Une partie de l'exposition sera consacrée aux portraits et photos célèbres des icônes majeures de la musique des années XNUMX, une partie non moins cohérente avec l'engagement citoyen (surtout la lutte pour les droits civiques des Afro-Américains et des Indiens, l'intégrisme religieux , Vietnam, cauchemar nucléaire d'Hiroshima, consumérisme, dégradation croissante de l'environnement), aux réflexions existentielles visionnaires obtenues à partir du "sandwich" de plusieurs diapositives (une technique pionnière à une époque sans Photoshop), aux illustrations photographiques des textes de Dylan et les Beatles et la mode, sans oublier l'évolution de la société américaine, le tout fixé avec un regard si original et visionnaire qu'il remporte les honneurs, les récompenses et les couvertures des magazines internationaux les plus prestigieux.
« Je veux communiquer les éléments invisibles d'une personnalité », disait Art Kane, enfermant toute sa poétique en quelques mots.
«Je pense à Art Kane comme une couleur vive, dirons-nous, comme un soleil de citrouille au milieu d'un ciel bleu. Comme le soleil, l'Art fixe son regard sur son sujet, et ce qu'il voit, il le photographie, et généralement c'est une interprétation dramatique de sa personnalité ». Alors Andy Warhol a dit à son sujet.
« Art Kane était mon idole – se souvient Franco Fontana – presque un mirage pour moi qui l'admirais de loin. Puis je l'ai rencontré en 77 à Arles et nous sommes devenus des frères "de couleur" liés par une relation inoubliable d'amitié et d'intimité. C'était un homme brillant, d'une grande intelligence et créativité. Animé par l'impossible mythe de l'éternelle jeunesse et de la renaissance continue, il mordait la vie jusqu'à la moelle : il voulait même en faire une comédie musicale. Il a fait le tour de New York en Velosolex et un soir il m'a emmené au mythique Studio 54, arrivant tout habillé en cow-boy. Il adorait les femmes et les photographiait avec une sensibilité et un érotisme dans lesquels je me retrouvais pleinement. Il aimait l'Italie où il était venu plusieurs fois, même pour les stages que j'organisais. Hypercritique envers les élèves, il les gronda sans pitié, les provoquant et les encourageant à toujours puiser profondément dans leur subconscient ».
Art Kane est le photographe légendaire qui, à 10h un matin d'août 1958, a immortalisé pas moins de 57 légendes du jazz pour le magazine "Esquire" sur un trottoir de la 126ème rue, à Harlem, ignorant avoir créé l'image la plus significative de l'histoire du jazz, universellement connue sous le nom de "Harlem 1958". Une photographie qui lui a valu une médaille d'or de l'Art Directors Club de New York et suffisamment puissante pour inspirer un livre, un documentaire nominé aux Oscars en 1994 ("A Great Day in Harlem"), et plus récemment un film de Spielberg, "The Terminal » (2004), avec Tom Hanks.
L'objectif de Kane s'est ensuite posé sur d'autres fois sur les grands de la musique, de toutes les musiques, des Rolling Stones à Bob Dylan, aux Doors, à Janis Joplin, à Jefferson Airplane, et encore Frank Zappa, Cream, Sonny & Cher, Aretha Franklin , Louis Armstrong, Lester Young, créant une série interminable d'icônes, comme, surtout, celle mémorable des Who enveloppés dans le drapeau britannique. Mais Kane était bien plus : l'un des véritables maîtres de la photographie du XXe siècle, dont les images visionnaires ont influencé la conscience sociale de plus d'une génération et laissé leur empreinte sur la culture mondiale.
Des images qui font désormais partie des collections permanentes du Museum of Modern Art et du Metropolitan Museum of Art.
