravures d'un maître de l'art sud-africain comme John Muafangejo et des affiches contestataires. Risk est un grand dessin au pastel sur papier, une technique largement utilisée par l'artiste, avec des aplats de couleur et une utilisation très graphique du noir et blanc qui donne à l'œuvre des allures de gravure. Elle fait partie d'une série d'œuvres grand format que Platter considère comme des "Nomadic Murals", selon la définition de Le Courbusier des tapisseries. "C'est ce que tu fais qui te met en danger !!!" (C'est ce que tu fais qui te met en danger !!!) lit-on au centre de l'ouvrage. L'écriture est accompagnée de l'image d'une poule qui occupe presque toute la surface, se détachant sur un fond orné d'un motif stylisé de centaines d'œufs fraîchement pondus. Les animaux sont souvent utilisés dans les œuvres de Platter comme un miroir des comportements humains. Dans ce cas, la référence est à l'augmentation constante des rythmes de production, à des heures de travail de plus en plus complètes et plus longues, en particulier pour les travailleurs les moins qualifiés, ce qui contraste avec les besoins physiologiques de pauses et de repos, augmentant le risque de maladie, de blessure, de stress.
Le titre que Joël Andrianomearisoa (Antananarivo, Madagascar, 1977) a choisi pour cette œuvre n'est pas un hasard : Untitled – Few of my favorite Things. En fait, l'ouvrage présente certains des éléments caractéristiques de son travail. En premier lieu la matière utilisée : le tissu, qui rappelle sa formation, débutée à l'âge de douze ans à l'académie de mode de son Madagascar natal. Deuxièmement les formes : radicalement géométriques. Troisièmement, la couleur : le noir, qui offre à l'artiste « des possibilités infinies. Dans chaque pièce, je dois trouver des variations dans le spectre du noir, différentes positions du noir. Ce n'est pas seulement une couleur, mais aussi une attitude… elle vise l'universel». Après ses premières études dans son Madagascar natal, Andrianomearisoa poursuit sa formation à Paris, Ecole Spéciale d'Architecture, où il est l'élève d'Odile Decq, ressentant les effets de ses ambiances "sombres" qui caractérisent les oeuvres du célèbre architecte. Il en arrive alors à une conception qu'il nomme « archi-vêtement » : une pratique qui occupe un territoire hybride entre art, mode, design, architecture. Cette grande tapisserie rectangulaire participe également aux apports entre ces différents secteurs, composés de chutes géométriques de tissus qui déclinent une échelle infinie de noir, dans une superposition de couches qui atteint une densité tridimensionnelle et sculpturale. Une œuvre qui naît d'une série de manipulations qui conduisent dans leur réalisation au résultat final, résultat du besoin d'être surpris par les objets qui naissent de ses propres mains.
Gonçalo Mabunda (Maputo, 1975) travaille sur la mémoire collective de son pays, le Mozambique, qui a connu une longue et terrible guerre civile qui a débuté alors qu'il était enfant, peu après l'indépendance du Portugal au terme de cinq siècles de colonisation. Ses sculptures sont réalisées avec des armes saisies à la guérilla à la fin du conflit, qui a duré de 1977 à 1992. Recyclées sous des formes anthropomorphes faisant référence aux masques traditionnels africains - différents dans chaque région du continent et source d'inspiration pour tant de L'art occidental, de Picasso à Braque jusqu'au plus contemporain Thomas Houseago, les armes utilisées par Mabunda ont un fort sens de dénonciation politique mais, en même temps, proposent une réflexion positive sur la capacité de l'art à transformer les choses. Une capacité qui appartient notamment à la créativité africaine, passée maître dans le recyclage de ce qui existe déjà, souvent des déchets ou des matériaux sans valeur, donnant vie à de belles œuvres. Surprenants, ironiques et imaginatifs, les masques sont flanqués, chez Mabunda, d'œuvres plus grandes qui prennent la forme de trônes, apparemment similaires aux expressions de l'art de cour africain très recherchées par les collectionneurs internationaux. Egalement réalisés avec des armes neutralisées, ils présentent une référence ouverte à la symbolique tribale du pouvoir, avec l'intention de dénoncer les responsabilités des politiciens dans une situation d'instabilité qui génère à nouveau de la violence dans le pays. Le Mozambique est le seul pays au monde à avoir une arme à feu comme symbole sur son drapeau.
Abdoulaye Konaté (1953, Diré. Vit à Bamako) est un artiste malien parmi les plus reconnus du continent africain. Ses recherches oscillent entre les conflits du monde moderne et la tradition artisanale de son pays d'origine. Typiques de sa marque stylistique, les "tapisseries" grand format dans lesquelles des centaines de bandes de tissu teint à la main, principalement du coton (l'une des cultures fondamentales du Mali), tombent en cascade et se combinent dans des effets chromatiques fascinants. Avec ces œuvres, l'artiste fait référence à la tradition ouest-africaine d'utiliser les tissus comme moyen de commémoration et de communication. D'abord orientées vers l'abstraction, les recherches de Konaté s'ouvrent ensuite de plus en plus à des références au réel et au social, se liant à l'actualité géopolitique, à des thèmes comme la guerre, la lutte pour le pouvoir, la religion, la mondialisation, les mutations écologiques et l'épidémie de sida. Ces dernières années, nombre de ses œuvres font référence à la guerre civile au Mali entre les forces gouvernementales, les séparatistes touaregs et les rebelles islamistes, critiquant toutes les formes de violence à motivation religieuse ou ethnique. Particulièrement dans l'itinéraire de Konatè est l'œuvre Koré Dugaw (Mali), une installation composée d'une grande tapisserie avec des personnages portant des masques et des objets symboliques typiques d'une des sociétés initiatiques bambara, les Koré, et un mannequin portant une cape frangée colorée. Selon les mots de l'auteur, « cette œuvre monumentale est un hommage au groupe d'initiés Korè Dugaw, très important pour la culture malienne car il représente la partie la plus ouverte de la société. En effet, les initiés jouissent d'une totale liberté d'expression : ils peuvent s'exprimer librement et critiquer tous les aspects de la société, voire lancer des critiques véhémentes contre les tenants de la politique, de la culture, etc. Le manteau fétiche devient ici aussi une armure et représente le rôle d'autorité absolue de ces « prêtres des idées ».
