Intitulada "Philip Guston e os Poetas", a exposição oferece uma reflexão sobre as formas como o artista se relacionou com as fontes de inspiração, examinando cinco poetas fundamentais do século XX, catalisadores das enigmáticas pinturas e visões de Gustão. Cinquenta anos da carreira artística de Guston são retraçados com a exibição de 50 pinturas consideradas entre suas obras-primas e 25 desenhos fundamentais datados de 1930 a 1980, último ano da vida do artista. Assim, traçam-se paralelos entre os temas humanísticos, refletidos nessas obras, e a linguagem e a prosa de cinco poetas: DH Lawrence (Grã-Bretanha, 1885 - 1930), WB Yeats (Irlanda, 1865 - 1939), Wallace Stevens (Estados Unidos, 1879 – 1955), Eugenio Montale (Itália, 1896 – 1981) e TS Eliot (Inglaterra, americano de nascimento, 1888 – 1965).
A exposição “Philip Guston and The Poets”, patente até 3 de setembro, tem curadoria de Kosme de Barañano e é organizada pela Gallerie dell'Accademia de Veneza em colaboração com o Espólio de Philip Guston. Os acessórios da exposição são curados pelo estúdio GRISDAINESE de Pádua.
A exposição é uma “estreia” de Philip Guston na cidade que exerceu profunda influência em sua obra e é ao mesmo tempo uma homenagem à relação do artista com a Itália. Desde muito jovem, ao criar murais, ele inspirou-se nos afrescos renascentistas e, de fato, esse amor pela pintura italiana permaneceu como um leitmotiv ao longo de sua carreira.
Em uma carta de 1975 dirigida a seu amigo Bill Berkson, um importante poeta, crítico e professor, Guston afirmou: “Estou mais do que nunca imerso na pintura dos séculos XV e XVI! E quando vou para o norte, para Veneza, diante de Tiepolo, Tintoretto e das chamadas obras maneiristas de Pontormo e Parmigianino, perco a cabeça e traio meus primeiros amores.”
Paola Marini, diretora da Gallerie dell'Accademia afirma: “Estamos felizes em apresentar a primeira exposição em Veneza sobre Philip Guston. O regresso do artista à nossa cidade reveste-se de particular pertinência, pois foi aqui que mergulhou numa história e património importantes para o seu posterior desenvolvimento artístico. Sabemos por seus próprios escritos do período italiano que as pinturas que admirava nos salões da Academia exerceram enorme influência em sua visão artística. Contextualizar a obra de Guston, estimular seus estudos e uma nova interpretação é um verdadeiro prazer para nós”.
Musa Mayer, filha do artista e presidente da Fundação Philip Guston, relembra: “Por ocasião da exposição de Guston no Pavilhão dos Estados Unidos na Bienal de Veneza de 1960, meu pai levou minha mãe e eu para a Itália antes de minha partida para a faculdade . Veneza e as Galerias Accademia foram nossa primeira parada. Mais de meio século depois, ainda guardo fortes lembranças de seu amor pelas grandes obras-primas da arte italiana. Meu pai ficaria profundamente emocionado e honrado com esta maravilhosa oportunidade de expor seu trabalho na galeria de pintura que ele tanto amava."
“O amor de Guston pela Itália adiciona uma profundidade complexa e rica de textura à sua pintura”, escreveu o curador Kosme de Barañano. “Agora, quando olhamos para sua arte através dos olhos e da prosa dos literatos que eram seus parentes – alguns dos quais ele gravitou e de quem ele desenhou ao longo de sua vida, outros que ele leu apenas ocasionalmente – podemos estudar como suas palavras compartilham uma afinidade com a complexidade das obras posteriores de Guston".
A exposição
“Philip Guston and The Poets” está organizado por núcleos temáticos de obras relacionadas com uma seleção de escritos e poemas dos cinco poetas. Começando com o ensaio de DH Lawrence de 1929 "Making Pictures", a pintura de Guston será apresentada por uma exploração de seu mundo de imagens, passando de uma reflexão sobre o ato criativo para uma sobre as possibilidades contidas na pintura. Com obras que pertencem tanto à sua juventude como à sua obra mais madura, a exposição aprofunda o percurso íntimo de Philip Guston rumo a uma “consciência visionária”, ou seja, a relação, sempre em evolução, com formas, imagens, ideias e a sua manifestação física.