Art Kane (1925-1995) travaille dans la mode, l'édition, réalise des portraits de célébrités, des reportages de voyage et traite le nu avec un œil implacable et novateur. Comme ses contemporains, Guy Bourdin (1928-1991) et Helmut Newton (1924-2004), l'œuvre de Kane gravite autour de trois éléments principaux : les couleurs vives, l'érotisme et l'humour surréaliste. Porte-drapeau de cet esprit sauvage qui, surtout grâce à lui, s'est imposé après la Seconde Guerre mondiale : inflexible, intransigeant et sentimental.
Né dans le Bronx, à New York, en 1925 (la famille Kanofsky - c'est son vrai nom de famille - s'y était installée au début des années 900, entre 1900 et 1910, depuis l'Ukraine) Kane a combattu pendant la Seconde Guerre mondiale en France dans un contingent pittoresque affectés à des chars gonflables censés tromper les Allemands.
Diplômé avec mention de la Cooper Union en 1950, et après avoir étudié avec Alexey Brodovitch à la New School, aux côtés de Richard Avedon, Irving Penn et Diane Arbus, il devient à 27 ans le plus jeune directeur artistique de l'histoire à entrer dans le magazine "Seventeen ”. En 1958 la consécration avec le portrait de légendes du jazz sur un trottoir de Harlem.
Avec son travail, alors que la bataille pour les droits civiques et la guerre au Vietnam faisaient rage, Kane a alors donné une réponse consciencieuse à la période qu'il vivait, s'exprimant de manière populaire, montrant une grande capacité à communiquer avec un large public.
Dans des années où la technologie des caméras analogiques progressait encore à une vitesse paroxystique, le format 35 mm était libérateur pour Kane : « J'aime l'aspect ritualiste du médium, l'impression embryonnaire de se perdre dans la fenêtre magique du viseur, l'incroyable gratification de étant dans le temple je me suis créé. J'avais l'air ridicule avec ma veste sur la tête parce que personne ne la couvrait quand on tournait avec un 35 mm, mais j'adorais cette aliénation, être totalement coupé du monde extérieur, comme si j'avais mon propre petit théâtre à ma disposition ».
Trente ans avant Photoshop, armé uniquement d'une table lumineuse et d'une loupe, Kane a inventé l'image "sandwich" en montant deux diapositives de registre dans le même cadre. En développant cette technique au-delà de toutes limites, Kane est devenu un véritable pionnier de la narration photographique, qu'il a menée également en utilisant la métaphore et la poésie, transformant efficacement la photographie en illustration.
Il traverse ensuite les années XNUMX, XNUMX et XNUMX comme une furie, révolutionnant la photographie commerciale, les images de mode, les portraits de célébrités et le nu, grâce à une utilisation téméraire du grand angle, de films aux couleurs sursaturées et d'un surréalisme à fort taux érotique. .
Kane a également été un contributeur clé aux principaux magazines de mode de son époque et a écrit des campagnes publicitaires étonnantes pour les industries de la mode et de la beauté.
Très proche de l'Italie, il est venu à plusieurs reprises dans notre pays pour photographier et donner vie à des ateliers.
Tout au long de sa carrière, Kane a été honoré par presque toutes les organisations de conception de photos aux États-Unis, notamment : American Society of Magazine Photographers, Photographer of the Year, Newspaper Guild of America, Page One Award, Augustus Saint-Gaudens Medal for Distinguished Achievement, Cooper -Union, New York Art Directors Club En 1984, Kane a reçu le prix pour l'ensemble de ses réalisations de l'American Society of Magazine Photographers et a reçu des distinctions majeures de la part de nombreuses sociétés et sociétés américaines.
« Art Kane était un illusionniste – écrit Guido Harari -, le maître d'un impressionnisme photographique qui suscite encore aujourd'hui des émotions et distille des idées. Venise est toujours en danger, les musiciens de rock annoncent toujours l'avènement d'un Nouveau Monde, la solitude à l'ère d'Internet est encore plus cosmique, les droits civiques doivent être renégociés chaque jour, la dégradation de l'environnement nous pousse toujours plus rapidement vers l'extinction, et Kane , d'une étonnante actualité, projetait déjà tout cela dans un monde fantasmé qui semble amplifier la réalité d'aujourd'hui. En quelques années, il révolutionne la photographie, découvre de nouvelles techniques et en personnalise d'autres pour la libérer de son "réalisme" présumé. La photographie de Kane est une pure énergie, une véritable imagination au pouvoir : « Pour moi, la réalité n'est jamais à la hauteur des attentes visuelles qu'elle génère », a-t-il déclaré. "Plus que de l'enregistrer avec mes photos, je veux partager ma façon de ressentir les choses".
