La répétitivité du geste, jusqu'à l'ennui, est une valeur pour de nombreux artistes. Pas pour Gianfranco Pardi, un artiste hors des sentiers battus par excellence, un éternel migrant mais profondément cohérent avec un style personnel, clair et sans équivoque qui a caractérisé toute son œuvre, des "Giardini Pensili" de la fin des années XNUMX à ses œuvres plus récentes . Cultivé, agité, curieux, jamais banal. Toujours à la recherche de nouvelles techniques et de nouveaux langages pour représenter sa passion visionnaire. Les œuvres qui retiennent d'abord l'attention des critiques et des collectionneurs sont ses Architectures, où c'est la peinture qui trace la surface à travers des modes de construction que la matérialité rapproche de la sculpture.
La recherche de Pardi, depuis le début, est proposée comme une enquête continue sur l'espace et sa représentation. Par une planification rigoureuse, l'artiste intègre les techniques de la peinture, du dessin et de la sculpture pour révéler la dynamique et les relations entre la forme et la matière. Ce processus est l'un des fondements de son travail, ainsi que les études architecturales qui le conduisent à une relecture des avant-gardes historiques telles que l'abstractionnisme, le suprématisme, le constructivisme.
En 1967, Pardi a commencé sa collaboration avec le Studio Marconi à Milan, et pendant les dix années suivantes, ses réflexions sur l'architecture ont été prédominantes. Jardin sur le toit de 1968 est une œuvre emblématique en ce sens : "l'artiste - écrit le critique Bruno Cora présentant une grande anthologie mise en scène simultanément début 2018 par les galeries Cortesi et Marconi - qui a parcouru de manière exhaustive toutes les phases de la recherche de Pardi - nous offre la vision d'un lieu qui peut être réel mais en même temps imaginaire, dans lequel les structures architecturales et les repères naturalistes, les détails réels et picturaux se confondent ».
Au début des années XNUMX, il se concentre sur la série architecture. En plus de la couleur, des câbles et des surfaces métalliques font leur apparition sur la toile : l'artiste marque et dépasse les frontières entre peinture et sculpture. Système de 1976, avec sa structure complexe d'un pentagone inscrit dans un cercle et divisé en trois parties - un relief en bois, une toile qui laisse apparaître les traces de la construction géométrique et une sculpture qui épouse la forme du pentagone - se configure, dans le intentions de l'artiste, comme l'analyse d'un système qui relie la peinture, le dessin et la sculpture.
La série des Diagonales appartient au début des années quatre-vingt, lignes droites, dont le rythme rapide oscille entre le noir et le blanc, à la recherche de nouveaux montages et mouvements. Suivent les Plantes et les Absides et les cycles Cinéma et Body Building. Dans les années 2011 apparaît la série des Masques et la Montagne Sainte Victoire, référence claire à Cézanne et réflexion totale sur la peinture. Il y a ensuite la série des Nagjma, qui en arabe signifie « étoile », née des longs séjours de l'artiste à Tanger, en une sorte de reconstitution du voyage vers le sud vécu par Paul Klee ou Henri Matisse ; et les Boîtes faites avec des boîtes en carton, dans lesquelles l'intérêt de Pardi pour la peinture grandit, mais toujours avec des éléments géométriques et des références architecturales. Le dernier Sans titre de XNUMX conclut le parcours, une série d'acryliques sur toile dont la gamme chromatique réduite à quelques tons, blancs, noirs et gris, semble vouloir rappeler la peinture à fresque. "Pardi a introduit une série de formes, de méthodes, de tracés et de matériaux qui n'avaient jamais eu de citoyenneté sur la toile", souligne Bruno Corà.
Gianfranco Pardi (Milan 1933-2012)
Sorti indemne de toute homologation dans une période (les années XNUMX) où l'appartenance à un "groupe" - théorisée et longuement prêchée par un dominus comme Giulio Carlo Argan et par le grand groupe de ses disciples - semblait être une contrainte indispensable pour entrer d’appartenir pleinement à l’Art System, Pardi – rappelle le critique Massimo Mattioli – est resté fidèle (jusqu’au bout) à son credo en refusant de faire partie du «chœur”. Comme d'autres artistes, peu nombreux en vérité, il a toujours préféré la rigueur et la liberté de la recherche à la projection sociale de son travail, qu'il n'a pas sous-traitée à des messages partagés à offrir au marché ou à des critiques ambitieux.