No que diz respeito à relação com os escritos de Yeats, o percurso de Guston em busca de uma visão pessoal da pintura dá-se nomeadamente através do poema “Byzantium” de 1930. Tal como em Yeats, também na evolução artística de Guston existem referências à agonia e à purificação. O artista afasta-se dos confins rarefeitos do modernismo, da linguagem da abstração e dos cânones da Escola de Nova York para uma nova estrutura pictórica mais expressiva, que traça na figuração.
Do italiano Eugenio Montale, com quem Guston partilha uma poética do fragmento que se expressa através de símbolos trágicos e poderosos, para chegar a Wallace Stevens e TS Eliot (a quem Guston se refere explicitamente na pintura de 1979 "East Coker - TSE"), a A exposição oferece um levantamento literário da metafísica, dos quebra-cabeças e da busca de sentido conforme aparecem na obra de Guston. A obra de Guston é apresentada em relação ao ambiente poético, e não em uma sequência cronológica ou de tendências, como ocorre em exposições mais tradicionais. A abordagem curatorial de "Philip Guston and The Poets" permite, portanto, uma releitura e uma reconsideração em alguns aspectos sem precedentes de sua obra.
A enorme influência que a Itália teve sobre Guston e sua pintura será destacada graças à instalação concebida para a Gallerie dell'Accademia. Em 1948, um jovem Guston visitou a Itália pela primeira vez, tendo sido premiado com o Prix de Rome. Ele voltou novamente em 1960, quando seu trabalho foi exibido na Bienal de Veneza, e novamente em 1970 para uma residência artística em Roma. Esta nova viagem à Itália ocorreu após a onda de críticas levantadas em torno de sua primeira exposição de pintura figurativa em Nova York. As telas mais existencialistas de Guston, consideradas por alguns como "rústicas" e "cartoony", são permeadas pela influência da tradição cultural e artística italiana: das visões urbanas antigas e modernas que povoam sua série dedicada a Roma, passando pelas referências aos filmes de Federico Fellini, sua obra mostra uma enorme dívida para com os grandes mestres italianos: Masaccio, Piero della Francesca, Giotto, Tiepolo e De Chirico, a quem homenageia em "Panteão" de 1973. E, novamente, serão expôs pinturas inspiradas no Renascimento, obras que fazem alusão a Cosmè Tura e Giovanni Bellini, e obras criadas por Guston durante suas viagens.
Philip Guston
Philip Guston (1913 – 1980) é um dos grandes luminares da arte do século XX. A sua aposta na produção de obras que nascem das emoções e das experiências vividas desenvolve um envolvimento emocional que se mantém vivo ao longo do tempo. A carreira histórica de Guston se estende por quase meio século, de 1930 a 1980, e suas pinturas, especialmente as de seus últimos anos, continuam a exercer uma poderosa influência na geração mais jovem de pintores contemporâneos.
Nascido em Montreal em 1913 em uma família de emigrantes judeus russos, Guston mudou-se para a Califórnia em 1919 com sua família. Ele frequentou brevemente o Otis Art Institute em Los Angeles em 1930, mas fora dessa experiência ele nunca recebeu uma educação formal adequada. Em 1935, Guston trocou Los Angeles por Nova York, onde teve sucesso inicial com a Works Progress Administration, encomendando murais de artistas do Federal Arts Project. Juntamente com a forte influência exercida sobre Guston pelo ambiente social e político da década de XNUMX, suas pinturas e murais evocam formas estilizadas de De Chirico e Picasso, motivos da tração dos murais mexicanos e dos afrescos das casas históricas renascentistas. A experiência como pintor de murais permitiu a Guston desenvolver o senso de narrativa em grande escala, ao qual retornaria em seus trabalhos figurativos posteriores.
Depois de lecionar por vários anos no meio-oeste, Guston começou a dividir seu tempo entre a colônia artística de Woodstock e a cidade de Nova York. No final dos anos XNUMX, após uma década de experimentação com uma linguagem alegórica e figurativa pessoal para suas pinturas de cavalete, Guston começou a se desviar para a abstração. Seu estúdio na Tenth Street ficava perto dos de Pollock, De Kooning, Kline e Rothko.
