Une œuvre relativement méconnue d'Helmut Newton est la série d'images qu'il a réalisées des danseurs du Ballet de Monte-Carlo. Prises pendant de nombreuses années, les photos étaient destinées à être imprimées dans les brochures du programme du théâtre et dans des publications spéciales, et Newton a magnifié quelques-unes des raisons de les inclure dans ses expositions. Sa série est le point de départ et le pivot de cette exposition collective ouverte jusqu'au 20 septembre à la Fondation. Se glissant dans la peau d'un metteur en scène de théâtre, il accompagne les danseurs dans les rues de Monaco, sur les marches derrière le célèbre casino, près d'une sortie de secours d'un théâtre, ou nu chez lui. Avec Les Ballets de Monte-Carlo, il réinterprète donc une idée compositionnelle qui a défini son travail.
On retrouve également ce lien dans le travail de Bernd Uhlig, qui accompagne photographiquement les chorégraphies de Sasha Waltz depuis de nombreuses années. Celles-ci ont non seulement été jouées dans des théâtres classiques, mais aussi dans des musées renommés de Berlin et de Rome, entre autres, se déroulent parfois dans leurs escaliers. Dans la collaboration de Bernd Uhlig et Sasha Waltz, une forme d'art vraiment éphémère et sa matérialisation visuelle trouvent une connexion sympathique, dans laquelle l'accent est mis sur la concentration des acteurs et les états de rêve ou de transe. Alors que les travaux antérieurs (analogiques) d'Uhlig utilisaient des expositions plus longues pour capturer le mouvement résultant en des traînées de mouvement, il nous montre ici des gros plans de gestes figés d'un côté et toute la chorégraphie de la scène capturée en une fraction de seconde de l'autre.
Vanessa Beecroft présente des femmes nues ou vêtues dans des tableaux vivants élaborés, souvent présentés dans des galeries ou des musées, généralement lors d'événements publics. Les femmes, souvent quelques dizaines, sont disposées en une sorte de formation et pendant les actions qui durent des heures leurs mouvements se font au ralenti. En réalité, il ne se passe presque rien pendant la chorégraphie minimaliste. Beecroft documente photographiquement cet état d'immobilité en mouvement, et les nombreuses images de la performance transportent le processus dans l'image statique. On voit ici sa performance VB55, présentée à la Neue Nationalgalerie de Berlin en 2005, sous forme de photographies grandeur nature. Beecroft s'identifie à ses protagonistes : ils deviennent un alter ego multiple, dont il ne revendique qu'une expression faciale naturelle et une posture tout aussi naturelle.
Dans sa série en plusieurs parties Viva España de 1976, Jürgen Klauke n'autorisait que deux personnes à interagir : un homme et une femme engagés dans une danse mystérieuse sur une scène sombre. Typique de certaines danses espagnoles et sud-américaines, cette danse est également empreinte d'une touche de séduction ou d'érotisme. Des deux protagonistes, on ne voit que leurs corps anonymes : tandis que l'homme reste debout, la femme tourne ou se laisse tourner autour de lui, la tête en bas. Regarder la séquence successivement donne cependant l'illusion d'un mouvement. Klauke permet aux corps habillés et semi-habillés de l'homme et de la femme de se fondre apparemment l'un dans l'autre. Ce faisant, il brouille la frontière entre le féminin et le masculin, ce qu'il a également fait de manière similaire dans de nombreux autoportraits qu'il a pris de lui-même à la même époque.
Erwin Wurm emmène Klauke un peu plus loin en termes d'humour absurde, lorsqu'il demande aux gens une mini-performance devant la caméra. Pour ses One Minute Sculptures, les gens interagissent avec des objets pour transformer la rue et divers intérieurs en scène. Wurm conçoit des poses curieuses ou des contorsions absurdes pour les collaborateurs, donne des indications claires et simples, donnant ainsi le signal pour retranscrire l'action performative en photographies statiques. Les tentatives de s'allonger sur des surfaces étroites, de coller sa tête contre un mur ou de tenir en équilibre deux tasses sur ses pieds en l'air en étant allongé sur le dos ne réussissent pas toujours. Évidemment, quiconque se laisse entraîner dans cette expérience artistique insolite doit se confronter à ses limites physiques et à ses limites de pudeur.
Pendant des années, Barbara Probst a surpris les téléspectateurs avec son mélange ludique et expérimental de photographie de rue classique, de portrait, de nature morte et, plus récemment, de mode. Il organise ses photographies en diptyques, triptyques et parfois en tableaux muraux composés d'une douzaine d'images individuelles. Elles portent toujours le même titre – Expositions – et se distinguent par un numéro d'image ainsi que le lieu et la date de tournage. La date est indiquée au jour et à la minute près. Photographiez la même situation avec plusieurs caméras sous différents angles simultanément, déclenchées exactement au même moment par des ondes radio. Les multiples perspectives simultanées captées par les caméras sont ensuite aplaties, pour ainsi dire, une fois accrochées aux murs de l'espace d'exposition.
