O parte a expoziției va fi dedicată portretelor și fotografiilor celebre ale icoanelor majore ale muzicii anilor XNUMX, o secțiune nu mai puțin în concordanță cu angajamentul civil (mai presus de toate lupta pentru drepturile civile ale afro-americanilor și indienilor, fundamentalismul religios). , Vietnam, coșmarul nuclear de la Hiroshima, consumerismul, degradarea crescândă a mediului), până la reflecții existențiale vizionare obținute din „sandvișul” mai multor diapozitive (o tehnică de pionierat într-o epocă fără Photoshop), până la ilustrații fotografice ale textelor de Dylan și Beatles și moda, fără a uita evoluția societății americane, toate fixate cu o privire atât de originală și vizionară încât să câștige onoruri, premii și coperțile celor mai prestigioase reviste internaționale.
„Vreau să comunic elementele invizibile dintr-o personalitate”, a spus Art Kane, înglobând toată poetica sa în câteva cuvinte.
„Mă gândesc la Art Kane ca la o culoare strălucitoare, să spunem, ca un soare de dovleac în mijlocul unui cer albastru. La fel ca soarele, Arta își fixează privirea asupra subiectului său, și ceea ce vede, fotografiază și, de obicei, este o interpretare dramatică a personalității sale”. Așa că Andy Warhol a spus despre el.
„Art Kane a fost idolul meu – își amintește Franco Fontana – aproape un miraj pentru mine, care l-am admirat de departe. Apoi l-am cunoscut în ’77 la Arles și am devenit frați „de culoare” legați de o relație de neuitat de prietenie și intimitate. A fost un om strălucit, de o mare inteligență și creativitate. Animat de mitul imposibil al tinereții eterne și al renașterii continue, a mușcat în viață până la capăt: chiar și-a dorit să facă din ea un musical. S-a plimbat prin New York în Velosolex și într-o seară m-a dus la legendarul Studio 54, sosind complet îmbrăcat ca un cowboy. A adorat femeile și le-a fotografiat cu o sensibilitate și un erotism în care m-am regăsit pe deplin. A iubit Italia unde venise de mai multe ori, chiar și pentru atelierele organizate de mine. Hipercritic cu elevii, i-a certat fără milă, provocându-i și încurajându-i să sape mereu adânc în subconștientul lor”.
Art Kane este fotograful legendar care, la 10, într-o dimineață de august din 1958, a imortalizat până la 57 de legende de jazz pentru revista „Esquire” pe un trotuar al străzii 126, în Harlem., neștiind că a creat cea mai semnificativă imagine din istoria jazz-ului, cunoscută universal drept „Harlem 1958”. O fotografie care i-a adus o medalie de aur de la Art Directors Club din New York și suficient de puternică pentru a inspira o carte, un documentar nominalizat la Oscar în 1994 („A Great Day in Harlem”) și, mai recent, un film Spielberg, „The Terminal”. ” (2004), cu Tom Hanks.
Obiectivul lui Kane s-a oprit apoi asupra celorlalte ori pe marii muzicii, din fiecare muzică, de la Rolling Stones la Bob Dylan, la Doors, la Janis Joplin, la Jefferson Airplane și din nou Frank Zappa, Cream, Sonny & Cher, Aretha Franklin. , Louis Armstrong, Lester Young, creând o serie nesfârșită de icoane, precum, mai presus de toate, memorabilă a celor înfășurate în steagul britanic. Dar Kane a fost mult mai mult: unul dintre adevărații maeștri ai fotografiei secolului XX, ale cărui imagini vizionare au influențat conștiința socială a mai mult de o generație și și-au pus amprenta asupra culturii mondiale.
Imagini care se află acum în colecțiile permanente ale Muzeului de Artă Modernă și Muzeului Metropolitan de Artă.
Art Kane (1925-1995) a lucrat în modă, publicări, a realizat portrete de celebrități, reportaje de călătorie și a tratat nudul cu un ochi neobosit și inovator. Ca și în cazul contemporanilor săi, Guy Bourdin (1928-1991) și Helmut Newton (1924-2004), opera lui Kane gravitează în jurul a trei elemente principale: culori îndrăznețe, erotism și umor suprarealist. Purtător de stindard al acelui spirit sălbatic care, mai ales datorită lui, s-a impus după cel de-al Doilea Război Mondial: inflexibil, intransigent și sentimental.
