De la Thiebaud la Manzoni, artă contemporană la licitație la New York (Sotheby's)

Licitația prezintă 51 de loturi care au fost expuse public de la 1 noiembrie în galeriile de pe Sotheby's York Avenue, împreună cu licitația de artă contemporană și vânzările din noiembrie de artă impresionistă și modernă.

Iată câteva lucrări de la licitația de Artă Contemporană:

Executat într-un moment critic al carierei lui Willem de Kooning, Untitled XXII din 1977 reprezintă apogeul producției mature a artistului. Epuizat de zgomotul și tensiunea vieții din Manhattan în prima parte a carierei sale, de Kooning și-a petrecut verile în East Hampton începând cu 1959 și s-a mutat definitiv la Springs în 1963 pentru a se cufunda în mediul plin de lumină și liniștit. În timp ce Untitled XXII rămâne abstract, evocă esența, amintirile și experiența împrejurimilor oceanice și pașnice ale lui de Kooning, care l-au captivat pe artist, amintindu-i de casa din copilărie din Olanda. Marcând revenirea artistului la pictură după o pauză concentrată pe desen și sculptură, Untitled XXII face parte dintr-o explozie explozivă de creativitate care a produs un corp ilustru de pânze la scară largă îmbibate de culoare, care se numără printre cele mai iconice din cariera lui de Kooning.

Blue Over Red reprezintă prima lucrare a lui Mark Rothko din 1953 să fie scoase la licitație în peste un deceniu (estimare 25/35 milioane USD). Pictura reprezintă o perioadă critică de dezvoltare în prima jumătate a anilor 50, imediat după mutarea sa într-un nou studio din spatele MoMA, unde a pictat unele dintre cele mai inovatoare explorări ale culorii. Blue Over Red a fost achiziționat direct de la artist în 1957 de legendarul dealer și colecționar Harold Diamond, iar ulterior a petrecut decenii cu colecționarii din Baltimore, Israel și Selma Rosen, care au oferit lucrarea la licitație în 2005, când a fost vândută pentru 5,6 milioane de dolari. A rămas în aceeași colecție privată din 2007.

PH-399 demonstrează inovația radicală a lucrării vizionare a lui Still. Pictată în 1946 – în același an cu prima expoziție personală a artistului la New York – lucrarea de față este o piatră de hotar timpurie în practica lui Still. PH-399 marchează nu numai realizarea stilului de semnătură al lui Still, ci și chiar inaugurarea expresionismului abstract – în 1946, Mark Rothko avea să primească prima sa expoziție personală la Muzeul de Artă Modernă din San Francisco, picturile lui Jackson Pollock apar pentru prima dată la expoziția anuală a Muzeului Whitney din New York, iar criticul de artă Robert Coates a inventat oficial termenul „expresionism abstract” în
The New Yorker ca mijloc de a descrie noua mișcare care, în următorii ani, va apărea ca modalitate de artă predominantă a școlii din New York și a lumii artei în general.
Ca o dovadă a semnificației lucrării prezente, PH-399 a fost selectat de Still însuși pentru a fi inclus în expoziția sa fundamentală din 1959, Paintings by Clyfford Still, organizată de Galeria de Artă Albright-Knox din Buffalo. Curatoriată personal de artist, această expoziție a fost prima investigație la scară largă a lui Still și rămâne printre cele mai importante expoziții din cariera sa. Când i s-a cerut să pozeze pentru o fotografie în cadrul expoziției, Still a ales să stea în fața lui PH-399, solidificându-i statutul de reprezentare unic iconică nu numai a producției sale celebre, ci în cadrul narațiunii mitice și a dezvoltării postbelice. pictura.

Ieșind dintr-o amintire aurie din copilărie, deserturile frumos colorate ale lui Wayne Thiebaud, aranjate într-un stil clasic de restaurant sau cantină, sunt un motiv pe care l-a inventat celebru în 1961 – și unul pe care l-a revăzut de-a lungul a aproape șapte decenii. Aceste obiecte ușoare și semne distinctive ale consumului din clasa de mijloc evocă un sentiment de exuberanță și prosperitate anilor 60. Licitația de seară va oferi prăjiturile încasate ale lui Thiebaud primul său blat de prăjituri, care apare la licitație din 1997. Măsurând o înălțime impresionantă de 72 de inci, lucrarea este, de asemenea, excepțional de mare în cadrul operei artistului și a rămas în aceeași colecție privată distinsă de când a fost achiziționată direct de artist în 2011, anul finalizării acesteia.

