Toute la liberté italienne à Reggio Emilia. Sept sections qui rassemblent près de 300 œuvres : peintures, sculptures, graphiques, projets architecturaux et décoratifs, affiches, céramiques, prêts hautement sélectionnés des plus importants musées italiens et collections privées extraordinaires sont rassemblées et exposées jusqu'au 4 février au Palazzo Magnani. Beaucoup de ces prêts sont le fruit des études les plus récentes et sortent des collections se présentant pour la première fois au grand public.
Chaque section de l'exposition - consacrée au dialogue entre les différents arts - met en lumière l'alternance entre les deux "âmes" de la Liberté italienne : celle proprement florale et celle "moderniste", plus agitée et proche des influences européennes, et qui peu après à la recherche des avant-gardes et au développement dans une tonalité plus stylisée et essentielle du langage décoratif.
«Dans une idée plus large et plus générale de« Liberté italienne »- anticiper les conservateurs Francesco Parisi et Anna Villari - nous avons voulu comparer les deux tendances différentes; essayer de soutenir le débat historico-artistique de l'époque qui identifiait la ligne fluide, florale et décorative comme la véritable essence de l'Art nouveau et, d'autre part, récupérer le modèle critique de la littérature contemporaine qui identifiait dans l'Art nouveau tout ce qu'il était considéré moderne et perturbateur, incluant donc également ces expériences qui ne peuvent pas être correctement classées en Italie comme florales mais plutôt modernistes ou sécessionnistes ».
Le parcours de l'exposition se développe selon une scansion de sections "traditionnelles" : peinture, sculpture, décoration murale, céramique, projets de maison d'artiste (comme une nouvelle clé pour entrer dans l'idée de conception de l'architecte qui travaille, exceptionnellement et avec un maximum liberté d'expression, pour lui-même), affiches, illustrations et graphismes originaux.
Fil rouge qui relie toutes les sections : la ligne graphique et la recherche sur le signe, qui étaient à l'époque à la base du dessin et de la conception formelle de chaque œuvre, à la fois la plus proprement fluide et florale, et la plus sévère et moderne un. En effet, ils ont combiné avec des peintures, des sculptures, des céramiques, de grandes affiches publicitaires, des croquis préparatoires, des cartons de fresques, des dessins relatifs à des vases, des illustrations, des gravures.
Une clé insolite qui révèle la véritable essence conceptuelle et expressive de Liberty, un mouvement, une tendance et une mode qui, après plus de cent ans, n'a pas encore épuisé son pouvoir de séduction.
LES SECTIONS DE L'EXPOSITION
PEINTURE
Dans les trois grandes salles entièrement consacrées à la peinture, il apparaîtra qu'en Italie il n'est pas possible d'identifier un style unitaire attribuable à une orthodoxie Liberty mais plutôt une variété due en partie à la fidélité à un langage traditionnel, plutôt qu'à une attention à la diverses tendances au-delà des Alpes. Malgré cela, chez divers artistes - de Casorati à Boccioni en passant par Bargellini, de Bocchi à Corcos - un écho à la ligne décorative Liberty peut être perçu, coïncidant souvent avec une recherche de jeunesse.
ILLUSTRATIONS ET GRAPHIQUES
Peut-être plus que toute autre, l'expression artistique qui caractérise la Belle Epoque est l'expression graphique, à la fois celle appliquée - c'est-à-dire l'affiche et l'illustration de livre - et la production plus personnelle qui sort des presses des artistes individuels qui, en un plus vaste, lors d'expositions d'art, on l'appelait "Black and White". Dans le cas de la production graphique originale, il s'agit presque toujours d'œuvres inspirées des grands thèmes de la littérature décadente ou historiciste ; mais dans le cas du graphisme éditorial, d'importants appariements entre artiste et homme de lettres se sont créés. Un exemple en est la relation entre De Carolis et D'Annunzio, ou entre Francesco Nonni et Antonio Beltramelli.
Une large place est donnée à la gravure originale et les œuvres des artistes les plus influents seront exposées avec des spécimens rares et précieux provenant de diverses archives privées et des collections de la Chalcographie nationale de Rome.
