Portfolio d'artistes : Gianni Piacentino, l'esthétique visionnaire de la technique

Dans le panorama artistique de la seconde moitié du XXe siècle, rares sont les auteurs qui ont intentionnellement et consciemment renoncé à tout alignement sur les écoles et les courants, pour faire de la cohérence distinctive la raison de leur parcours. Étranger à toute classification définitive et sans ambiguïté, mais pas à partir d'aujourd'hui de plus en plus internationalement connu et populaire, l'art de Gianni Piacentino (Coazze - Jusqu'en 1945) - écrit Francesca Pola dans le catalogue d'une récente exposition personnelle de l'artiste qu'elle a organisée - appartient à cette zone restreinte, avec la qualité la plus élevée et sans compromis d'un chemin créatif qui n'a pas connu de déclins et de doutes, mais avec continuité et ténacité a poursuivi sa vision de base au fil des décennies, quelles que soient les modes de son temps, anticipant souvent ses attitudes et aspirations. Piacentino, reconnu comme l'une des figures les plus intéressantes et uniques de la scène artistique internationale, est une vision artistique inimitable car très personnelle, caractérisée par un très haut degré d'expertise technique et exécutive et par une méthode inventive particulière, basée sur la contrôle méticuleux de chaque phase de conception et de réalisation. En elle, c'est la prise de conscience de chaque instant créatif qui modifie et génère des solutions d'image toujours nouvelles.

Initialement associé au mouvement Arte Povera, il participe aux premières expositions du groupe à la galerie Gian Enzo Sperone à Turin en 1966 et, notamment dans "Arte Povera Plus Pauvres Actions” à l'ancien arsenal d'Amalfi en 1968 et à l'exposition "Prospect '68" à la Kunsthalle de Düsseldorf. Mais sa saison de "pauvreté" n'a pas duré longtemps. Bientôt, Piacentino développe son propre langage, "indépendant et reconnaissable" où les symboles et les formes géométriques de ses premières œuvres cèdent d'abord la place aux objets du quotidien puis, vers la fin des années 60, ses sculptures minimalistes adoptent une aérodynamique qui explore, ou plutôt célèbre, le mythe de la vitesse et des moteurs, le mouvement et le dynamisme de la voiture. « J'étais un tatillon incroyable et courageux à la limite de l'agressivité, culturellement très préparé et je me suis rendu compte que les artistes de l'Arte Povera faisaient tous le même métier, on ne pouvait plus les distinguer. C'est peut-être typique des grandes innovations, mais je n'aime pas ça », déclare l'artiste dans un entretien avec le critique Giacinto Dipietrantonio. "Ensuite, il y a toujours eu des problèmes de comportement, car quand la possibilité de pouvoir gagner de l'argent et de construire un petit pouvoir commence à émerger, les vrais caractères des gens émergent, alors que j'aime la vraie compétition, celle dans laquelle celui qui arrive en premier gagne et ensuite je a commencé à courir des motos, participant aux championnats italiens et européens de side-car pendant dix ans, terminant toujours dans les trois premiers en Italie. Cependant, la véritable rupture est venue avec l'exposition d'Amalfi, Arte Povera Azioni Povere en 1968. Il y a eu un débat dans lequel Dorfles a déclaré : "Messieurs, voici trois artistes qui n'ont rien à voir avec cela, Paolini, Fabro et Piacentino". En fait, c'était un discours sans faille. Mais je commençais à être agacé par tout ce discours qui me paraissait déjà académique. Ensuite, je me suis également disputé avec Sperone à propos de l'exposition au Deposito dell'Arte Presente dans laquelle une de mes tables était placée dans un coin pour mettre davantage en valeur des œuvres d'Arte Povera. Alors je me suis mis à restaurer une vieille moto et j'ai commencé à fabriquer des modèles réduits de véhicules. Il y avait une personne d'une grande culture, Marcello Levi, qui aimait tellement mon travail qu'il me l'a financé, et évidemment avec le premier argent j'ai acheté une moto. Puis Toselli est venu me demander de faire une exposition, celle de 69. Mais tôt ou tard j'ai fini par me disputer, pour des raisons d'équité, avec tout le monde, même si à la longue cela n'a pas affecté mes relations humaines avec qui que ce soit". 

En quittant le groupe, Piacentino - écrit le critique Andrea Bellini à l'occasion de l'exposition au Centre d'art contemporain de Genève, la première rétrospective à l'étranger de l'artiste italien mise en scène en 2013 - décide d'orienter son travail d'artiste sur ses véritables passions : compétition, vitesse, modelage et collection. Il commence à construire un monde, une cosmogonie mécanique et héroïque, au sein de laquelle il trouve le sens même de son travail et de sa vie. Le travail est un prolongement de sa personnalité et de ses obsessions. Ses sculptures deviennent des objets d'affection, des projections concrètes d'un comportement à la limite du maniaque. "Après tout, l'art m'a appris à devenir artisan", expliquait l'artiste, dans une interview, soulignant combien il était "très fasciné" par l'esthétique de la technique et par "tout ce qui marche". 

