É difícil imaginar arte cinematográfica sem edição. Alguns argumentam que mesmo uma tomada de um assunto fixo, sem qualquer manipulação posterior após a filmagem, pode constituir uma obra fílmica. Conceitualmente impecável, substancialmente impraticável. A montagem é geralmente considerada o elemento constitutivo, característico e específico da expressão audiovisual e, em particular, do cinema. Um sistema orgânico, linear e analógico de imagens ou sequências correlacionadas entre si determina o trabalho do realizador que, em certo sentido, é também o editor do mesmo, mesmo que sejam profissões completamente diferentes. A montagem, como definição teórica, já faz parte da produção desde o momento em que o roteiro é escrito, onde as cenas ou sequências são dispostas em sua alternância. Por sua vez, o m. intervém na cadência temporal do filme na medida em que permite dilatar ou encurtar o espaço narrativo. Na cultura cinematográfica anglo-saxónica identificam-se correctamente duas actividades distintas referentes ao m.: o corte onde se efectuam meras operações técnicas de corte e emenda do filme, enquanto a montagem remete para a criatividade, para a ordem expositiva que se pretende colocar no filme. Em Itália esta distinção não é totalmente clara e existe uma tendência para relegar a fase de edição para uma área secundária de direção ou direção.
O pioneiro da arte do m. George Méliès é considerado, para alguns definido como o segundo arquiteto do nascimento do cinema depois dos irmãos Lumiere. Devemos a ele a invenção de algumas técnicas fundamentais do m. bem como o início do cinema de ficção científica. Em seguida, seguiram David W. Griffith e Lev V. Kulešovagl. A sua intuição fundamental era que a imagem cinematográfica pode sofrer múltiplas manipulações e que a junção entre diferentes imagens não resume matematicamente a soma das mesmas e que, portanto, cada uma delas assume um significado completo na sua colocação precisamente no momento em que o ' entre si em um fluxo dinâmico. A primeira exposição teórica mais exaustiva sobre m. foi feita por Sergej M. Eisenstein com sua monumental obra The General Theory of Montage de 1937 e, no ano seguinte, Montage.
A ferramenta fundamental para o m. cinematográfico é o moviola, enquanto para o m. são utilizados softwares de gerenciamento de imagens digitais que tornam o trabalho de edição mais rápido e racional.
Para mais informações: editado por Piero Montani
Entre os grandes nomes do cinema italiano, lembramos Anna Magnani, Nino Manfredi e Marcello Mastroianni. Todos eles pertencem à história do século passado e cada um deles delineou os aspectos mais significativos da sociedade e da cultura do nosso país. Magnani foi a figura icônica das mulheres italianas do pós-guerra: forte, inteligente e cheia de paixão. Grande popularidade veio a ele em 1945 com Roma cidade aberta de Roberto Rossellini, ele ganhou um Oscar em 55 com a rosa tatuada e atingiu seu pico em 1962 com Per Paolo Pasolini em Mamma Roma.
Já Manfredi caracteriza um momento importante do cinema italiano na década de 60, onde interpreta o papel de um camponês romano entre o cômico e o melodramático. Chega ao grande público também graças ao trabalho com os grandes realizadores do momento: desde Dino Risi, com quem fez Straziami ma di baci saziami, depois com Ettore Scola com Nós éramos tão amados e finalmente com Luigi Magni onde encontra grande sucesso com No ano do Senhor de 1969.
Marcello Mastroianni é o ator italiano por excelência. Sua estreia mais relevante se dá com um filme que ainda hoje é considerado um marco do cinema nacional.: O desconhecido habitual de Mario Monicelli de 1958 a que se seguirá o grande sucesso internacional com La dolce vita de Federico Fellini de 1960, com o qual fará então Gengibre e Fred em 86. Inesquecível em Um determinado dia por Ettore Scola em 77 e em uma de suas últimas obras Ele apóia o pereira de 1995.
Quanto aos grandes diretores italianos, propomos dois nomes: Mario Monicelli e Nanni Moretti. Ao primeiro associam-se alguns dos filmes mais importantes da nossa produção nacional: as duas primeiras obras que também o projectaram no palco internacional são Os Incógnitos do Costume de 58 e A Grande Guerra do ano seguinte. Alguns anos depois, outro título memorável: o exército brancaleone. Em 75 ganhou o David com outro título fundamental: Amici mia onde confirmou a sua inspiração na sátira de costumes, em particular dirigida ao que se passa em círculos sociais e familiares restritos: Um pequeno burguês, Esperamos que seja uma menina e, por último , Parentes da Serpente de 92. Em 1991, ele ganhou o Leão de Ouro por sua carreira.
Já Nanni Moretti marcou uma geração de cinéfilos (inclusive eu). Estreou-se na fase final do período de protesto estudantil com Io sono un autarchico de '76 a que se seguiu de imediato o título que o faria dar o salto: Ecce hype onde narra as dificuldades, crises e tormentos de um grupo de jovens prestes a se tornarem adultos. O seu é um cinema atormentado, por vezes complexo, intimista e introspectivo e talvez precisamente por ser um sucesso tão grande: Bons sonhos de 81, Bianca de 84, acabou a missa para palombela rossa, querido Diário e o dramático Quarto do filho.
Esta seção não poderia esquecer de um autor que deu ao cinema páginas memoráveis não em forma de imagens, mas com trilha sonora: Ennio Morricone. O seu nome está indissociavelmente ligado ao de Sergio Leone com quem assina as obras-primas do cinema de faroeste. Trabalhou depois com Pasolini, Pontecorvo, Bertolucci e Tornatore para depois chegar, nos nossos tempos, com Quentin Tarantino. Ele levou o Leão de Ouro pelo conjunto de sua obra em 1995 e, na emoção geral, o Oscar de conjunto de sua obra em 2008.