Dès le départ, ses recherches portent sur l'espace et l'aménagement constructif qui donnent vie à des œuvres d'une grande rigueur formelle, caractérisées par l'intégration du dessin, de la peinture et de la sculpture dans une dimension spatiale d'ampleur architecturale. En 1959, sa première exposition personnelle a lieu à Brescia, à la Galleria Alberti, tandis que l'année suivante, elle est accueillie par la Galleria Colonna de Milan. Au cours des années 1965, il développe un style qui intègre le dessin, la peinture, la sculpture et l'architecture. Sa participation à l'exposition collective remonte à XNUMX La figuration narrative dans l'art contemporain à Paris. En 1967, il commence sa collaboration avec le Studio Marconi à Milan et se consacre à la création d'œuvres qui sont une réinterprétation des avant-gardes historiques telles que l'abstractionnisme, le suprématisme, le constructivisme et le néoplasticisme. Dans les années XNUMX, il développe sa propre Architectures la volonté de construire et de fonder un espace par la peinture, car il croit que ce moyen d'expression peut immédiatement produire l'idée. En 1974, puis en 1993, il participe à la XXVIIe Biennale au Palazzo della Permanente de Milan. En 1981, il participe à deux importantes expositions collectives telles que Lignes de recherche artistique en Italie 1960/1980, au Palazzo delle Esposizioni à Rome, e Le lieu de la forme, au Musée Castelvecchio de Vérone. En 1986, il participe à la Biennale de Venise avec une chambre personnelle ; la même année, il est présent à la Triennale de Milan et à la Quadriennale de Rome. En 1998, le Palazzo Reale de Milan a accueilli l'une de ses expositions personnelles. En 1999, il était en Allemagne avec trois importantes expositions dans des institutions publiques. Outre le partenariat historique avec la Galerie Giorgio Marconi et surtout avec les artistes de ses écuries, à commencer par son grand ami Emilio Tadini, plus récemment la Galerie Fumagalli de Bergame a joué un rôle important dans la promotion et le développement de l'œuvre de Pardi. L'activité de Pardi en tant que sculpteur était également intense : un exemple pour tous était « Danse » à Pazza Amendola à Milan. Ses œuvres se retrouvent dans de nombreux espaces publics et privés en Italie et à l'étranger : du Museo del Novecento à la Gallerie d'Italia de Milan, du Mart de Rovereto à la Galerie nationale de Rome en passant par le Gnam de Turin. Membre de l'Accademia Nazionale di San Luca depuis 2008, il est décédé le 2 février 2012 dans son home studio de Milan à l'âge de 78 ans. En octobre 2013, l'Association culturelle Gianfranco Pardi a été créée à la mémoire de l'artiste dans le but de promouvoir et de diffuser son savoir et sa figure.
Le marché
Vers le milieu de 2013, grâce également à l'excellent travail réalisé par ses galeries de référence (Cortesi et Marconi à Milan), les prix des œuvres de Gianfranco Pardi ont commencé une hausse progressive et constante. Les œuvres sont mises aux enchères dans les principales ventes aux enchères internationales (à ce jour, plus de 350 œuvres de différents types ont été mises aux enchères), avec un pourcentage de ventes supérieur à 70 % et un chiffre d'affaires qui, en 2017, a avoisiné les 200 XNUMX euros.
Galerie: Marconi de Milan et Cortesi Gallery avec des bureaux à Milan, Lugano et Londres. A Paris ses oeuvres sont traitées par la Galerie Balice Hertling.
Prix: pour les œuvres récentes, il va de huit mille euros pour les formats moyens (100×80 cm.) à plus de 20 mille. Les sculptures démarrent aux alentours de 15 mille euros et peuvent dépasser les 100 mille pour les grandes dimensions. Très recherché par les collectionneurs le "Jardins suspendus”des années 60 au début des années 70 et Architectures des années 70 (de plus en plus rares) achetées à plus du double de la valeur des œuvres récentes. Récemment, l'attention du marché s'est également portée sur les œuvres des années 80, en particulier sur les "Diagonales".
Meilleur prix aux enchères : "architectures », technique mixte 150×150 cm de 1975, a changé de mains pour 40 mille euros (droits compris) à la maison de ventes Il Ponte à Milan en décembre 2016. En avril de l'année suivante, chez Christie's à Milan, «Jardin sur le toit» de 1969, acrylique sur aluminium 160×200 cm, a frôlé les 50 XNUMX euros (droits compris), triplant la valeur des estimations.
