À la fin des années 900, de nouvelles pratiques d'art urbain apparaissent dans diverses villes du monde occidental, avec l'intention de redéfinir la notion d'art dans l'espace public. Sous le label street art, nous rassemblons aujourd'hui différentes formes d'art public indépendant qui, reprenant les codes de la pop culture et de l'art du graffiti, utilisent le dialogue entre la rue et le web pour donner vie à des formes résolument innovantes.
Après dix décennies, le phénomène socioculturel du graffiti urbain a acquis une importance unique dans le panorama de la créativité contemporaine : les œuvres d'artistes tels que Banksy ont envahi les grandes villes du monde, et des années XNUMX à aujourd'hui, Bologne elle-même a établi s'impose comme point de référence pour de nombreux artistes – de Cuoghi Corsello à Blu, en passant par Dado et Rusty – qui ont choisi la ville de Felsina pour laisser leur empreinte sur les murs.
Du 18 mars au 26 juin 2016 cette forme d'art est racontée dans son évolution, son intégralité et sa spectaculaire dans les salles de Palazzo Pepoli – Musée de l'Histoire de Bologne avec une grande exposition intitulée Street Art – Banksy & Co.
L'événement amènera également en Italie pour la première fois la collection du peintre américain Martin Wong donnée en 1994 au Musée de la ville de New York, présentée dans l'exposition City as Canvas: Graffiti Art from the Martin Wong Collection, organisée par Sean Corcoran conservateur des estampes et des photographies du Musée.
Comme le montre l'exposition, la section vise à identifier le New York des années 1980, dans lequel il sera possible d'admirer les œuvres des plus grands graffeurs et artistes de rue américains tels que Dondi White, Keith Haring et Lady Pink.
Le projet est issu de la volonté du Professeur Fabio Roversi-Monaco, Président de Genus Bononiae, et d'un groupe d'experts dans le domaine du street art et de la restauration dans le but d'engager une réflexion sur les principes et méthodes de sauvegarde et de conservation de ces formes d'art. . Le projet de "déchirure" et de restauration, une expérimentation menée par le laboratoire de restauration Camillo Tarozzi, Marco Pasqualicchio et Nicola Giordani sur des murs bolognais de Blu - l'un des dix meilleurs street artistes au monde selon un classement The Guardian 2011 -, comme la grande fresque de l'ex Officine di Casaralta (Sans titre, 2006) et celle de la façade de l'ex Officine Cevolani (Sans titre, 2003) autrement vouée à la démolition, semblaient propices à une exposition qui vise à contribuer à le débat international actuel : depuis des années, en effet, la communauté scientifique focalise l'attention sur le problème de la sauvegarde de ces témoignages de l'art contemporain et de leur éventuelle et éventuelle « muséification » au détriment du lieu d'origine mais en faveur de leur conservation et transmission à la postérité. L'exposition Street Art – Banksy & Co. raconte pour la première fois les influences sur les arts visuels que le street art a eues et continue d'avoir, en passant par cette esthétique née à New York dans les années 70 grâce à la passion du lettrage et l'écriture du nom des jeunes de la banlieue de la ville. Il expose les œuvres d'auteurs associés à l'écriture graffiti et au street art, pour créer au passage des similitudes entre les différentes productions et expliquer la manière dont elles ont été reçues par la société.
Le patrimoine artistique est le protagoniste de l'exposition sans précédent hébergée au Palazzo Pepoli, qui avec sa cour couverte reproduit ce qui pourrait être une partie de la ville, un lieu idéal pour raconter une étape importante de l'histoire de Bologne.
Le but et l'intention utopiques sont de protéger et de conserver cette forme d'art et d'amener les politiques culturelles actuelles à reconnaître la nécessité d'une redéfinition des outils d'intervention dans l'espace urbain car les graffitis - aujourd'hui plus qu'hier - influencent le monde du graphisme, le goût des gens, la tout l'art de ce siècle.
Il y a ceux qui le considèrent comme un conteur et ceux, au contraire, le seul qui a su figer l'instant - cristallisé dans le temps - d'un panorama, comme d'une personne. C'était pareil Edward Hopper (1882-1967) – l'artiste américain le plus populaire et le plus connu du XXe siècle – un homme timide et taciturne, amoureux des horizons marins et de la lumière claire de son grand atelier, pour préciser sa poétique : « Si je pouvais dire avec des mots, je n'aurais pas de raison de peindre ». Cette seconde exposition qui s'ouvre du 25 mars au 24 juillet 2016 au Palazzo Fava – Palazzo delle Esposizioni à Bologne, des aquarelles parisiennes aux paysages et vues de villes des années 50 et 60, à travers plus de 60 œuvres dont les célèbres chefs-d'œuvre South Carolina Morning (1955), Second Story Sunlight (1960), New York Interior (1921), Le Bistro ou encore The Wine Shop (1909), Summer Interior (1909), études extrêmement intéressantes (telle l'étude pour Girlie Show de 1941) qui célèbrent la main de Hopper, superbe dessinateur : un chemin qui croise sa production et toutes les techniques d'un artiste considéré aujourd'hui un grand classique de la peinture du XXe siècle.
Un prêt exceptionnel est le grand tableau intitulé Soir Bleu (il mesure environ deux mètres de long), symbole de la solitude et de l'aliénation humaines, œuvre créée par Hopper en 1914 à Paris.
L'exposition est organisée par Barbara Haskell – conservatrice des peintures et sculptures au Whitney Museum of American Art – en collaboration avec Luca Beatrice. Le Whitney Museum a accueilli diverses expositions de l'artiste, de la première en 1920 au Whitney Studio Club aux mémorables de 1960, 1964 et 1980. De plus, depuis 1968, grâce au legs de sa veuve Joséphine, le Musée abrite tout l'héritage de l'artiste : plus de 3.000 oeuvres parmi lesquelles peintures, dessins et gravures.
