Le Galeries d'Italie – Piazza Scala, siège du musée d'Intesa Sanpaolo à Milan, actuel dal 25 octobre 2019 au 15 mars 2020 l'exposition Canova | Thorvaldsen. La naissance de la sculpture moderne, Édité par Stefano Grandesso et Fernando Mazzocca.
Réalisée en collaboration avec le Musée Thorvaldsen de Copenhague, le Musée de l'Ermitage de Saint-Pétersbourg, l'exposition est rendue possible grâce à la contribution de prêts fondamentaux accordés par des musées italiens et étrangers et des collections privées. Pour n'en citer que quelques-uns : la Bibliothèque apostolique vaticane, les Galeries des Offices à Florence, le Musée J. Paul Getty à Los Angeles, le Museo Nacional del Prado à Madrid, la Pinacoteca di Brera et la Pinacoteca della Veneranda Biblioteca Ambrosiana à Milan, la Metropolitan Museum à New York, les National Galleries of Ancient Art à Rome, la Gallerie dell'Accademia à Venise. Un noyau substantiel d'œuvres provient également du Musée Antonio Canova et de la Gypsothèque de Possagno, qui a prévu d'importantes initiatives pour les célébrations du 200e anniversaire de la mort du maître.
L'exposition propose une comparaison inédite entre les deux grands protagonistes de la sculpture moderne à l'époque néoclassique et romantique : l'Italien Antonio Canova (1757-1822) et le Danois Bertel Thorvaldsen (1770-1844), les deux « classiques modernes » capable de transformer l'idée même de la sculpture et de sa technique, créant des œuvres immortelles devenues populaires et reproduites dans le monde entier.
Le terrain sur lequel les deux illustres maîtres se sont affrontés à l'origine est le sol romain, où ils ont tous deux mené une bonne partie de leur carrière : Canova arrive à Rome en 1781 et y meurt en 1822, tandis que Thorvaldsen s'y installe à partir de 1797 pour la quarante prochaines années.
Ici, les deux artistes se livrent à l'un des défis les plus connus et les plus productifs sur des thèmes et des sujets identiques qui donneront à l'art des chefs-d'œuvre : les figures de la mythologie classique, comme Cupidon et Psyché, Venere, Paride, Ebele Merci, représentaient dans l'imaginaire commun l'incarnation des grands thèmes universels de la vie, comme le court voyage de la jeunesse, l'enchantement de la beauté, les flatteries et les déceptions de l'amour.
Les applaudissements qu'ils reçurent l'un et l'autre de la critique contemporaine sont emblématiques d'une civilisation tournée vers l'antique, mais qui en même temps aspirait à la modernité, dualité qu'ils savaient magistralement interpréter et guider : Canova avait été le révolutionnaire artiste, capable de garantir à la sculpture une primauté sur les autres arts, sous le signe de la comparaison et du dépassement de l'ancien ; Thorvaldsen, regardant le travail et la stratégie de son rival, s'inspire d'une idée plus sévère et austère du classicisme, entamant une nouvelle saison de l'art nordique, inspiré des civilisations méditerranéennes.
Tous deux avaient su s'affranchir de la contrainte que le client imposait traditionnellement à la sculpture en raison des coûts élevés du marbre ou du bronze, fondant de grands ateliers aux dimensions d'ateliers complexes, avec de nombreux collaborateurs et étudiants : avec les innovations techniques introduites par Canova et utilisé à grande échelle par Thorvaldsen – créant un modèle en plâtre avant la statue de marbre – le sculpteur acquiert pour la première fois la liberté d'exprimer sa propre poétique dans la statue, réalisée sans commande.
A travers plus de 150 œuvres réparties en dix-sept sections l'exposition a l'intention de documenter l'extraordinaire complexité des créations de Canova et Thorvaldsen, destinées aux collections italiennes et internationales de haut niveau, et l'énorme succès de leur sculpture, en proposant des comparaisons continues avec d'autres artistes de toutes nationalités.