As obras abstratas de Guston estavam agora ancoradas em uma nova espontaneidade e liberdade, um processo que o crítico Harold Rosenberg mais tarde descreveu como "pintura de ação". No início dos anos XNUMX, as abstrações atmosféricas de Guston levaram a comparações superficiais com Monet, mas com o passar da década, o artista trabalhou com empastos mais espessos e cores ameaçadoras, que deram lugar a cinzas, rosas e pretos.
Em 1955, ele se aproximou da Sidney Janis Gallery junto com outros artistas da Escola de Nova York e estava entre os que saíram em 1962 em protesto contra a exposição Pop Art que Janis montou e contra a mudança em favor da comercialização da arte que essa exposição representava. para eles. Após uma grande retrospectiva no Museu Solomon R. Guggenheim em Nova York em 1962, Guston ficou impaciente com uma linguagem de pura abstração e começou a experimentar novamente com formas mais tangíveis. O trabalho dos anos seguintes foi, portanto, caracterizado pelo uso do preto e pela introdução de verdes brilhantes e azuis cobaltos – totalmente perturbadores, angustiantes e gestuais. Este trabalho mais sombrio foi influenciado por escritos e filosofia europeus, especialmente as obras de Kierkegaard, Kafka e Sartre. Nesse ponto, Guston se retirou da cena artística de Nova York para viver e trabalhar em Woodstock pelo resto de sua vida.
Em 1968, Guston abandonou a abstração, redescobrindo assim o potencial narrativo da pintura e explorando motivos surreais e combinações de objetos em seu trabalho. Essa "libertação" levou ao período mais produtivo de toda a sua vida criativa. Nos anos seguintes, ele desenvolveu um léxico pessoal de lâmpadas, livros, relógios, cidades, cigarros, sapatos abandonados e figuras encapuzadas da Ku Klux Klan. A sua expressividade pictórica nos anos XNUMX foi frequentemente uma referência autobiográfica aberta à natureza: a figura do artista mascarado por um capuz frequentemente recorrente, ou retratos ternos da sua esposa Musa, ou mesmo um Guston semi-abstrato envolto num casulo. O último trabalho também revela ecos do início da vida de Guston, as perseguições religiosas e raciais que ele testemunhou e o suicídio de seu pai. Suas últimas obras possuem uma liberdade crescente, única entre os artistas de sua geração. Em meados da década de XNUMX, estranhas formas icônicas nunca antes vistas apareceram. “Se falo de um assunto a ser pintado, quero dizer que há um lugar esquecido de seres e coisas, que devo lembrar”, escreveu Guston em nota de estudo. “Quero conhecer este lugar. Pinto o que quero ver”.
O trabalho tardio de Guston não foi facilmente aceito pelos críticos e permaneceu amplamente incompreendido até sua morte em 1980. Seu trabalho passou por uma reconsideração radical após uma retrospectiva itinerante no Museu de Arte Moderna de São Francisco, inaugurada três semanas antes de sua morte. Nos anos seguintes, outras retrospectivas e monografias foram realizadas nos Estados Unidos, Europa e Austrália. Hoje, as últimas pinturas de Guston são consideradas uma das obras mais importantes do século XX.
Nota sobre o editor
Kosme de Barañano é um estudioso emérito de Guston. Ele organizou, entre muitos projetos, duas importantes exposições “Philip Guston: Roots of Drawings” (Rekalde, Bilbao 1993) e “Philip Guston One Shot Paintings” (IVAM, Valencia 2001). Historiador e curador de arte conhecido internacionalmente, De Barañano foi diretor do IVAM e vice-diretor do Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia em Madrid. É doutorado em História da Arte pela Universidade de Deusto, Bilbau. De Barañano é professor de História da Arte na Universidade do País Basco e na Universidade de Elche, Espanha, e foi professor visitante no IUAV em Veneza e na Universidade Humboldt em Berlim. Ele assinou vários livros e ensaios sobre um grande número de assuntos, de Pontormo e Max Beckmann a Alberto Giacometti e Eduardo Chillida.
Philip Guston: Pintor, 1973, óleo sobre tela, 72 3/4 x 80 1/2 pol. Coleção privada. © O Espólio de Philip Guston. Cortesia Hauser & Wirth