Nu sunt în stare să înțeleg pictorii care, deși se declară interesați de problemele moderne, privesc și astăzi un tablou de parcă ar fi o suprafață de umplut cu culori și forme după un gust care poate fi mai mult sau mai puțin apreciat și care este mai mult sau mai puțin instruit […]. Pictura este astfel completată și o suprafață cu posibilități nelimitate se reduce în cele din urmă la un fel de vas în care culoarea nefirească și sensul artificial sunt forțate și comprimate. De ce nu goliți acest recipient? De ce să nu curățați suprafața? De ce să nu încerci să descoperi semnificația nelimitată a spațiului total? De lumină pură și absolută? ”(Artistul menționat în „Dimensiunea liberă”, Azimut 2, 1960)
„Una dintre cele două lucrări a fost deja expusă în multe expoziții prestigioase, în timp ce cealaltă [lucrarea prezentă] a fost ascunsă vederii până nu cu mult timp în urmă. Două pânze de o putere atât de extraordinară, capabile să-mi taie răsuflarea prima dată când le-am văzut împreună într-o cameră din Zurich...” (Rosalia Pasqualino di Marineo, ed., Piero Manzoni: The Twin Paintings, New York, 2017, p. 7)
Execută în 1959, lucrarea de față este printre cele mai monumentale și convingătoare exemple vizuale ale seriei revoluționare acrome a lui Piero Manzoni. Reprezentând expresia maximă a filozofiei centrale a lui Manzoni, Achrome întruchipează în mod surprinzător cercetarea teoretică și tehnică a artistului pentru a elibera pictura de constrângerile reprezentării și gesturilor forțate. După cum a argumentat influentul critic de artă italian Germano Celant: „Achrome-ul lui Manzoni a aspirat să taie cordonul ombilical dintre artefact și producător; a urmărit să reducă dependența artei de artist... Achromi nu reprezintă nicio tonalitate, nicio memorie cromatică. Nimic care să amintească de natura pasiunii artistului.” (Exh. Cat., Londra, The Serpentine Gallery, Piero Manzoni, 1998, p. 22) Concepută pentru prima dată în 1957 ca o respingere conștientă a acțiunii machiste a expresionismului abstract din Statele Unite și a gesturilor picturale ale Art Informal în Europa, picturile lui Achrome reprezintă încercarea lui Manzoni de a separa complet suprafața pictată de participarea activă a artistului și de a depăși fetișismul gestului artistic cu un gust contemporan. Ca atare, picturile lui Achrome ocupă o poziție de semnificație inatacabilă: primatul nelegat al formei materiale cristalizate ca semnificant pur postulează unul dintre cele mai radicale gesturi conceptuale din istoria artei secolului al XX-lea. Cu o lățime de peste 50 de inci, Achrome din 1959 este o adevărată capodopera a acestui corpus venerat și ambițios. Dintre cele aproximativ trei sute de lucrări compuse din caolin pe pânză, lucrarea de față este una dintre cele nouă piese executate în proporții atât de monumentale; alții din acest grup se află în colecții apreciate precum Centrul Pompidou, Paris; Galeria Civică de Artă Modernă și Contemporană, Torino; Muzeul Moderner Kunst, Stiftung Ludwig, Viena; și colecția Rachofsky din Dallas. Plin de dungi moi și pliuri lirice, Achrome evocă imediat un sentiment de soliditate sculpturală și o ușurință eterică; totuși, lipsit de semnificanți sau de legături cu reprezentarea, Achrome nu este altceva decât însăși existența sa, o tabula rasa emancipată, golită de alegorie, aluzie și expresie narativă.
Lucrarea de față aparține unei perechi importante de picturi care a fost recent onorat cu un proiect ambițios de examinare a ei și a operei sale soră; acest proiect a fost întreprins de Rosalia Pasqualino di Marineo, directorul Fundației Piero Manzoni, și finalizat recent în 2017. Acest proiect a încercat să corecteze prima omisiune a Achrome din primul Catalog General al lui Germano Celant (o omisiune din cauza provenienței originale a picturii într-un colecție privată în timp ce catalogul rațional original – publicat în 1974 – era în desfășurare). Despre acest proiect, regizorul Pasqualino di Marieno scrie: „Proiectul care caracterizează aceste două acromi, „gemeni heterozigoți”, este cu siguranță ieșit din comun. De fapt, pentru mine este probabil un eveniment unic și puțin probabil să se repete: două tablouri atât de importante, diferite și totuși aceleași, încât ar putea fi puse unul lângă altul și studiate încă o dată și aprofundate de data aceasta. ” (Rosalia Pasqualino di Marineo, ed., Piero Manzoni: The Twin Paintings, New York, 2017, p. 7) Îndrumat de directorul Fundației Piero Manzoni, The Twin Paintings reunește cercetări importante care consolidează ferm lucrarea de față în cadrul Manzoni opera prodigioasa, in ciuda extravagantei din ultimele decenii. Pasqualino di Marineo scrie: „Una dintre cele două lucrări a fost deja expusă în multe expoziții prestigioase, în timp ce cealaltă [lucrarea de față] a fost ascunsă vederii până nu demult. Două pânze de o forță atât de extraordinară, capabile să-mi taie răsuflarea prima dată când le-am văzut împreună într-o singură cameră din Zurich...” (Ibid.)