La première section traite du thème de L'image de l'artiste. Les autoportraits, avec les œuvres interprétées par les deux artistes en trois temps : au début de leur carrière, alors qu'ils s'étaient déjà imposés, et celles créées à maturité. Canova s'est représenté à la fois comme sculpteur et peintre dans une série de peintures. Thorvaldsen nous a laissé dans certains dessins une image plus intime de son visage aux traits romantiques. Mais les deux portraits officiels sont ceux où ils sont représentés en deux bustes à caractère héroïque, c'est-à-dire plus grands que nature, à l'ancienne : deux portraits d'auto-célébration, projetés dans une dimension intemporelle, mais aussi animés par un grand charge introspective.
Nous continuons avec la section de Les études de Canova et Thorvaldsen à Rome, avec une série d'œuvres qui font référence aux véritables ateliers dans lesquels les deux maîtres ont travaillé au centre de Rome : sont exposées les œuvres de Francesco Chiarottini, Johan Vilhelm Gertner, Hans Ditlev et Christian Martens, Gaetano Matteo Monti, Friedrich Nerly, Ferdinand Richardt, Pietro Tenerani, qui témoignent comment l'atelier est devenu pour Canova et Thorvaldsen une sorte de musée d'artistes, où ils peuvent exposer leurs travaux et des modèles en plâtre à copier.
Les sections suivantes, consacrées à portraits, pour la plupart à ceux attribués aux deux sculpteurs, témoignent d'un phénomène sans égal en nombre et en qualité dans l'histoire de l'art, justifié par l'admiration dont ils ont fait l'objet. Canova apparaît à la fois comme l'artiste de renommée universelle et la personnification de l'identité nationale italienne. Thorvaldsen, le Phidias nordique, est la référence pour la renaissance de l'art germanique et nordique en général.
Dans la troisième section, La gloire de Canova, une série d'effigies, des œuvres d'Andrea Appiani, Giuseppe Bossi, Giovanni Ceccarini, Hugh Douglas Hamilton, Angelica Kauffmann, John Jackson, Giovanni Battista Lampi Junior, Thomas Lawrence, Ludovico Lipparini, ont pour sujet Antonio Canova, des images très différentes qu'ils révèlent la grandeur de l'artiste, parfois représenté à côté de ses œuvres, et l'admiration pour lui. Emblématique est la statue monumentale, placée au centre de cette section, dans laquelle Canova n'apparaît pas dans des vêtements modernes comme dans les autres portraits, mais assis et semi-nu avec un corps athlétique, à côté de l'ancienne tête du soi-disant Jupiter d'Otricoli.
Il se poursuit avec Portraits sur scène, qui réunit des portraits à caractère festif dont ceux des deux artistes posant en tenue d'apparat (trois de Rudolph Suhrlandt et un de Jacob Munch), mais aussi les oeuvres de François Xavier Fabre avec Ugo Foscolo, Vittorio Alfieri, Antonio Canova identifié comme les grandes gloires de l'Italie ; là Vénus italienne et le portrait de Maria Luigia de Habsbourg et plâtre pour le Monument à Vittorio Alfieri, toutes de Canova, marquent la dernière grande saison du portrait allégorique comme une apothéose à l'ancienne.
Une attention particulière est portée dans la cinquième section, Icônes populaires. L'image démultipliée des chefs-d'œuvre, à la circulation des reproductions réalisées par d'autres artistes dans tous les matériaux et toutes les techniques, des réductions en bronze aux gravures. Aux côtés des deux reliefs en cire de Canova et du petit portrait en cire de Thorvaldsen de Giovanni Antonio Santarelli, ainsi que de cinq œuvres en cire de Benedetto Pistrucci, reproductions d'œuvres d'Antonio Canova, il y a une médaille d'or de Christen Christensen avec l'image de Thorvaldsen sur le devant et Galatea présente le Danemark à Cupidon avec la lyre de Thorvaldsen au revers, en comparaison avec une médaille de bronze de Giuseppe Girometti avec un sujet de Canova.
