Emilio Vedova (né à Venise, 1919-2006) est considéré comme l'un des artistes italiens les plus influents de la seconde moitié du XXe siècle. C'était un artiste politiquement engagé qui croyait que l'art révolutionnaire devait être abstrait. Il a poussé la peinture dans un nouveau territoire avec ses œuvres viscérales et gestuelles qui engagent le spectateur et redéfinissent l'espace qu'il habite. Ses traits expressifs et ses éclaboussures de peinture traduisent une réaction violente et violente à la réalité politique d'après-guerre.
"Mes œuvres ne sont pas des créations mais des tremblements de terre" dit Vedova "pas des peintures, mais des souffles d'air..."
Autodidacte, il est difficile de le situer dans le cadre d'un mouvement artistique spécifique. En 1942, il rejoint le groupe antifasciste milanais Corrente, qui comprend également ses collègues artistes Lucio Fontana et Renato Guttuso, entre autres. En 1946, il est l'un des cosignataires du manifeste Beyond Guernica, qui exhorte les artistes à affronter la réalité sans être naturalistes. Il retourne ensuite à Venise, où son travail devient progressivement plus abstrait. À la fin des années 50, il est associé à l'informel français puis à l'action painting et au renouveau de l'expressionnisme, mais a toujours défié toute catégorisation. De 1963 à 1965, Vedova travaille à Berlin où elle croise la route d'éminents artistes contemporains tels que Georg Baselitz. De 1965 à 1969 (et plus tard en 1988), il succède à Oskar Kokoschka à la direction de l'Internationale Sommerakademie de Salzbourg. Il a exposé aux légendaires expositions documenta I, II et III (1955, 59 et 64) à Kassel. Vedova a également été l'un des exposants les plus fréquents de la Biennale de Venise, en 1952, il avait une salle dédiée à son travail, en 1960, il a remporté le premier prix de la peinture italienne et, en 1997, le Lion d'Or pour sa carrière.
L'œuvre de Vedova est ancrée dans la ville de Venise, où il est né et a passé la majeure partie de sa vie. Dans ses notes d'étude de 1980, il écrivait : « Maintenant le brouillard tombe, une atmosphère que l'on croyait propice / J'ai toujours trouvé la Venise des brumes – Savez-vous ce que signifie naître à Venise ? ». Les compositions abstraites de Vedova sont enracinées dans la tradition de la peinture vénitienne. Le maître du XVIe siècle Tintoret en particulier a eu une grande influence sur son travail. L'historien de l'art Carlo Bertelli a écrit : « [La veuve] a attaqué le Tintoret avec la fureur d'une Kokoschka ». Vedova était fasciné par les coups de pinceau audacieux, les gestes accentués et l'utilisation dramatique de la lumière du peintre maniériste, mais aussi par son caractère.
Veuve passe l'hiver 1951-52 à Paris et visite Chartres. L'exposition comprend deux tableaux inspirés des vitraux de la cathédrale de Chartres. L'expérience immersive de la lumière et de la couleur diffuses a déclenché une exploration à long terme de ce que Vedova a défini : "temps / lumière / espace / signe". Une décennie plus tard, le verre véritable est devenu une composante de ce travail. En 1984, le philosophe Massimo Caccari déclarait : « aucune reproduction photographique ne pourra jamais donner une vague idée d'une telle qualité physique et d'une telle cohérence des détails dans les œuvres de Vedova. Pour comprendre sa production ces dernières années, il fallait considérer, en même temps que l'architecture des églises et les figures baroques ; son expérience du verre à la fin des années 60 : la lumière qui transforme la matière ; substance pure se déversant dans des transparences toujours changeantes.
À la fin des années 50, Vedova se rend en Espagne, où il est frappé par les peintures de Goya, notamment par leur engagement politique. La misère du pays dirigé par Franco l'affecte fortement, il réalise ensuite en 1961-62 un cycle d'œuvres consacré à l'Espagne pour une exposition à la Ca' Giuistinian lors de la Biennale de Venise de 1962. L'exposition comprend deux œuvres phares de cette série, notamment For Spain '61 / '62 – 1/6, 1961-1962, une œuvre de techniques mixtes à l'influence particulièrement dadaïste.
En 1960, Vedova crée des décors et des costumes émouvants pour l'opéra Intolleranza '60 de Luigi Nono. D'où le premier Plurimi en 1961-63 : panneaux pliants en bois et métal, peints sur toutes leurs faces. Il a depuis expérimenté des supports plus différents et à plus grande échelle, incorporant la lumière, le métal et le verre. À propos de l'historien de l'art de Plurimi, Celant écrit : "Avec les perceptions de Plurimi [...] elles s'enrichissent dans la multiplication des perspectives visuelles et physiques et, après avoir mis la représentation en crise avec des signes fallacieux et intenses, il en vient à démolir l'unité de le périmètre peint, désorganisant son existence pour propager en tous lieux la violence de la désunion créatrice ».
