Uma parte da exposição será dedicada aos retratos e fotos famosas dos grandes ícones da música dos anos XNUMX, uma seção não menos coerente com o compromisso civil (sobretudo a luta pelos direitos civis dos afro-americanos e indígenas, o fundamentalismo religioso , Vietnã, o pesadelo nuclear de Hiroshima, o consumismo, a degradação crescente do meio ambiente), às reflexões existenciais visionárias obtidas a partir do "sanduíche" de vários slides (técnica pioneira em uma era sem Photoshop), às ilustrações fotográficas dos textos de Dylan e os Beatles e a moda, sem esquecer a evolução da sociedade americana, todos fixados com um olhar tão original e visionário que lhe valeram honras, prémios e capas das mais prestigiadas revistas internacionais.
“Quero comunicar os elementos invisíveis de uma personalidade”, disse Art Kane, resumindo em poucas palavras toda a sua poética.
“Penso em Art Kane como uma cor brilhante, digamos, como um sol de abóbora no meio de um céu azul. Como o sol, Art fixa seu olhar em seu assunto, e o que ele vê, ele fotografa, e geralmente é uma interpretação dramática de sua personalidade”. Então Andy Warhol disse sobre ele.
“Art Kane era meu ídolo – lembra Franco Fontana – quase uma miragem para mim que o admirava de longe. Então eu o conheci em 77 em Arles e nos tornamos irmãos 'de cor' ligados por uma relação inesquecível de amizade e intimidade. Era um homem brilhante, de grande inteligência e criatividade. Animado pelo mito impossível da juventude eterna e do renascimento contínuo, ele mergulhou na vida até o âmago: ele até queria fazer um musical com isso. Ele rodou por Nova York em Velosolex e uma noite me levou ao lendário Studio 54, chegando totalmente vestido de cowboy. Ele adorava as mulheres e as fotografava com uma sensibilidade e erotismo em que eu me encontrava plenamente. Adorava a Itália onde já tinha vindo várias vezes, até para os workshops organizados por mim. Hipercrítico com os alunos, repreendia-os impiedosamente, provocando-os e incentivando-os a sempre cavar fundo em seu subconsciente”.
Art Kane é o lendário fotógrafo que às 10h de uma manhã de agosto de 1958 imortalizou até 57 lendas do jazz para a revista "Esquire" em uma calçada da rua 126, no Harlem, sem saber que criou a imagem mais significativa da história do jazz, universalmente conhecido como "Harlem 1958". Uma fotografia que lhe rendeu uma medalha de ouro do Art Directors Club de Nova York e poderosa o suficiente para inspirar um livro, um documentário de 1994 indicado ao Oscar (“A Great Day in Harlem”) e, mais recentemente, um filme de Spielberg, “The Terminal ” (2004), com Tom Hanks.
As lentes de Kane então repousaram em outras épocas sobre os grandes nomes da música, de todas as músicas, dos Rolling Stones a Bob Dylan, aos Doors, a Janis Joplin, a Jefferson Airplane e novamente Frank Zappa, Cream, Sonny & Cher, Aretha Franklin , Louis Armstrong, Lester Young, criando uma série infindável de ícones, como, sobretudo, o memorável do Who envolto na bandeira britânica. Mas Kane foi muito mais: um dos verdadeiros mestres da fotografia do século XX, cujas imagens visionárias influenciaram a consciência social de mais de uma geração e deixaram sua marca na cultura mundial.
Imagens que agora fazem parte das coleções permanentes do Museum of Modern Art e do Metropolitan Museum of Art.
Art Kane (1925-1995) trabalhou com moda, publicações, fotografou retratos de celebridades, reportagens de viagens e tratou o nu com um olhar incansável e inovador. Tal como acontece com seus contemporâneos, Guy Bourdin (1928-1991) e Helmut Newton (1924-2004), o trabalho de Kane gravita em torno de três elementos principais: cores ousadas, erotismo e humor surreal. Porta-estandarte daquele espírito selvagem que, sobretudo graças a ele, se estabeleceu depois da Segunda Guerra Mundial: inflexível, intransigente e sentimental.
Nascido no Bronx, em Nova York, em 1925 (a família Kanofsky - este é seu verdadeiro sobrenome - mudou-se para lá no início dos anos 900, entre 1900 e 1910, vindo da Ucrânia) Kane lutou na Segunda Guerra Mundial na França em um pitoresco contingente atribuído a tanques infláveis que deveriam enganar os alemães.
Depois de se formar com honras na Cooper Union em 1950, e depois de estudar com Alexey Brodovitch na New School, junto com Richard Avedon, Irving Penn e Diane Arbus, aos 27 anos ele se tornou o diretor de arte mais jovem da história a entrar na revista “Seventeen ”. Em 1958, a consagração com o retrato de lendas do jazz em uma calçada do Harlem.
Com a sua obra, enquanto se travava a luta pelos direitos civis e a guerra do Vietname, Kane deu então uma resposta conscienciosa ao período que vivia, expressando-se de forma popular, demonstrando uma grande capacidade de comunicação com um grande público.
Em anos em que a tecnologia das câmeras ainda analógicas avançava a uma velocidade paroxística, o formato 35mm foi libertador para Kane: "Adoro o aspecto ritualístico do meio, a sensação embrionária de me perder na janela mágica do visor, a incrível gratificação de estando no templo eu me criei. Eu ficava ridículo com o paletó na cabeça porque ninguém cobria na hora de filmar com a 35mm, mas eu adorava aquela alienação, estar totalmente afastado do mundo exterior, como se eu tivesse meu pequeno teatro à minha disposição”.