Une place prépondérante est accordée aux réductions en bronze doré utilisées comme pièces de mobilier d'exception : tandis que Desiderio Cesari met en scène le maître danois avec cette technique, un des sujets de prédilection de Canova est exposé, unEbe réalisée par la manufacture Strazza et Thomas, en comparaison avec celle réalisée sur le modèle de Pietro Galli, par Thorvaldsen, par Wilhelm Hopfgarten et Benjamin Ludwig Jollage, dont est également exposée Jason avec la toison d'or.
La section se termine par des lithographies à sujets religieux et des portraits de style néoclassique de Michele Fanoli de la Bibliothèque nationale de Braidense, qui ont été publiés et diffusés dans le monde entier, témoignant de l'immensité et de la polyvalence de la production de Canova.
Dans la sixième section La gloire de Thorvaldsen, autour de l'effigie monumentale en pied duAutoportrait avec la statue de l'espoir, où l'artiste a pu faire revivre la beauté mystérieuse de l'art grec de l'âge archaïque, on trouve des effigies qui le représentent ou qui reproduisent ses œuvres de Karl Begas, Ditlev Conrad Blunck, Vincenzo Camuccini, Johan Vilhelm Gertner, Alessandro Puttinati, Carl Adolf Senff, Horace Vernet, Carl Christian Vogel von Vogelstein et Emil Wolff : l'image de Thorvaldsen est devenue extraordinairement populaire, alimentant le mythe du sculpteur qui, venu du Nord, était devenu l'interprète d'un idéal de beauté classique et méditerranéen.
Le primat de la sculpture et la célébration du génie se concentre sur la fortune qu'a assumée le genre sculptural grâce à Canova et Thorvaldsen, témoigné à la fois sur le plan illustratif et allégorique, sur marbre et sur toile, par Giuseppe Borsato, Carl Dahl, Giacomo De Maria, Julius Exner, Constantin Hansen, Leopold Kiesling, Tommaso Minardi, Giuseppe Sabatelli, LA Smith, Fritz Westphal. Des allégories de dérivation classique ont été utilisées pour célébrer le pouvoir des arts et en particulier de la sculpture comme celle qui parvient le plus à imiter et à rivaliser avec la nature, créant des figures tridimensionnelles capables de vivre dans l'espace.
Il y a aussi des portraits de Canova où il est célébré dans les cérémonies solennelles officiées pour sa mort, vécues comme un deuil national, et dans les monuments qui se souviendront de lui comme du génie universel. Thorvaldsen aussi, à son retour à Copenhague, fut fêté comme un dieu et un musée personnel lui fut dédié, un honneur encore jamais accordé à un artiste vivant.
Dans le grand hall central, autour duquel s'articule l'exposition, Les Grâces et la danse, la section consacrée à la comparaison sensationnelle, jamais proposée auparavant, entre les deux chefs-d'œuvre célèbres, les deux groupes de marbre de Grâces où Canova et Thorvaldsen ont le mieux exprimé leur idéal de beauté. Au concept de grâce comme mouvement, variété et sentiment du groupe de Canova de l'Ermitage, Thorvaldsen répond en réaffirmant son idéal austère de chaste simplicité avec Les Grâces avec Cupidon, du Musée Thorvaldsens. Ces deux œuvres sont entourées d'une chorégraphie à quatre figures dans laquelle Canova, Thorvaldsen et l'un de leurs successeurs, Gaetano Matteo Monti, ont représenté le motif de la danse, une grande nouveauté car un thème encore jamais abordé en sculpture.
