Una parte de la exposición estará dedicada a los retratos y fotografías célebres de los grandes iconos de la música de los años XNUMX, un apartado no menos coherente con el compromiso cívico (sobre todo la lucha por los derechos civiles de afroamericanos e indios, el fundamentalismo religioso , Vietnam, la pesadilla nuclear de Hiroshima, el consumismo, la creciente degradación del medio ambiente), a visionarias reflexiones existenciales obtenidas del "sándwich" de varias diapositivas (técnica pionera en una época sin Photoshop), a ilustraciones fotográficas de los textos de Dylan y los Beatles y la moda, sin olvidar la evolución de la sociedad americana, todo ello fijado con una mirada tan original y visionaria como para conquistar honores, premios y portadas de las más prestigiosas revistas internacionales.
“Quiero comunicar los elementos invisibles de una personalidad”, dijo Art Kane, encerrando en pocas palabras toda su poética.
“Pienso en Art Kane como un color brillante, digamos, como un sol de calabaza en medio de un cielo azul. Como el sol, el Arte fija su mirada en su sujeto, y lo que ve, lo fotografía, y suele ser una interpretación dramática de su personalidad”. Eso dijo Andy Warhol sobre él.
“Art Kane era mi ídolo –recuerda Franco Fontana– casi un espejismo para mí que lo admiraba de lejos. Luego lo conocí en el '77 en Arles y nos convertimos en hermanos 'de color' unidos por una inolvidable relación de amistad e intimidad. Era un hombre brillante, de gran inteligencia y creatividad. Animado por el mito imposible de la eterna juventud y el renacimiento continuo, mordió la vida hasta la médula: incluso quiso hacer de ella un musical. Paseó por Nueva York en Velosolex y una tarde me llevó al mítico Studio 54, llegando completamente vestido de vaquero. Adoraba a las mujeres y las fotografiaba con una sensibilidad y un erotismo en los que me encontraba plenamente. Amaba Italia donde había venido varias veces, incluso para los talleres organizados por mí. Hipercrítico con los alumnos, los regañó sin piedad, provocándolos y alentándolos a que siempre escarbaran en su subconsciente”.
Art Kane es el legendario fotógrafo que a las 10 de una mañana de agosto de 1958 inmortalizó hasta 57 leyendas del jazz para la revista "Esquire" en una acera de la calle 126, en Harlem., sin saber haber creado la imagen más significativa de la historia del jazz, universalmente conocida como "Harlem 1958". Una fotografía que le valió una medalla de oro del Art Directors Club de Nueva York y lo suficientemente poderosa como para inspirar un libro, un documental de 1994 nominado al Oscar ("Un gran día en Harlem") y, más recientemente, una película de Spielberg, "La terminal". (2004), con Tom Hanks.
La lente de Kane luego se posó en otros tiempos sobre los grandes de la música, de cada música, desde los Rolling Stones hasta Bob Dylan, los Doors, Janis Joplin, Jefferson Airplane y nuevamente Frank Zappa, Cream, Sonny & Cher, Aretha Franklin. , Louis Armstrong, Lester Young, creando un sinfín de iconos, como, sobre todo, el memorable de los Quién envueltos en la bandera británica. Pero Kane fue mucho más: uno de los verdaderos maestros de la fotografía del siglo XX, cuyas visionarias imágenes influyeron en la conciencia social de más de una generación y dejaron su huella en la cultura mundial.
Imágenes que ahora se encuentran en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno y el Museo Metropolitano de Arte.
Art Kane (1925-1995) trabajó en moda, publicaciones, fotografió retratos de celebridades, reportajes de viajes y trató el desnudo con un ojo implacable e innovador. Al igual que sus contemporáneos, Guy Bourdin (1928-1991) y Helmut Newton (1924-2004), el trabajo de Kane gira en torno a tres elementos principales: colores llamativos, erotismo y humor surrealista. Abanderado de ese espíritu salvaje que, sobre todo gracias a él, se consolidó tras la Segunda Guerra Mundial: inflexible, intransigente y sentimental.
Nacido en el Bronx, Nueva York, en 1925 (la familia Kanofsky -este es su verdadero apellido- se había mudado allí a principios del siglo XX, entre 900 y 1900, procedente de Ucrania) Kane luchó en la Segunda Guerra Mundial en Francia en un pintoresco contingente asignados a tanques inflables que se suponía que engañarían a los alemanes.
Tras graduarse con honores en Cooper Union en 1950, y tras estudiar con Alexey Brodovitch en la New School, junto a Richard Avedon, Irving Penn y Diane Arbus, a los 27 años se convirtió en el director de arte más joven de la historia al entrar en la revista “Seventeen ”. En 1958 la consagración con el retrato de leyendas del jazz en una acera de Harlem.
Con su obra, mientras se desarrollaba la batalla por los derechos civiles y la guerra de Vietnam, Kane dio entonces una respuesta consciente al período que estaba viviendo, expresándose de manera popular, mostrando una gran capacidad para comunicarse con una gran audiencia.
En años en los que la tecnología de las cámaras analógicas avanzaba a una velocidad paroxística, el formato de 35 mm fue liberador para Kane: "Me encanta el aspecto ritual del medio, la sensación embrionaria de perderse en la ventana mágica del visor, la increíble gratificación de estando en el templo me creé a mí mismo. Quedaba en ridículo con la chaqueta en la cabeza porque nadie solía taparla cuando filmaba con un 35 mm, pero me encantaba esa alienación, estar totalmente alejado del mundo exterior, como si tuviera mi propio teatro a mi disposición”.