Născut în Bronx, New York, în 1925 (familia Kanofsky - acesta este numele lui adevărat de familie - se mutase acolo la începutul anilor 900, între 1900 și 1910, din Ucraina) Kane a luptat în al Doilea Război Mondial în Franța într-un contingent pitoresc. atribuite tancurilor gonflabile care trebuiau să-i inducă în eroare pe germani.
După ce a absolvit cu onoare Cooper Union în 1950 și după ce a studiat cu Alexey Brodovitch la New School, alături de Richard Avedon, Irving Penn și Diane Arbus, la vârsta de 27 de ani a devenit cel mai tânăr director de artă din istorie intrând în revista „Șaptesprezece”. ”. În 1958 sfințirea cu portretul legendelor jazzului pe un trotuar din Harlem.
Prin munca sa, în timp ce bătălia pentru drepturile civile și războiul din Vietnam se dezlănțuia, Kane a dat apoi un răspuns conștiincios perioadei pe care o trăia, exprimându-se într-un mod popular, dând dovadă de o mare capacitate de a comunica cu un public numeros.
În anii în care tehnologia camerelor foto analogice a progresat cu o viteză paroxistică, formatul de 35 mm a fost eliberator pentru Kane: „Îmi place aspectul ritualic al mediumului, sentimentul embrionar de a mă pierde în fereastra magică a vizorului, mulțumirea incredibilă a fiind în templu m-am creat. Arătam ridicol cu jacheta deasupra capului pentru că nimeni nu o acoperă când fotografiam cu un 35 mm, dar mi-a plăcut acea înstrăinare, fiind total îndepărtată de lumea exterioară, de parcă aș avea propriul meu mic teatru la dispoziție”.
Cu treizeci de ani înainte de Photoshop, înarmat doar cu o masă luminoasă și o lupă, Kane a inventat imaginea „sandwich” prin montarea a două diapozitive de registru în același cadru. Dezvoltând această tehnică dincolo de orice limite, Kane a devenit un adevărat pionier al povestirii fotografice, pe care a condus-o și folosind metafora și poezia, transformând efectiv fotografia în ilustrație.
A trecut apoi prin anii șaizeci, șaptezeci și optzeci ca o furie, revoluționând fotografia comercială, imaginile de modă, portretele celebrităților și nudul, grație unei utilizări nesăbuite a unghiului larg, a filmelor cu culori hipersaturate și a unui suprarealist cu o rată erotică ridicată. .
Kane a fost, de asemenea, un colaborator cheie la principalele reviste de modă ale epocii sale și a scris campanii de publicitate uimitoare atât pentru industria modei, cât și pentru cea a frumuseții.
Foarte aproape de Italia, a venit în țara noastră în mai multe rânduri pentru a fotografia și pentru a da viață atelierelor.
De-a lungul carierei sale, Kane a fost onorat de aproape fiecare organizație de design foto din Statele Unite, inclusiv: Societatea Americană a Fotografilor de Reviste, Fotograful Anului, Newspaper Guild of America, Premiul Page One, Medalia Augustus Saint-Gaudens pentru Realizări Distinse, Cooper -Union, New York Art Directors Club. În 1984, Kane a primit premiul pentru întreaga viață a Societății Americane a Fotografilor de Reviste și a primit premii majore de la numeroase corporații și corporații americane.