Des portraits comme miroir d'une époque retrace la vaste production de portraits en marbre de Canova et Thorvaldsen, restituant l'image des personnages les plus en vue de l'époque, souverains, aristocrates, collectionneurs, artistes et hommes de lettres qui voulaient être immortalisés dans des traits idéalisés. Malgré l'idéalisation, ces visages n'apparaissent pas froids, mais animés d'une capacité extraordinaire à transmettre la psychologie des personnages.
Un autre thème cher aux deux sculpteurs est illustré dans la section Vénus et le triomphe de la beauté. Canova, Thorvaldsen et leur successeur Mathieu Kessels sont comparés dans la représentation de Vénus, la déesse de l'amour. Canova a surtout privilégié ce sujet, représentant dans diverses statues, légèrement différentes les unes des autres, le motif de Vénus qui, sortant de la salle de bain, tente de se couvrir des regards indiscrets. Il entendait ainsi transmettre l'émotion que l'on ressent à chaque apparition de la beauté. La déesse de Canova apparaît plus féminine et donc plus sensuelle que celle de Thorvaldsen qui, dans sa nudité absolue, reste une divinité : une Vénus victorieuse qui, parfaitement immobile, arbore triomphalement la pomme de la victoire qui lui a été décernée dans le fameux concours.
La onzième section, Amor vincit omnia. La représentation de l'amour, examine l'un des thèmes les plus aimés de la sculpture et de la peinture entre le néoclassicisme et le romantisme, à savoir celui de l'Amour ou de Cupidon. Symbole de grâce sensuelle, de beauté intacte et innocente, au corps d'adolescent ou d'enfant, la figure de Cupidon offrait l'occasion d'une virtuosité unique dans la représentation des ailes, qui rendent ces images extraordinairement séduisantes. Thorvaldsen et son disciple Wolff dépeignent l'Amour comme une divinité victorieuse fière de son triomphe, rendant ainsi le pouvoir de ce sentiment universel dominant sur la vie et le destin de l'homme. Particulièrement appréciés et demandés étaient les bas-reliefs dans lesquels Thorvaldsen a su restituer l'ancien mythe de Amour d'enfant consolé par Vénus ou comme emblème, avec Bacchus ou Anacréon, des saisons, où la beauté juvénile est explorée avec les ressources allégoriques du mythe, pour symboliser qu'il y a toujours un temps pour aimer. Dans le'Apollon se couronnant, une première expérience de Canova réalisée dans l'atelier de Rome en 1781-82 et conservée aujourd'hui au Getty Museum de Los Angeles, et auApollon récemment redécouvert, l'attention au mouvement est plus accentuée. Sont également exposées des œuvres sur toile de José Álvarez Bouquel, Francesco Hayez, CF Høyer, Mathieu Kessels, Joseph Paelinck, Julien de Parme, Emil Wolff.
Dans le sillage de Cupidon, les deux sections sont entièrement consacrées aux sujets de prédilection des deux sculpteurs : du douzième au Cupidon et Psyché et la treizième annonce Et alors.
En premier, Sous le signe de la grâce. Amour et Psyché, le thème est décliné dans les oeuvres sur toile et en marbre de Giovanni Maria Benzoni, Agostino Comerio, François Pascal Simon Gérard, Felice Giani, Johan Tobias Sergel qui encadrent le célèbre groupe Canova à l'Ermitage Amour et Psyché debout avec Psyché au vase par Thorvaldsen. L'étreinte des deux amants est rendue dans les deux groupes de marbre par Canova et Thorvaldsen d'une manière très différente. Alors que dans le premier leur attention semble se concentrer sur le papillon, identifié comme l'emblème de l'âme, dans le second leur regard est dirigé vers le vase, identifié comme un objet mystérieux et un élément clé du mythe. Comparée à la sensualité engageante de la création de Canova, l'œuvre du sculpteur danois semble se caractériser par une grâce plus détachée.