Pentru a crea picturile Achrome, Manzoni a lipit mai întâi o pânză brută, nevopsită într-un aranjament aparent organic de pliuri și cute care se autoproliferează, apoi a aplicat caolin - o soluție cretă, incoloră care este folosită la fabricarea porțelanului - pe suprafața pânzei și a lăsat soluția asemănătoare cretei să se usuce. În cele din urmă, prin procesul de uscare autodefinit, fără intervenția artistului, opera ajunge la forma sa finală. Chiar mai alb și mai pur decât pânza originală brută, caolinul i-a oferit lui Manzoni mediul ideal cu care să-și conceapă picturile acromatice „nepictate”. Această tehnică nu numai că îndepărtează mâna artistului, dar sporește și adâncimea sculpturală și soliditatea ondulațiilor suprafeței. Într-adevăr, pliurile și crestele orizontale ale Achrome par a fi conservate ca o fosilă, pietrificată într-o stare de metamorfoză materială. Nu mai moliciunea fluidă și lichiditatea stării sale primare, ci o suspensie pozitivă și una negativă întărite într-o dublă afirmare atât a substanței, cât și a vidului: o adevărată exemplificare a căutării metafizice a lui Manzoni pentru „spațiul total” și „lumina absolută pură”. artist citat în „Dimensione libera”, Azimut 2, 1960, np) Prin deplasarea agenției artistice și a gesturilor de pe suprafața pânzei, Manzoni și-a propus să elimine reprezentarea și să obțină în ea o imagine metafizică complet autoprodusă de puritate absolută.
În timp ce Manzoni a experimentat cu o multitudine de materiale, inclusiv substanțe la fel de disparate precum paiele, polistirenul, pietrișul, rulourile, pâsla și lâna, corpul său iconic de lucrări „acromatice” pe pânză compusă din pliuri saturate de caolin formează apogeul conceptului de pionierat de artistul dialogului. Excepțională ca scară și complexitate compozițională, Achrome este un model al acestui corp de lucrări: încadrat de două benzi orizontale de caolin tonal diafan, ca un văl, câmpul central învăluitor de pliuri întinse saturate cu caolin greu este absolut hipnotic. Deși Manzoni a evitat în mod special referențialitatea, armonia formală rafinată evidentă în Achrome sugerează un fel de arhitectură organică, ca și cum ar valorifica și elibera o frumusețe înnăscută care stă latentă în materialele pânzei și caolinului în sine. Suprafața frumos bogată și omogenă cromatic evocă fragilitatea prăfuită a tencuielii și soliditatea rece a marmurei. Absorbția și reflectarea luminii naturale de către pliurile de argilă de porțelan, accentuate de crestele lor unghiulare striate, evocă pliurile tactile ale draperiilor sculptate renascentiste, în timp ce complexitatea complexă a suprafeței creează un claro-obscur dramatic pentru a seduce ochiul nostru, deoarece întunericul și lumina sunt izbitor de juxtapus. Aparent alb, caolinul funcționează prin eliminarea culorii și adăugarea de greutate, dând acestor lucrări un anumit sentiment de monumentalitate care evocă în mod abstract statuaria clasică de marmură. Totuși, dacă această lucrare evocă arta monumentală a trecutului, ea este doar o mărturie a insularității artei în sine, un limbaj pur vizual de materialitate luminoasă sclipitoare.
În timpul unei vieți tragic de scurtă întreruptă la vârsta de doar treizeci de ani, Manzoni a adoptat o abordare conceptuală revoluționară a creației și expunerii artei., punând în valoare suprafața și materialele ca adevărat subiect al lucrării. În crearea lui Achromi, Manzoni a trezit o zonă a creativității în care subiectul picturii era forma sa autogeneratoare; în 1960 a scris: „Artistul a atins libertatea integrală; materialul pur devine energie pură; toate problemele criticii de artă sunt depășite; totul este permis". (Ibid.) Inovațiile prevestitoare ale lui Manzoni au anticipat atât Conceptualismul, cât și Arte Povera, în timp ce moștenirea sa artistică, sancționată de lucrări iconice, cum ar fi actualul Achrome, persistă ca o prezență revoluționară în arta contemporană de astăzi.