Treinta años antes que Photoshop, armado únicamente con una mesa de luz y una lupa, Kane inventó la imagen de "sándwich" montando dos diapositivas de registro en el mismo marco. Al desarrollar esta técnica más allá de todos los límites, Kane se ha convertido en un verdadero pionero de la narración fotográfica, que también llevó a cabo usando metáforas y poesía, transformando efectivamente la fotografía en ilustración.
Luego recorrió los años sesenta, setenta y ochenta como un furor, revolucionando la fotografía comercial, las imágenes de moda, los retratos de celebridades y el desnudo, gracias a un uso temerario del gran angular, de películas con colores hipersaturados y un surrealismo con una alta tasa erótica. .
Kane también fue un colaborador clave de las principales revistas de moda de su época y escribió asombrosas campañas publicitarias para las industrias de la moda y la belleza.
Muy cercano a Italia, vino en varias ocasiones a nuestro país para fotografiar y dar vida a talleres.
A lo largo de su carrera, Kane ha sido honrado por casi todas las organizaciones de diseño fotográfico en los Estados Unidos, incluidas: Sociedad Estadounidense de Fotógrafos de Revistas, Fotógrafo del Año, Newspaper Guild of America, Premio Page One, Medalla Augustus Saint-Gaudens por Logros Distinguidos, Cooper -Union, Club de Directores de Arte de Nueva York En 1984, Kane recibió el Premio a la Trayectoria de la Sociedad Estadounidense de Fotógrafos de Revistas y ha recibido importantes elogios de numerosas corporaciones y corporaciones estadounidenses.
“Art Kane fue un ilusionista –escribe Guido Harari-, el maestro de un impresionismo fotográfico que todavía hoy suscita emociones y destila ideas. Venecia siempre está en peligro, los músicos de rock siempre anuncian el advenimiento de algún Nuevo Mundo, la soledad en la era de Internet es aún más cósmica, los derechos civiles deben renegociarse todos los días, la degradación ambiental nos empuja cada vez más rápido hacia la extinción, y Kane , con una actualidad pasmosa, ya proyectaba todo esto en un mundo de fantasía que parece amplificar la realidad actual. En pocos años revolucionó la fotografía, descubriendo nuevas técnicas y personalizando otras para liberarla de su supuesto “realismo”. La fotografía de Kane es pura energía, verdadera imaginación en el poder: "La realidad para mí nunca está a la altura de las expectativas visuales que genera", dijo. “Más que grabarlo con mis fotos, quiero compartir cómo siento las cosas”.
Todas las fotografías de Kane están impregnadas de su incontenible pasión por la vida, por el hombre y por una cultura popular a interpretar a través de símbolos. Las suyas son imágenes pensantes, visiones que comunican siempre un punto de vista muy personal, sobre el racismo y la guerra, la mística o el sexo, la moda o la música. No se preocupa por el "estilo": su técnica fotográfica era intuitiva y encantadora en su simplicidad, animada por una impresionante variedad de ideas, ángulos de cámara improbables, escenarios singulares y colores saturados. Nada aparece como cabría esperar: las imágenes sugieren, provocan, desplazan, pero le toca al espectador completar el cuadro.
Los años cincuenta también anticiparon la revolución cromática que Kane aprovechó sobre la marcha, sabiendo bien, gracias a su premiada experiencia como director de arte, cómo plantear sus visiones y sobre todo cómo seleccionarlas. Su edición ferozmente quirúrgica dejó tomas alternativas rarísimas en su vasto archivo: "Comprendí de inmediato que la fotografía también puede ser un acto de rechazo, que te permite elegir qué dejar fuera de la imagen".
Kane perfeccionó su talento en revistas legendarias como "Look", "Life", "Esquire" y "McCall's", ya desaparecidas (a excepción de "Esquire") pero generosas en su momento con fabulosas tarifas solo para obtener imágenes que "eliminaran la pequeño y feo para enfatizar lo grande y lo heroico”, empujando en el camino del visionario incluso cuando la moda llamó a su puerta en la persona de Diana Vreeland, la poderosa señora de “Vogue”. Desde la profundidad de campo y la marcada distorsión del gran angular de 21 mm (inventado en esos años) hasta el "enfoque selectivo" obtenido con teleobjetivos como el 180 mm y el 500 mm, su vocabulario visual también se enriqueció con imágenes concebidas para ser vistas al revés. abajo e ingeniosos montajes de dos diapositivas sus llamados 'sándwiches', de los que esta exposición presenta numerosos ejemplos. “Uso el bocadillo como una herramienta poética para escapar del fotorrealismo – dijo Kane -. Es como la vida: pasan cosas, pero no necesariamente dramáticas, hasta que das un paso atrás y capturas su esencia a partir de tu memoria. La memoria es extraordinaria. Cuando tienes la osadía de extraer una imagen del mundo vivo, unidimensional, has eliminado los olores, el tacto, el sonido, y lo enmarcas eliminando la visión periférica. En este sentido, ninguna foto es la verdad, no importa cuán realista sea la imagen o cuán normal sea la lente. Todos mienten, porque siempre montamos. En la visión normal, elegimos una cosa a la vez, pero siempre estamos moviendo los ojos, combinando todo continuamente".
La exposición está organizada y producida por la Galería Cívica de Módena y la Fundación Cassa di Risparmio di Modena en colaboración con la Fundación Solares de las Artes de Parma y la Galería Wall of Sound de Alba, esta gran retrospectiva dedicada a Art Kane veinte años después su muerte y en el nonagésimo aniversario de su nacimiento, presenta por primera vez en Italia un centenar de fotografías clásicas e inéditas que han contribuido a configurar el imaginario visual de la segunda mitad del siglo XX.
Foto: “Un gran día en Harlem” de A. Kane, 1958 (fuente: wikipedia.org)
