A lo largo de sus cincuenta años de matrimonio, la pareja se ha embarcado en un viaje inspirador hacia los negocios, la familia y el coleccionismo, una asociación amorosa que ha dado como resultado una destacada colección de bellas artes. La selección Impresionista y Moderna comprende 16 lotes. Obras adicionales de la colección se venderán a través de la Venta de Arte Americano en Nueva York el 20 de noviembre y la Venta de la Vieja Noche en Londres el 6 de diciembre. En conjunto, se espera que la colección supere los 50 millones de dólares.
Nacido en Brooklyn en 1926, Herbert J. Klapper era hijo de un vendedor de máquinas de coser; su futura esposa, Adele, nació tres años después en Brooklyn de inmigrantes europeos. Tanto Herbert como Adele Klapper encarnaron el ambicioso “sueño americano” del siglo XX. La Sra. Klapper abandonó la universidad para ayudar a mantener a su familia. Después de regresar del servicio militar, el Sr. Klapper comenzó a trabajar en la empresa de venta de máquinas de coser de su padre en el distrito de prendas de vestir de Manhattan; cerca, Adele Klapper era empleada del Sindicato Internacional de Trabajadoras de la Confección de Damas. Y así fue como un encuentro casual entre el joven Herbert y Adele en el almuerzo de un restaurante local proporcionó la chispa de lo que se convertiría en medio siglo de matrimonio.
Los extraordinarios éxitos comerciales de Klappers se produjeron después de años de iniciativa empresarial y trabajo arduo cuando el Sr. Klapper transformó el negocio de su padre en Superior Sewing Machine and Supply Corporation, el proveedor líder mundial de piezas y componentes para máquinas de coser. En el arte, el Sr. Klapper pudo usar esta misma perspicacia comercial y atención al detalle para beneficiar una importante colección privada.
Trabajando con propietarios de galerías de renombre y especialistas en casas de subastas, los Klappers adquirieron constantemente ejemplos destacados de los antiguos maestros, el arte impresionista y el moderno. La pareja ha curado minuciosamente su ensamblaje para centrarse en lo mejor de artistas como Pablo Picasso, Auguste Rodin, Jean Arp, Claude Monet, Pieter Brueghel el Joven, Paul Cézanne, Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas.
Al frente de la colección está La escalera à Vetheuil di Claude Monet, 1881 ($12-18 millones). Con su asombrosa profusión de flores y hojas, este lienzo bañado por el sol captura el esplendor del verano en el jardín de Monet en Vétheuil, una aldea rural que el artista llamó su hogar desde 1878 hasta 1881. La escalera en el centro del lienzo sirve como elemento compositivo ancla para una serie de cuatro vistas estrechamente relacionadas de la casa y el jardín, que Monet creó durante el apogeo del sol de verano. El actual L'escalier à Vétheuil fue probablemente el primero de la serie que se creó, su vista de cerca de los escalones despoblados sugiere que el artista instaló su caballete en la terraza superior para capturar el panorama. La calidad decorativa de las escenas del jardín de Vétheuil fue muy clara para el mercado contemporáneo. Monet vendió los tres lienzos al aire libre dentro de un año o dos de su ejecución, manteniendo solo la variante de estudio de la Galería Nacional. El primer propietario de la versión actual fue el magnate de los ferrocarriles de Pensilvania, Alexander Cassatt, hermano de la pintora impresionista Mary Cassatt y coleccionista pionero de la Nueva Pintura estadounidense; el lienzo ingresó a su colección alrededor de 1883, cuando la obra de Monet aún era poco conocida al otro lado del Atlántico. En la primavera del mismo año, Monet y su extensa familia se mudaron río abajo a Giverny, donde el jardín del artista como tema de la pintura moderna finalmente alcanzaría su apogeo. L'escalier à Vétheuil es el último de cuatro de la serie que permanece en manos privadas: una versión cuelga en la Galería Nacional de Washington; DC, otro está en el Museo Norton Simon en Pasadena; y el tercero fue legado por el legendario empresario, filántropo y coleccionista de California, A. Jerrold Perenchio, al Museo de Arte del Condado de Los Ángeles en 2014.