Dès 1969, il se consacre donc à la création de dizaines de prototypes de scooters et de toute une vaste gamme de curieux véhicules à deux et trois roues. Ce sont des moyens de transport idéaux, sans aucune fonction, caractérisés par des formes aérodynamiques et des couleurs et décorations raffinées. Les mêmes métaux utilisés ont une valeur picturale et décorative : il suffit de regarder la manière dont l'or, l'argent, le cuivre, le chrome et le nickel sont associés dans de petits détails. Les véhicules, dans leurs variations formelles, renvoient à une esthétique qui va des premières voitures de course du siècle dernier aux plus modernes, des fuselages des premiers avions aux scooters, des réservoirs de motos des années XNUMX et XNUMX jusqu'aux les plus récents. 

L'œuvre de Piacentino se déploie au cours des décennies suivantes sous le signe de la variation constante autour d'un même thème, dans une dimension presque intemporelle et circulaire. Comme d'autres artistes – je pense encore à John McCracken – qui ont littéralement « construit » leur travail dans une « logique du faire » précise, Piacentino est resté fondamentalement fidèle à lui-même au fil du temps. C'est une œuvre qui reste fièrement en dehors du débat de l'avant-garde, c'est-à-dire qu'elle reste concrètement liée à un artisanat, dont le processus inventif semble finalement lié à la mise à jour des techniques et des matériaux utilisés.

En fait, il ne comprend pas le problème du désir de rompre avec le passé et d'abandonner l'esthétique des avant-gardes des années 70 : selon lui, l'art doit être beau, peut-être précieux, il doit être le fruit de la « l'esprit et en même temps de la main ». En ce sens, l'œuvre de Piacentino révèle un caractère littéralement schismatique par rapport aux différents courants artistiques au tournant des années XNUMX. La récupération du design proto-industriel, l'approche froide de l'œuvre, l'exaltation des valeurs esthétiques impersonnelles et rationnelles , font de l'artiste un anticipateur de la tendance néo-objet des années XNUMX. 

Intense, surtout ces dernières années, son activité d'exposition en Italie et à l'étranger. En 2013, une grande rétrospective de l'artiste a été organisée au Centre d'art contemporain de Genève. Du 5 novembre au 10 janvier 2016, la Fondation Prada a accueilli une importante anthologie de l'œuvre de Piacentino organisée par Germano Celant. Le travail de Piacentino a également été exposé à la Fondation Giuliani de Rome, à la Metropolitan Art Society de Beyrouth, au Museum of Contemporary Art de Chicago (2009), au MoMA PS1 de New York (1997), au Centro de Arte Reina Sofía de Madrid ( 1990), la Gesellschaft für Aktuelle Kunst de Brême (1981), la Nationalgalerie de Berlin (1978), le Palais des Beaux Arts de Bruxelles (1972), le University Museum de Sydney (1971), le Museum am Ostwall de Dortmund (1971). Il a participé à la Documenta 6 de Kassel (1977) et à la XLV Biennale de Venise (1993). Ses œuvres sont entrées dans de prestigieuses collections publiques et privées, en Italie et à l'étranger. Il est universitaire de San Luca depuis 2009.

Marché et prix

Trop longtemps délaissé par le marché, malgré l'attention constante des critiques qui ont suivi son œuvre avec intérêt depuis sa création dans les années soixante. En termes d'enchères, on dénombre à ce jour plus de 150 passages (Source Artprice) dans les différents types (environ 40% à l'étranger, principalement aux USA et au Royaume-Uni) avec un pourcentage d'invendus qui a dépassé 2018% en 50 (hors tirages ) et avec un chiffre d'affaires avoisinant les 85 2014 euros. En XNUMX, grâce aussi à la grande rétrospective al Centre d'art contemporain de Genève (2013), le produit des enchères avait dépassé 180 mille euros. Les prix en galerie sont décidément plus élevés, surtout après la récente exposition personnelle à la Fondation Prada qui a ravivé les projecteurs de la collection internationale sur l'œuvre de l'artiste turinois. Dans une anthologie exhaustive, mise en scène à la galerie Mucciaccia à Rome jusqu'en janvier 2019, une trentaine d'œuvres ont été proposées, réalisées de 1966 à nos jours, représentatives de l'ensemble des recherches de Piacentino, à des prix allant de 50 350 à plus de XNUMX XNUMX euros, selon la période , le type, la technique utilisée et les dimensions. Des chiffres respectables, même s'ils sont encore loin de ceux payés pour acheter une œuvre de certains grands interprètes du minimalisme international.

Galeries : Les œuvres de Gianni Piacentino sont traitées par la galerie Mucciaccia avec des bureaux à Rome, Londres, Singapour et Cortina (06.69923801) ; De Foscherari de Bologne ( 051-221308) et Michael Werner avec des bureaux à Londres et à New York. Cependant, ses œuvres peuvent également être trouvées dans les principales galeries italiennes et étrangères.

Meilleur prix aux enchères : « Bivest + 1″, 1965 – Acrylique/3 toiles, 110,5 x 216,3 cm.- change de main chez Christie's Milano pour 86 2013 euros (droits inclus) en avril XNUMX. "Bar décoré signé", 1970 – Sculpture (bois enduit de polyester et peint) 18 x 251,3 x 6 cm. – a été adjugé 57.166 2014 euros chez Christie's à Londres en février XNUMX. "Bleu AMaranth Iridescent Frame Vehicl”, 1971 – Sculpture technique mixte (tube en fer peint, acier, caoutchouc, acajou) 68 x 316 x 35 cm. il a été adjugé 57.900 2014 € chez Christie's à Milan en avril XNUMX.