Fue durante el años 60, csobre el expresionismo abstracto todavía en plena floración, que Roy Lichtenstein inició el regreso del arte a un modo artístico representativo y autorreflexivo, como parte del cual comenzó derribando los muros entre el arte elevado y la cultura cotidiana con irónico abandono. Mire, Mickey Mouse es representante de este asalto a las convenciones, donde estaban imágenes cómicas simples y anuncios expresado en la forma monumental de las pinturas históricas: acto equivalente a una violación de la dignidad del arte. Los cómics, por no hablar de los anuncios de productos en periódicos y guías telefónicas, se consideran generalmente indignos del estatus a que se refiere el art. Lichtenstein aisló y monumentalizó los cómics, portándolos y transformándolos en un ambiente de museo: un gesto absurdo e irónico con el que se opuso al consumidor prejuicioso de la sociedad respecto al desapego general del arte moderno: “Tome un argumento desacreditado como Donald y Mickey Mouse y convertirlos en una obra de arte era absurdo o divertido, mientras que la época anterior había sido más seria”, señaló Lichtenstein.
Agotado en la primera exposición en 1962 en la Galería Leo Castelli.
A pesar de acusaciones más o menos graves de plagio y enérgicas protestas de los visitantes, la primera exposición de Lichtenstein, celebrada en 1962 en la Galería Leo Castelli de Nueva York, se agotó incluso antes de su inauguración. El artista se hizo famoso casi de la noche a la mañana, contribuyendo así al avance del arte pop estadounidense. Hoy Roy Lichtenstein es considerado uno de los tres artistas estadounidenses más populares y famosos junto con Andy Warhol y Jackson Pollock.. Además, se ha convertido en un influyente precursor del arte de apropiación y pionero de la fusión del arte elevado y el arte bajo en la producción artística contemporánea. El arte de Lichtenstein no es moralizante en absoluto, pero al mismo tiempo se abstiene de hacer declaraciones. Refleja la actitud ya ambivalente de los años 60 hacia la máquina de imágenes de la industria publicitaria, cuya estética Lichtenstein aportó al arte y al museo.
Impedir el reflejo de cualquier temperamento o de cualquier declaración de posición política es una parte integral de este concepto altamente formalista: las imágenes de Lichtenstein deben parecer como si hubieran sido hechas por una máquina. Comenzó a imitar el aspecto de los procesos de impresión masiva, baratos y rápidos, y de hecho con el tiempo se convirtió en su marca registrada: su lenguaje pictórico presenta pocos contornos y está compuesto por colores primarios, además de los monótonos puntos matriciales que hizo famosos: los llamados Puntos del día de Ben, llamado así por su inventor ben día, que se utilizó para crear valores tonales en las imágenes a imprimir. Lichtenstein los aplicó a sus lienzos mediante plantillas, proceso que delegó en sus asistentes a partir de 1963. Pese a ello, las primeras exposiciones de arte pop también incluyeron obras minimalistas; todas las diferencias en cuanto a lo representado en las imágenes tenían su denominador común: el antisubjetivismo, el serialismo y la producción industrial.
Tras el paso de los cómics al ámbito artístico, a mediados de la década de 60 Lichtenstein comenzó a pintar paisajes minimalistas en paneles de esmalte, un material que repele la suciedad y es resistente a la intemperie y se utiliza para la señalización comercial y del metro. La elección de un material tan brillante y reflectante como sustrato de una obra de arte destinada a ser expuesta en interiores es, por tanto, completamente absurda y grotesca.
Lichtenstein juega con el poder inherente a los clichés sobre masculinidad y feminidad
Reanuda el lenguaje visual de la publicidad y los gráficos de la novela de cultura popular de masas, un lenguaje que vive de la repetición de estereotipos estandarizados, siempre iguales, y que los hace suyos. Cuando estos motivos migran al ámbito del arte, se transforman por completo. La ampliación, el aislamiento, la objetivación y el antisubjetivismo tienen el efecto de abstraerlos, con sujetos indignos de arte transformados en obras de arte llenas de armonía y belleza: un proceso general en el que Lichtenstein rompió un tabú al violar las expectativas cliché del arte. Más tarde aplicaría su característico estilo de cómic a la apropiación de obras de artistas canónicos que van desde De Picasso a Dalí o pinceladas que recuerdan Jackson Pollock en el bronce, dejándolos completamente expuestos al ridículo.
La exposición del centenario ofrece una imagen completa del trabajo de Roy Lichtenstein, trazando un arco desde sus primeras pinturas pop de la década de 60 (incluido el ícono del arte pop Look Mickey) hasta las obras de sus últimos años. Esta exposición también cubre pinturas en blanco y negro de objetos tomados de anuncios de productos de Lichtenstein, pinturas que incluyen Large Spool y Ball of Twine (ambas de 1963), así como paisajes pintados sobre marcas de esmalte. En sus pinturas art after art de obras de Picasso, Dalí y Pollock, así como interiores tardíos, también se pueden ver desnudos femeninos y esculturas aún poco conocidas. Los museos más importantes del mundo lo han hecho y numerosos coleccionistas privados internacionales han favorecido con su generoso apoyo esta Exposición del Centenario: importantes obras han sido aportadas por el Museo de Arte Moderno de Nueva York y por el Museo Whitney, la Galería Nacional de Arte (Washington, DC), Yale University Art Gallery (New Haven), Museum Ludwig (Colonia), Louisiana Museum (Humlebæk), Tate (Londres), Moderna Museet (Estocolmo), Museo Thyssen-Bornemisza (Madrid) y muchos otros.