La inspiración de Picasso para crear pasteles Mujer acomodado, 1921 ($ 10-15 millones) fue doble, persiguiendo intereses paralelos en materia y estilo. La modelo es la esposa del artista, Olga, de soltera Khokhlova, a quien conoció en 1917 cuando ella era bailarina principal en Les Ballets Russes de Serge Diaghilev. Se casaron al año siguiente y poco después alquilaron un apartamento en la rue la Boétie, el nuevo epicentro del comercio del arte parisino. Las ventas estaban haciendo rico a Picasso. El 4 de febrero de 1921, Olga presentó a su marido, con un hijo como primogénito, único heredero varón de su rama de la familia Ruiz-Picasso. La artista agradecida celebró el evento en una serie de dibujos y pinturas sobre la maternidad, al tiempo que honró a Olga como un modelo atemporal de feminidad elegante y fructífera en pinturas de figuras y retratos.
Típicamente, a Picasso le encantaba la idea de trabajar a contracorriente y contravenía “la llamada al orden” en las aberrantes proporciones de rostro y cuerpo que optaba por utilizar en sus figuras clásicas. En Femme accoudée, Picasso sometió los finos rasgos eslavos de Olga a sutiles distorsiones rococó, agrandando el espacio entre sus ojos mientras miniaturizaba sus labios. También está presente aquí, como sello distintivo de la manera clásica de Picasso, el aparente agrandamiento de los brazos y las manos del modelo. Esta flexibilidad antinaturalista de las formas plásticas se deriva de los precedentes de los primeros estilos figurativos de Picasso, así como de su práctica cubista, y prevalecerá en toda su obra posterior.
Pintado el 28 de noviembre de 1924, busto de femme au Puro azul di Pablo Picasso ($ 8-12 millones): en la foto de la izquierda, se encuentra entre los últimos de una serie de retratos neoclásicos elegantes e inquietantemente enigmáticos que el artista pintó durante los primeros años de la década. El cabello oscuro, la mirada pensativa y melancólica de la modelo y los rasgos refinados y perfectamente cincelados revelan inmediatamente la presencia y el carácter de Olga Khokhlova. Esta pintura muestra el pináculo y el sutil poder de expresión que Picasso podía conjurar mientras trabajaba en el estilo de retrato urbano, fríamente sensual, que Olga había inspirado en su trabajo. En pocos meses, la fascinación del artista por el clasicismo durante décadas daría paso a una inmersión totalmente transformadora en la convulsa intensidad de la revolución surrealista.
Pintado en 1896, Bailarín ($6-8 millones) es una de las obras más importantes de Henry de Toulouse–Lautrec en el tema del ballet. Cuando Lautrec entró en su estudio, miró fijamente a su modelo mientras ajustaba las capas de tul en el tutú de ballet que acababa de ponerse en preparación para su sesión de trabajo juntos. Apoyada contra un gran espejo, la joven le parecería al artista como si se estuviera inclinando ante una audiencia. Su postura descentrada, el polígono angulado de los hombros y los brazos doblados hacia atrás crearon un efecto de contrapposto extemporáneo y pictóricamente perfecto. Apreciando rápidamente la belleza del momento, Lautrec pintó su modelo así. El resultado es una pintura tranquila y misteriosa, un éxito fortuito de la sincronización y la observación, una evocación sensible de una figura solitaria en un entorno íntimo y melancólico. La Danseuse de Lautrec incluye en su distinguida procedencia al renombrado marchante alemán Justin K. Thannhauser, cuya colección ha sido dotada de un ala propia en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York. Un propietario posterior fue Arthur Murray, un especialista en bailes de salón, que desarrolló lecciones y capacitó a instructores en el negocio. En 1938 Murray fundó la franquicia de baile que lleva su nombre.