Viviane Sassen travaille également principalement avec le corps humain. Parfois, elle le surprend dans des contorsions extrêmes pour ses images de mode expérimentales. Il chorégraphie et met en scène les corps de ses modèles de manière inattendue, par exemple en colorant leur peau ou en les représentant obscurcis par l'ombre, en miroir, superposés par des objets et souvent abstraits en recadrant ou en encadrant les images. Il inverse parfois l'ordre généralement valable du haut et du bas, ce qui entraîne un sentiment de désorientation pour le spectateur. Sassen nous défie en tant que spectateurs et soulève des questions sur des platitudes banales. En tant qu'ancienne mannequin, elle connaît les deux côtés, devant et derrière la caméra. Comme elle l'a dit un jour dans une interview, c'est à travers ses travaux photographiques qu'elle a pu revendiquer le pouvoir sur son propre corps.
Depuis les années 90, Inez et Vinoodh irritent le monde de la mode depuis les années 90 avec des images surréalistes. Leurs techniques incluent la manipulation d'images numériques, qu'ils utilisent pour mélanger les corps des hommes et des femmes. Inez et Vinoodh repoussent non seulement les limites des modes de représentation communs mais aussi les limites de la réalité. À d'autres moments, ils ont radicalement modifié ou combiné les sexes et les couleurs de peau de leurs protagonistes. En tant que telles, leurs images incarnent la transgression des frontières, ce qui les relie à la stratégie antérieure de Newton consistant à remettre en question le «bon goût» et à le défier subtilement mais intentionnellement visuellement «de l'intérieur du système». De même, ils réalisent des éditoriaux de magazines et travaillent directement avec un certain nombre de designers de renom et comptent parmi les photographes contemporains les plus influents avec leurs images emblématiques.
Nous rencontrons également un sentiment d'ambiguïté dans le travail de Cindy Sherman. Dans sa première série petit format en noir et blanc Untitled Film Stills de la fin des années 70, elle interprète des rôles toujours nouveaux en tant qu'actrice. Bien qu'ils semblent être des observations peu spectaculaires de la vie quotidienne, ils sont en fait délibérément mis en scène, avec l'artiste comme personnage principal. Sherman a poursuivi l'idée du jeu de rôle dans son travail, se masquant plus tard derrière d'épaisses couches de maquillage et de perruques, de masques ou d'implants mammaires dans ses autoportraits colorés et sans titre de l'année 2000. Ses jeux de transformation, de camouflage et de représentation incluent naturellement de nombreuses références cinématographiques : certains portraits ont l'allure explicite d'une image fixe de film, avec une actrice vieillissante jouant dans un film qui n'a pas encore été réalisé.
La photographie en noir et blanc de Yang Fudong s'inspire également du médium cinématographique, en particulier du film noir des années 60 et même des films de Shanghai antérieurs. Fudong semble rappeler un passé intemporel avec ses photographies de nus teintées de mélancolie ; même dans ses films, nous rencontrons des récits qui sont également imprégnés d'un sentiment de mystère. Un tel étalage ouvert de nudité est toujours considéré comme une provocation dans une grande partie de la société chinoise d'aujourd'hui. Dans la série New Women de Fudong, une ou plusieurs femmes nues sont assises ou debout dans un studio clairsemé mais luxueux. Les modèles féminins - à la fois dans les images fixes et dans le film - rappellent les portraits de prostituées de Brassaï dans le Paris des années 30, qui ont été une source d'inspiration importante pour la photographie de mode ambivalente ultérieure de Newton. L'exposition Body Performance boucle ainsi la boucle à travers une myriade d'approches à travers différentes cultures et époques.
C'est dans les années 70 que Robert Longo tourne sa séquence photographique Men in the Cities sur le toit d'un gratte-ciel de New York, qu'il réinterprète plus tard sous forme de dessins au fusain grand format. Dans ces images, nous voyons des personnes capturées par la caméra dans des poses non naturelles. Ils semblent danser sauvagement ou reproduire des scènes de westerns américains, de guerre ou de films de gangsters, comme lorsque quelqu'un semble tomber sous une pluie de balles imaginaires. En effet, c'est un tel film de The American Soldier de Fassbinder en 1970 qui a inspiré Longo pour créer cette série d'images performatives. Sur le toit de son loft, ses modèles esquivent les objets qu'ils balancent ou leur lancent, tandis que Longo les photographie en train de tomber au sol ou allongés tordus.
Robert Mapplethorpe, quant à lui, n'a chorégraphié qu'une seule personne dans l'image présentée ici : l'ancienne culturiste championne du monde, Lisa Lyon, qui se qualifiait de sculptrice de son propre corps. Nous la voyons allongée nue sur un rocher dans le parc national de Joshua Tree en Californie en 1980. La surface dure du rocher contraste avec sa peau douce, tandis que sa force massive correspond aux jambes musclées de Lyon. Dans ce cadre extérieur non conventionnel, Mapplethorpe nous présente une chorégraphie aux allures de ballet. Tout peut devenir une scène : une interaction entre voir et être vu. À peu près à la même époque, Newton a travaillé avec Lyons en Californie et à Paris. Avec cette « femme forte » au sens propre du terme, un autre cercle se referme dans l'exposition Body Performance en cours.
Dans cette exposition, nous rencontrons le jeu de rôle et la transformation physique comme des perspectives photographiques contemporaines sur les aspects visuels les plus divers du corps et du mouvement. En regardant ces images, des questions émergent sur la façon dont nous sommes perçus par les autres et par nous-mêmes, par l'identité et par le collectif.
Source : FONDATION Helmut Newton