Dans la seconde, Chiffres volants. Hebe échanson des dieux, les œuvres de Vincenzo Camuccini, Gavin Hamilton, John Gibson, Gaspare Landi, Pietro Tenerani offrent un aperçu de laEbe canoviana de l'Ermitage et des trois œuvres (statues et reliefs) de Thorvaldsen dans lesquelles elles figurent Ebe, Hercule, Nemesis e Giove.
La figure d'Hébé, identifiée comme symbole de l'éternelle jeunesse, n'avait pas, contrairement à Vénus, Cupidon et Psyché, une tradition iconographique remontant à l'Antiquité dont Canova et Thorvaldsen pourraient s'inspirer. À l'époque néoclassique, Ebe connut un succès considérable dans la peinture, en particulier parmi les artistes anglais, comme en témoigne l'exemple de Gavin Hamilton, considéré comme l'un des premiers partisans de Canova. Face à l'extraordinaire force dynamique de la statue de Canova à moitié nue et aux vêtements transparents que le vent fait adhérer au corps, se détache la chasteté immobile de l'Hébé de Thorvaldsen, enfermée dans sa beauté mélancolique et spirituelle.
Un chapitre séparé, Les grands mécènes. Napoléon et Sommariva, se concentre sur la commande des deux maîtres : des mécènes comme Napoléon et sa famille et le grand collectionneur lombard Giambattista Sommariva, qui acquit de nombreuses statues de Canova et reçut son chef-d'œuvre de Thorvaldsen, Le Triomphe d'Alexandre à Babylone commandé par Napoléon pour le Quirinal mais ensuite exécuté pour la villa de Tremezzo sur le lac de Côme. Grâce à Sommariva et à d'autres mécènes, les deux artistes entretiennent une relation privilégiée avec Milan. En représentant Napoléon, Canova tente de transmettre le charme du héros, de l'homme de destin, tandis que Thorvaldsen divinise l'empereur en le représentant en Jupiter avec un aigle. Sommariva est représentée dans le magnifique portrait de Prud'hon inspiré de ceux des grands collectionneurs anglais qui avaient fait peindre leurs portraits par Batoni avec les statues antiques admirées à Rome.
On continue sur les thèmes chers à Thorvaldsen, avec Le charme de l'éternelle jeunesse. Ganymède: le sujet de prédilection du maître, complémentaire de celui de Hebe, n'a jamais été envisagé par Canova. Le Danois en a fait l'image masculine d'une beauté adolescente symbole de l'éternelle jeunesse, expérimentant différentes manières de la représenter, influençant les peintres et sculpteurs contemporains, comme dans le cas des œuvres de Camillo Pacetti, présentées dans l'exposition.
L'héritage romantique. Le berger errant résume, avec des œuvres consacrées à la beauté naturelle et au caractère sentimental des sujets arcadiens et pastoraux d'Hippolyte Flandrin, John Gibson, Aleksandr Andreevic Ivanov et Bertel Thorvaldsen, l'héritage des traits stylistiques et des modèles d'universalité intemporelle de la langue de Canova et Thorvaldsen. Ici, les traits les plus idéalisés de Ganymède sont remplacés par ceux, plus naturels, des Garçon berger qui, dans la version de la Manchester Art Gallery, repose toujours sur son piédestal d'origine conçu par Flaxman. Dans le Faune représenté par le meilleur disciple de Thorvaldsen, Pietro Tenerani, il séduit la vraisemblance en direct tout en jouant une musique qui semble apaiser ses membres. De même, le sommeil confère un sentiment de mélancolie à la figure de berger désespérée et rêveuse de Gibson. On retrouve la même langueur dans Jeune berger peint par Flandrin, nostalgique d'une Arcadie perdue.
Le parcours de l'exposition est clôturé par la splendide série de 13 bas-reliefs en plâtre de Canova exposés en permanence à la Gallerie d'Italia et appartenant à la collection du XIXe siècle de la Fondation Cariplo. Ils immortalisent des scènes mythiques et des représentations de certains préceptes de la philosophie socratique.