Toutes les photographies de Kane sont imprégnées de sa passion irrépressible pour la vie, pour l'homme et pour une culture populaire à interpréter à travers des symboles. Ce sont des images pensantes, des visions qui communiquent toujours un point de vue très personnel, sur le racisme et la guerre, le mysticisme ou le sexe, la mode ou la musique. Pas de souci de « style » : sa technique photographique est intuitive et désarmante de simplicité, animée par une impressionnante variété d'idées, des angles de caméra improbables, des décors singuliers et des couleurs saturées. Rien n'apparaît comme on pourrait s'y attendre : les images suggèrent, provoquent, déplacent, mais c'est au spectateur de compléter le tableau.
Les années XNUMX anticipent également la révolution des couleurs que Kane saisit à la volée, sachant bien, grâce à son expérience primée de directeur artistique, comment agencer ses visions et surtout comment les sélectionner. Son montage férocement chirurgical a laissé des plans alternatifs rarissimes dans ses vastes archives : « J'ai tout de suite compris que la photographie peut aussi être un acte de refus, qui permet de choisir ce qu'il faut omettre de l'image ».
Kane a aiguisé son talent sur des magazines légendaires tels que "Look", "Life", "Esquire" et "McCall's", aujourd'hui disparus (sauf pour "Esquire") mais à l'époque généreux avec des honoraires fabuleux juste pour obtenir des images qui "éliminent le le petit et le laid pour souligner le grand et l'héroïque », poussant sur la voie du visionnaire même quand la mode frappe à sa porte en la personne de Diana Vreeland, la puissante madame de « Vogue ». De la profondeur de champ et de la distorsion marquée du grand angle 21 mm (inventé dans ces années) à la "mise au point sélective" obtenue avec des téléobjectifs tels que les 180 mm et 500 mm, son vocabulaire visuel s'est également enrichi d'images conçues pour être vues à l'envers. vers le bas et des montages ingénieux de deux diapositives ses soi-disant « sandwichs », dont cette exposition présente de nombreux exemples. « J'utilise le sandwich comme un outil poétique pour échapper au photoréalisme – dit Kane -. C'est comme la vie : les choses arrivent, mais elles ne sont pas nécessairement dramatiques, jusqu'à ce que vous preniez du recul et captiez leur essence à partir de votre mémoire. La mémoire est extraordinaire. Lorsque vous avez l'audace d'extraire une image du monde vivant et unidimensionnel, vous avez éliminé les odeurs, le toucher, le son et mis un cadre autour d'elle en éliminant la vision périphérique. En ce sens, aucune photo n'est la vérité, peu importe le réalisme de l'image ou la normalité de l'objectif. Ils mentent tous, car nous montons toujours. En vision normale, nous choisissons une chose à la fois, mais nous bougeons toujours nos yeux, combinant tout en continu."
L'exposition est organisée et produite par la Civic Gallery de Modène et la Fondation Cassa di Risparmio di Modena en collaboration avec la Fondation Solares des Arts de Parme et la Wall of Sound Gallery d'Alba, cette grande rétrospective consacrée à l'Art Kane vingt ans après sa mort et à l'occasion du quatre-vingt-dixième anniversaire de sa naissance, présente pour la première fois en Italie une centaine de photographies classiques et inédites qui ont contribué à façonner l'imaginaire visuel de la seconde moitié du XXe siècle.
Photo "Une belle journée à Harlem" par A. Kane, 1958 (source : wikipedia.org)