Trinta anos antes do Photoshop, munido apenas de uma mesa de luz e uma lupa, Kane inventou a imagem "sanduíche" montando dois slides de registro no mesmo quadro. Ao desenvolver esta técnica para além de todos os limites, Kane tornou-se um verdadeiro pioneiro da narrativa fotográfica, que conduziu também com recurso à metáfora e à poesia, transformando eficazmente a fotografia em ilustração.
Atravessou então os anos sessenta, setenta e oitenta como uma fúria, revolucionando a fotografia comercial, as imagens de moda, os retratos de celebridades e o nu, graças a um uso temerário da grande angular, de filmes com cores hipersaturadas e um surreal com alto índice erótico .
Kane também foi um colaborador importante das principais revistas de moda de sua época e escreveu campanhas publicitárias surpreendentes para as indústrias de moda e beleza.
Muito próximo de Itália, veio várias vezes ao nosso país para fotografar e dar vida a workshops.
Ao longo de sua carreira, Kane foi homenageado por quase todas as organizações de design fotográfico nos Estados Unidos, incluindo: American Society of Magazine Photographers, Photographer of the Year, Newspaper Guild of America, Page One Award, Augustus Saint-Gaudens Medal for Distinguished Achievement, Cooper -Union, Clube de Diretores de Arte de Nova York Em 1984, Kane recebeu o prêmio Lifetime Achievement da Sociedade Americana de Fotógrafos de Revistas e recebeu grandes elogios de várias corporações e corporações americanas.
“Art Kane era um ilusionista – escreve Guido Harari -, o mestre de um impressionismo fotográfico que ainda hoje mexe com emoções e destila ideias. Veneza está sempre em perigo, os músicos de rock sempre anunciam o advento de algum Novo Mundo, a solidão na era da Internet é ainda mais cósmica, os direitos civis devem ser renegociados todos os dias, a degradação ambiental nos empurra cada vez mais rapidamente para a extinção e Kane , com uma atualidade espantosa, já projetava tudo isso num mundo de fantasia que parece amplificar a realidade de hoje. Em poucos anos revolucionou a fotografia, descobrindo novas técnicas e customizando outras para libertá-la de seu suposto “realismo”. A fotografia de Kane é pura energia, verdadeira imaginação em poder: "A realidade para mim nunca corresponde às expectativas visuais que gera", disse ele. “Mais do que registrar com minhas fotos, quero compartilhar o que sinto”.
Todas as fotografias de Kane são permeadas por sua paixão irreprimível pela vida, pelo homem e por uma cultura popular a ser interpretada através de símbolos. São imagens pensantes, visões que sempre comunicam um ponto de vista muito pessoal, sobre racismo e guerra, misticismo ou sexo, moda ou música. Não se preocupe com "estilo": sua técnica fotográfica era intuitiva e desarmante em sua simplicidade, animada por uma variedade impressionante de ideias, ângulos de câmera improváveis, configurações singulares e cores saturadas. Nada aparece como seria de esperar: as imagens sugerem, provocam, deslocam, mas cabe ao espectador completar o quadro.
Os anos XNUMX também anteciparam a revolução das cores que Kane apreendeu na hora, sabendo bem, graças à sua premiada experiência como diretor de arte, como expor suas visões e, acima de tudo, como selecioná-las. Sua montagem ferozmente cirúrgica deixou planos alternativos raríssimos em seu vasto arquivo: "Entendi imediatamente que a fotografia também pode ser um ato de recusa, que permite escolher o que deixar de fora da imagem".
Kane aperfeiçoou seu talento em revistas lendárias como "Look", "Life", "Esquire" e "McCall's", hoje extintas (exceto "Esquire") mas na época generosas com honorários fabulosos apenas para obter imagens que "eliminassem o o pequeno e o feio para enfatizar o grande e o heróico”, trilhando o caminho do visionário mesmo quando a moda batia à sua porta na pessoa de Diana Vreeland, a poderosa madame da “Vogue”. Da profundidade de campo e distorção acentuada da grande angular de 21mm (inventada naqueles anos) ao "foco seletivo" obtido com teleobjetivas como a 180mm e a 500mm, seu vocabulário visual foi também enriquecido com imagens concebidas para serem vistas de cabeça para baixo baixo e engenhosas montagens de dois diapositivos as suas chamadas 'sanduíches', das quais esta exposição apresenta inúmeros exemplos. “Uso o sanduíche como uma ferramenta poética para fugir do fotorrealismo – disse Kane -. É como a vida: as coisas acontecem, mas não necessariamente dramáticas, até que você dê um passo para trás e capture sua essência com base em sua memória. A memória é extraordinária. Quando você tem a audácia de extrair uma imagem do mundo vivo e unidimensional, você eliminou cheiros, toques, sons e colocou uma moldura em volta eliminando a visão periférica. Nesse sentido, nenhuma foto é a verdade, não importa quão realista seja a imagem ou quão normal seja a lente. Todos mentem, porque sempre montamos. Na visão normal, escolhemos uma coisa de cada vez, mas estamos sempre movendo os olhos, combinando tudo continuamente."
A exposição é organizada e produzida pela Galeria Cívica de Modena e pela Fundação Cassa di Risparmio di Modena em colaboração com a Fundação Solares das Artes de Parma e a Galeria Wall of Sound de Alba, esta grande retrospectiva dedicada à Arte Kane vinte anos depois sua morte e no nonagésimo aniversário de seu nascimento, apresenta pela primeira vez na Itália uma centena de fotografias clássicas e inéditas que contribuíram para moldar a imaginação visual da segunda metade do século XX.
Foto: “Um grande dia no Harlem” de A. Kane, 1958 (fonte: wikipedia.org)