Entre 1977 et 1983, Vedova réalise un cycle de peintures intitulé Cosiddetti Carnevali. Ce groupe d'œuvres n'a été présenté en tant que groupe qu'une décennie plus tard lors de l'exposition monographique du Castello di Rivoli. Dans son journal, Vedova écrit : « Je suis fasciné par le carnaval […] pour son expressivité gestuelle, pour son élément fantastique, « l'imcomposé » (ce qui est irrégulier), pour sa dynamique, son irrationalité et sa passion. J'aime sa qualité "organique" et émotionnelle, son absence de retenue et de drame, son ambiguïté, son "pouvoir libérateur", quand tout est permis et possible, en quelques heures. « Pour Vedova, le carnaval nous permet d'expérimenter la liberté, l'exaltation et le tourment dans une confrontation sans fin avec le monde et avec nous-mêmes. Dans … Soi-disant Carnavals … '77 / '83 – n. 7 (1977-1983), le jeu entre le noir et blanc et les deux masques en plâtre semblent exprimer une dualité présente tout au long de son œuvre – symbolisant un moi déchiré dans un monde divisé.
Un étage entier de la galerie est consacré aux années 80, une décennie largement reconnue comme le point culminant de la carrière de l'artiste. Dans les années 80, Vedova élargit sa palette, incorporant des couleurs plus vives, s'éloignant des tons plus sobres de la décennie précédente. En 1980, Vedova se rend au Mexique, où les couleurs et les vastes paysages le marquent durablement.
L'année suivante, Vedova entame un cycle de peintures intitulé Teleri, terme emprunté à Teler, typique de l'art vénitien des XVIe et XVIIe siècles. L'exposition présente des œuvres de deux séries particulièrement significatives de Teleri : Da Dove (1984) et Di Umano (1985). Dans ces œuvres, les éclaboussures de jaune, de vert et de rouge donnent de l'énergie au plan pictural et augmentent sa force émotionnelle.
Emilio Vedova est représenté dans des collections du monde entier, notamment à l'Albertina, Vienne, Autriche ; Les Abattoirs Musée d'Art Moderne et Contemporain, Toulouse, France; Berlinische Galerie et Nationalgalerie, Berlin, Allemagne ; Museo Nacional De Bellas Artes, Buenos Aires, Argentine; Musée d'art contemporain de l'Université de São Paulo, Brésil ; Le Museum of Modern Art, New York, États-Unis ; Philadelphia Museum of Art, États-Unis et Peggy Guggenheim Collection, Venise, Italie.
Vedova a participé aux expositions documenta de 1955, 1959 et 1982. En 1951, il a été récompensé pour les jeunes peintres à la première Biennale de São Paulo. En 1959, il revient à la Biennale de São Paulo, peu de temps avant une grande exposition au Palazzo Grazzi de Venise, qui se rend ensuite au Stedelijk Museum d'Amsterdam. Après avoir participé à la Biennale de Venise en 1950, 1952 et 1954, il remporte le premier prix de la peinture italienne à la Biennale de 1960 et en 1997 le Lion d'Or pour sa carrière.
La grande exposition personnelle de son travail a eu lieu à l'Institute of Contemporary Arts de Washington (1965); Musée Carrillo Gil, Mexico (1980); Musée Correr, Venise (1984); Bayrische Staatsgemäldesammlungen, Munich (1986); Château de Rivoli, Turin (1998) ; Collection Peggy Guggenheim, Venise (2007) ; Galerie nationale d'art moderne, Rome (2007); Berlinische Galerie, Berlin (2008), Museo Novecento, Florence (2018).
Les expositions de groupe notables incluent Peintures, Sculptures, Environnements de l'expressionnisme à nos jours, Ludwig Museum Cologne (1986); Berlinart 1961-1987, Musée d'art moderne, New York (1987); La métamorphose italienne (1943-1968), Guggenheim Museum, New York (1994) ; Une histoire de l'art italien au XXe siècle, Musée d'art contemporain, Tokyo (2001) ; Figure et images du XXe siècle italien, National Museum of Art, Pékin (2006), Italique : l'art italien entre tradition et révolution 1969-2008, Fondation François Pinault – Palazzo Grassi (2008), In-finitum, Palazzo Fortuny, Venise ( 2009)); Georg Baselitz – Emilio Vedova, Art d'un autre genre, Salomon Guggenheim Museum, New York (2012) ; Georg Baselitz – Emilio Vedova, Küppersmühle, Duisburg, Allemagne (2016), après-guerre, Museum der Kunst, Munich (2016/17).