„Art Kane a fost un iluzionist – scrie Guido Harari -, maestrul unui impresionism fotografic care și astăzi stârnește emoții și distilează idei. Veneția este mereu în pericol, muzicienii rock anunță mereu apariția unei Lumi Noi, singurătatea în epoca internetului este și mai cosmică, drepturile civile trebuie renegociate în fiecare zi, degradarea mediului ne împinge din ce în ce mai repede spre dispariție. , iar Kane, cu o actualitate uluitoare, proiecta deja toate acestea într-o lume a fanteziei care pare să amplifice realitatea de astăzi. În câțiva ani a revoluționat fotografia, descoperind noi tehnici și personalizându-le pe altele pentru a o elibera de presupusul ei „realism”. Fotografia lui Kane este energie pură, imaginație adevărată în putere: „Realitatea pentru mine nu se ridică niciodată la nivelul așteptărilor vizuale pe care le generează”, a spus el. „Mai mult decât să-l înregistrez cu fotografiile mele, vreau să împărtășesc felul în care simt lucrurile”.
Toate fotografiile lui Kane sunt impregnate de pasiunea lui ireprimabilă pentru viață, pentru om și pentru o cultură populară care să fie interpretată prin simboluri. Sunt imagini de gândire, viziuni care comunică întotdeauna un punct de vedere foarte personal, despre rasism și război, misticism sau sex, modă sau muzică. Fără griji în privința „stilului”: tehnica sa fotografică era intuitivă și dezarmantă în simplitatea ei, animată de o varietate impresionantă de idei, unghiuri improbabile ale camerei, setări singulare și culori saturate. Nimic nu apare așa cum ne-am aștepta: imaginile sugerează, provoacă, deplasează, dar este la latitudinea privitorului să completeze imaginea.
Anii 'XNUMX au anticipat și revoluția culorilor pe care Kane a surprins-o din mers, știind bine, datorită experienței sale premiate ca director de artă, cum să-și expună viziunile și, mai ales, cum să le selecteze. Editarea lui feroce chirurgicală a lăsat fotografii alternative extrem de rare în arhiva lui vastă: „Am înțeles imediat că fotografia poate fi și un act de refuz, care te lasă să alegi ce să lași din imagine”.
Kane și-a perfecționat talentul în reviste legendare precum „Look”, „Life”, „Esquire” și „McCall’s”, acum dispărute (cu excepția „Esquire”), dar la vremea aceea generos cu taxe fabuloase doar pentru a obține imagini care „elimină mic și urâtul pentru a sublinia marele și eroic”, împingând pe calea vizionarului chiar și atunci când moda i-a bătut la ușă în persoana Dianei Vreeland, puternica doamnă a „Vogue”. De la adâncimea de câmp și distorsiunea marcată a unghiului larg de 21 mm (inventat în acei ani) până la „focalizarea selectivă” obținută cu teleobiective precum cele de 180 mm și 500 mm, vocabularul său vizual s-a îmbogățit și cu imagini concepute pentru a fi privite cu capul în jos. jos și montaje ingenioase ale două diapozitive ale sale așa-numitele „sandvișuri”, din care această expoziție prezintă numeroase exemple. „Folosesc sandvișul ca un instrument poetic pentru a scăpa de fotorealism – a spus Kane –. E ca și viața: lucrurile se întâmplă, dar nu sunt neapărat dramatice, până când nu te dai înapoi și le surprinzi esența pe baza memoriei tale. Memoria este extraordinară. Când ai îndrăzneala de a extrage o imagine din lumea vie, unidimensională, ai eliminat mirosurile, atingerea, sunetul și ai pus un cadru în jurul lor eliminând vederea periferică. În acest sens, nicio fotografie nu este adevărul, indiferent cât de realistă ar fi imaginea sau cât de normală ar fi obiectivul. Toți mint, pentru că mereu încalecăm. În vederea normală, alegem câte un lucru, dar ne mișcăm mereu ochii, combinând totul în mod continuu.”
Expoziția este organizată și produsă de Galeria Civică din Modena și Fundația Cassa di Risparmio di Modena în colaborare cu Fundația Solares de Arte din Parma și Galeria Wall of Sound din Alba, această retrospectivă majoră dedicată Artei Kane la douăzeci de ani după moartea sa și la împlinirea a nouăzeci de ani de la naștere, prezintă pentru prima dată în Italia o sută de fotografii clasice și inedite care au contribuit la modelarea imaginației vizuale a celei de-a doua jumătate a secolului XX.
Fotografie: „O zi grozavă în Harlem” de A. Kane, 1958 (sursa: wikipedia.org)
