Dia de chuva num Lugano que se esconde nas nuvens um pouco como as que Magritte ele pintou em várias de suas pinturas. O lago serve de pano de fundo silencioso enquanto alguns cisnes dançam imperturbáveis nas águas plúmbeas numa exposição que nos remete para a conferência La ligne de vie (A linha da vida) que René Magritte realizada em 20 de novembro de 1938, há exatos 80 anos, al museu Real do Beaux Arte de Antuérpia. Foi então que Magritte ilustrou aqueles princípios em que os objetos do cotidiano podem assumir um significado decididamente surreal e perturbador.
A exposição percorre toda a vida do mestre belga, o percurso começa pouco antes da década de 20, onde já se nota o interesse de Magritte pelo futurismo italiano. Lembramos que em Chirico, encontra a sua veia poética, que já podemos admirar numa obra aqui exposta"Les plair du poete"(1912).
As pinturas que Magritte realizou entre 1920 e 1924 são colocadas como obras pré-surrealistas, onde se percebem as influências estéticas que o pintor adquiriu no final dos seus estudos na Academia de Belas Artes de Bruxelas. Mas esta sua pesquisa terminou cedo, sobretudo depois de ter conhecido a obra de Giorgio De Chirico, apresentada pelo poeta Marcel Lecomte. A partir deste momento, Magritte adota a pintura caracterizada pelo "Desorientaçao”, ou seja, aquele instante em que os objetos se tornam um mistério.
Em 1927, depois de ter abordado o cenáculo surrealista de Bruxelles, realiza a sua primeira exposição que atrai vários comerciantes entre os quais Van Hecke, que lhe oferece um contrato. Mais tarde mudou-se para Paris junto com Georgette e seu irmão Paul. Este período representará um selo de profunda amizade com o poeta Paul Eluard.
Deste período são obras como "Pinturas-mots”, pinturas e palavras, imagens acompanhadas de frases curtas, onde as palavras são escritas de forma muito caprichada, quase escolástica.
Para melhor ilustrar o significado de sua pesquisa, ele desenha uma "Demonstração" intitulada "Les Revolution Surrealistas”, em exposição encontramos os rascunhos originais expostos em um quadro de avisos. Às vezes, o nome do objeto funciona como uma imagem, ou uma palavra toma o lugar do objeto, quase convidando o espectador a reconstruir o significado de acordo com as pistas que o pintor quis deixar na tela.
Os anos entre 1933 e 1940 assistem a um estilo de afinidade, onde Magritte busca justamente as afinidades eletivas entre os objetos que compõem a obra, como a gaiola e o ovo.
Será em 1943 que o artista muda completamente de estilo, as cores ficam mais claras com uma pincelada parecida com o impressionismo. De facto, este período aproxima-se do período Renoir, quase como se procurasse um desafio. As obras foram expostas quase clandestinamente e não encontraram consenso com os ataques da imprensa sob o controle da ocupação alemã. Mas Magritte não pretendia abrir mão desse estilo e logo após a guerra assinou o manifesto Surréalisme en plein soleil, abandonando assim o período impressionista.
No final dos anos quarenta com a cumplicidade de seu amigo Louis Scutenaire decide enviar obras a Paris para uma exposição, mas não suas obras-primas, mas dezessete telas e doze guaches pintados quase às pressas e chamados de "período vache", aludindo assim ao fauvismo, o estilo das bestas, a ponto de em alguns o pintor deformar tanto que parecem grotescos. A exposição foi muito mal recebida a ponto de despertar forte indignação por parte dos visitantes.
Daí até sua morte, Magritte voltou ao estilo pictórico que lhe era mais caro, ou seja, evocar o mistério nos objetos comuns. E para retirá-los da banalidade, ele os petrifica ou os solta no ar, quase na ausência de gravidade.
Seu sucesso agora é internacional, seu talento é reconhecido graças ao seu comerciante Alexander Iolas. Em 1965 o Museu de Arte de Nova York dedica-lhe uma exposição pessoal, mas a sua fama já é conhecida.
A exposição, que permanecerá aberta até 6 de janeiro de 2019, foi criada com o apoio da Fundação Magritte e conta com a colaboração de Amos Rex de Helsinque.