LES MAISONS D'ARTISTES
L'espace historique qui sépare les dernières années du XIXe siècle de la Première Guerre mondiale, la soi-disant Belle Époque, a vu des architectes de toute l'Italie commencer à faire face à la consommation de masse et transformer leur rôle en celui d'un designer total, sur le sillage des sécessionnistes. Mais un aspect particulier du lien étroit entre l'art, la littérature et la décoration se retrouve surtout dans la création des maisons d'artistes modernes : écrivains, sculpteurs, peintres qui dans la pleine maturité de leur carrière professionnelle ont consacré leurs énergies à créer une union parfaite entre architecture, peinture, sculpture et arts décoratifs en concevant et construisant selon un goût qui varie selon les différentes âmes Liberty. Sur les projets d'affichage, dessins, croquis, peintures et objets d'Ettore Ximenes, Duilio Cambellotti, Vittorio Grassi, Giuseppe Palanti, Paolo Sironi, Raimondo D'Aronco, Ernesto Basile.
LES ARTS DÉCORATIFS
L'explosion des tendances Art nouveau en Italie a eu lieu surtout à l'occasion de l'exposition de Turin de 1902, alors que dans d'autres pays il y avait déjà des signes de crise, et à Vienne des preuves de ce qu'on aurait défini comme le "style Sécession" étaient commencent à émerger. En Italie, si d'un côté le floralisme de style historiciste (qui s'appelait "Dolce Stil Novo") s'affirmait, il y avait déjà les prodromes de ce qu'aurait été le soi-disant modernisme (Randone, Vincenzo Jerace, Ernesto Basile). Ce n'est pas par hasard que les prix de l'exposition de Turin sont allés au duo Basile-Ducrot (qui peu après a commencé à collaborer avec Duilio Cambellotti) et à Galileo Chini.
SCULPTURE
Dans le sillage des nus sinueux et des nymphes marines qui avaient caractérisé de nombreuses sculptures publiques de la fin du XIXe siècle, la tendance plus marquée Liberty en sculpture s'exprime par le travail d'artistes tels que Domenico Trentacoste ou Pietro Canonica. Mais les sculpteurs italiens avaient déjà commencé vers 1880 à ressentir les premières angoisses du Symbolisme, comme Leonardo Bistolfi et, à côté d'eux, aussi les jeunes qui grandissaient non plus sur les modèles nationaux du XIXe siècle mais sur les grands maîtres étrangers prenaient leur premiers pas : Attilio Selva, Giovanni Primi, Ercole Drei, Nicola d'Antino.
LA GRANDE PEINTURE DÉCORATIVE
La véritable tendance synthétique, inhérente à la nature décorative, la synthèse des couleurs, les fonds plats typiques de la liberté internationale, s'est surtout exprimée dans les cycles de fresques privées et publiques créées par Edoardo Gioia, Galileo Chini (décorations pour bâtiments thermaux et villas privées) , Adolfo De Carolis, Annibale Brugnoli, Giulio Bargellini et Antonio Rizzi (victorien).
LES POSTERS
Dans les années où l'attention s'est portée sur le monde des arts appliqués, de la décoration, de ce qu'on appellera le design, dans la nécessité de réévaluer le rapport entre industrie et artisanat en éduquant les gens à une beauté généralisée de l'objet du quotidien utilisation, même l'affiche devient un canal par lequel l'artiste moderne peut transmettre sa créativité, se rendant actif et utile dans la diffusion des fruits bénéfiques de la révolution industrielle.
Participant à l'ambiance culturelle dominante, des artistes comme Adolfo De Carolis, Adolfo Hohenstein, Aleardo Terzi, Plinio Nomellini, Galileo Chini, Leonardo Bistolfi, Vittorio Grassi ou Umberto Boccioni se sont consacrés au nouvel "art de l'affiche", et en ont appliqué les traits stylistiques des tendances figuratives du moment. Sont exposées des affiches inédites en grandes dimensions et avec un impact de couleur perturbateur.
Image de couverture : Aroldo Bonzagni : All'uscita della Scala, 1910 aquarelle et détrempe sur papier appliqué sur carton, 40,5×50,5 cm Milan, Galleria d'Arte Moderna
