La sculpture a toujours été considérée comme un art difficile à comprendre et donc aussi à collectionner. La préférence va aux œuvres de petite et moyenne taille, donc faciles à placer dans une résidence, alors que, pour d'autres de monumentalité reconnue, elle est toujours entrée dans les œuvres publiques et institutionnelles. Il n'y a pas de place importante qui n'ait pas sa pierre, son marbre, son bronze ou son métal pour commémorer un personnage ou un héros culte. Ici le souvenir d'un événement que l'on ne veut pas oublier, participe immobile tandis que le temps passe lentement. Or la sculpture est aussi design, architecture et forme de contemporanéité. Mais son histoire remonte loin.
Au cours des siècles passés, les sculpteurs n'utilisaient que des matériaux qui se prêtaient au modelage, comme l'argile. Ou un matériau plus dur comme la pierre ou le marbre qui, cependant, sous les mains habiles d'un tailleur de pierre, pourrait être transformé en formes harmonieuses. Alors qu'aujourd'hui, les sculpteurs modernes se sont étendus à d'autres matériaux, tels que l'acier ou les résines jusqu'aux substances biologiques qui périssent avec le temps.
Dans l'Antiquité, le terme "artifex" désignait à la fois l'artiste et le sculpteur, tandis que le terme "operarius" s'adressait à l'ouvrier. Mais souvent, ils ont été inventés en une seule figure capable de modeler et de façonner la matière. Ainsi aussi le tailleur de pierre castillan et les sculpteurs français appartenaient à la même classe, ils étaient également dignes de représentation.
Au milieu de la Renaissance, Donatello était appelé "scarillateur" ou tailleur de pierre, tandis que Léonard, dans son Comparaison entre les arts, place sans hésiter la "peinture au-dessus de la sculpture". Et tandis que Vinci méditait sur les principes qui régissaient l'activité de la sculpture, Michel-Ange, de vingt-trois ans son cadet, créait ses plus belles œuvres sculpturales. Rappelons-nous alors Cellini, Vasari, Pigalle, Bouchardon ou Bernini. Plus tard, Falconet et Canova, pour atteindre le XIXe siècle avec Rodin et Hildebrand. Au siècle suivant, le XXe, les formes sont influencées par la période historique. Les oeuvres doivent s'échelonner dans le temps, l'espace et se débarrasser de toute excroissance jusqu'à devenir conscientes et pures dans une forme complexe tout azimut comme celle de Moore, Harp, Boccioni. L'espace devient ainsi l'un des attributs fondamentaux de la sculpture de ce siècle dernier.
Aujourd'hui, la sculpture projette et dessine dans l'espace à l'aide de nouvelles méthodes, utilisant cet espace et construisant avec lui, comme s'il s'agissait d'un matériau de nouvelle génération. D'où les nouvelles formes parfois performantes comme celles d'Anish Kapoor ou contextualisant la symbologie qui est entrée dans notre nouveau monde, voir Jeff Koons, avec ses grands cœurs en métal soudé et coloré qui apparaissent comme des ballons gonflés et suspendus dans l'air et des œufs cassés. .
Sa plasticité ne reprend plus aucune iconographie mythologique ou religieuse comme aux temps anciens, mais ne s'exprime que dans des formes qui évoquent des objets, nature décomposée, pour aboutir à des objets apparemment destinés à servir, empiétant parfois sur le sens du design. Cependant, il a en lui-même une sévère rigidité de pensée, car il restera toujours respectueux de la forme et des proportions. En elle réside la perfection, qu'elle soit perceptible ou imaginable. Il faut en faire le tour pour comprendre qu'il vit dans l'espace, qu'il parle à qui l'observe, qu'il joue son rôle de grand interprète de scène. Et quand il devient monumental alors il cède la place à l'architecture, quand au contraire c'est une pure création artistique de lignes, d'objectivité et de convivialité alors c'est du design.
Mais la sculpture transforme encore, elle participe à la vie sociale dans des espaces où les gens peuvent aussi s'y refléter, comme dans l'œuvre de l'artiste indien Kapoor « Cloud Gate » de Chicago. Une vraie porte qui existe et n'est pas là, mais qui, en passant dessous ou autour, reflète la vie du visiteur, à laquelle il ne peut plus s'échapper. Tandis que les lumières du jour fixent les bâtiments et les lumières de la nuit les ciels, une œuvre qui change chaque jour, qui immortalise la vie mais ne la fixe jamais. Un long court métrage sans film.
C'est pourquoi il trouve de moins en moins de place dans les espaces privés, comme les oeuvres insérées dans le coin de la maison ou sur la table, car depuis des années elles sont remplacées par des objets design, de plus en plus colorés et qui ont aussi une utilité, elles donnent lumière ou nous donner nous permettre de nous asseoir.
En réalité, je crois qu'il y a eu un véritable abus du terme "design" qui, selon un lexique à la mode, désigne tout ce qui a une ligne stylistique, ronde ou carrée, Made in Italy ou China, peu importe. Alors que le vrai Design est autre chose, c'est de l'art où son inspirateur, le designer, a su saisir l'essentiel et a produit une extrême propreté de l'objet créé.
Même dans la mode on parle de plus en plus de « vêtements de sculpture » et de « stylisme », mais quelle en sera la véritable signification ?
Les robes sculptures partent de concepts très anciens, une refonte de costumes anciens, dans les formes et les lignes, il suffit de penser à des stylistes japonais comme Issey Miyake qui croise les espaces des matériaux utilisés avec les vides créés comme de véritables architectures. Il en va de même pour le design appliqué à la conception de n'importe quel accessoire, et si les règles sont strictes le produit sera non seulement réussi mais aussi durable, un exemple est la Maison Hermès, des lignes sans arrière-pensées.
Dans tout cela, les règles sont dictées par les principes de la pensée créatrice inspirée par la nature et par la pensée humaine qui tente de l'interpréter avec n'importe quelle discipline.
En attendant il y a Oeufs de pâques - meilleurs si cassés - qui sont vendus aux enchères à des prix élevés.
