Africa Vibes: la Opificio Golinelli o călătorie prin lucrările africane ale Colecției Marino și Paola Golinelli
Lucrări de Joël Andrianomearisoa (Antananarivo, Madagascar, 1977), Abdoulaye Konaté (Diré, Mali 1953), Gonçalo Mabunda (Maputo, Mozambic, 1975), Cameron Platter (Johannesburg, Africa de Sud, 1978), Pascale Marthine Tayouéu, (Cameroon, 1967), , 1957), Ouattara Watts, (Abidjan, Coasta de Fildeș, 2010), toate realizate în ultimul deceniu, într-un parcurs coerent cu abordarea multidisciplinară și didactică a artei pe care Fundația Golinelli o propune prin activitățile zonei de proiect Artă, Știință și Cunoașterea, în special prin expozițiile majore organizate anual din XNUMX.
Cele 11 lucrări prezente la Opificio Golinelli au fost alese dintre cele aproximativ 600 de lucrări din Colecția Golinelli. Diferite între ele în limbajele folosite și în exprimarea poeticii individuale, ele sunt totuși combinate prin utilizarea comună a unor tehnici puternic marcate de măiestrie, prin recuperarea și transformarea materialelor găsite, prin plasarea la jumătatea distanței dintre cultura originea si experienta occidentala. Caracteristici care vor fi explorate în activitățile didactice și de laborator propuse de tutorii Fundației Golinelli, lucrând pe teme, precum reutilizarea, care nu sunt doar corecte din punct de vedere politic și antropologic, dar care constituie astăzi una dintre cele mai sofisticate și actuale forme de expresie. cercetare nu numai în artă, ci și în design, arhitectură, chiar și cinema.
Jean Apollinaire Tayou s-a născut în Yaoundé, Camerun, în 1967. La mijlocul anilor XNUMX, și-a schimbat numele, declinându-l într-unul feminin, devenind astfel Pascale Marthine Tayou. Opera lui Tayou este strâns legată de ideea de călătorie și de întâlniri cu celălalt. Cea a călătorului pentru Pascale Tayou nu este doar o condiție de viață, ci o condiție psihologică, explorând teme contemporane precum cele ale identității, aproprierii culturale, permeabilitatea granițelor în raport cu migrațiile umane. Tayou a făcut din condiția sa de imigrant expresia unei întregi generații de bărbați și artiști: cei care se plasează „la jumătatea distanței” între cultura lor originală și experiența occidentală; African în spirit, dar în același timp noi cetățeni europeni; dezorientat şi post-colonial. În sculpturile colorate în formă umană ale Fashion Street, Tayou combină sticlă, bureți, lână, plastic, piele, mărgele și scoici și alte materiale reciclate într-o lucrare care este strâns legată de mediul său cultural specific. „Rochiile” purtate de figuri sunt inspirate din formele tribale africane, combinate cu obiecte care provin din societatea europeană de consum. Figurile în sine sunt construite cu sticlă produsă la câțiva kilometri de Florența.
Artistii…
Născut în Abidjan (Coasta de Fildeș) în 1957, Ouattara Watts a studiat într-o școală religioasă și a primit o inițiere timpurie în ritualurile șamanice, în ciuda faptului că locuia într-un oraș mare și, prin urmare, era expus și culturii urbane. O condiție care se încadrează asupra modernității și tradiției care se va reflecta în lucrările sale. În 1977 s-a mutat la Paris pentru a studia la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts. În capitala Franței, la sfârșitul anilor optzeci, îl întâlnește pe Jean Michel Basquiat, cu care devine prieten, care îl va convinge să se mute la New York, unde locuiește și astăzi. Autor al unei picturi vibrante de culori, materiale și semne hipnotice, Watts explorează identitatea multiculturală și simțul spiritualității în societatea contemporană. De-a lungul timpului a dezvoltat un cod expresiv bogat, un alfabet de forme, cifre, litere, simboluri științifice și religioase, pe care le folosește, îmbinându-l cu folosirea obiectelor găsite și reciclate, a fotografiei și a altor medii, pentru a-și comunica dinamica și poetica. viziunea asupra societății și istoriei și abordarea sa personală a metafizicii. Lucrările ei evocă Africa ancestrală dar și influențele unor artiști precum Picasso sau Cy Twombly, rămânând parcă suspendate între două lumi, creând o punte între ele. „Viziunea mea nu se bazează pe apartenența la o țară sau un continent – spune artistul – ci trece dincolo de geografie, dincolo de ceea ce se vede pe o hartă. Chiar dacă unele dintre elementele mele picturale pot fi raportate la o anumită cultură, și astfel pot fi mai bine înțelese, munca mea se referă la ceva mult mai larg, se referă la Cosmos”. Le Fleurs du Mal I citează celebra colecție de poezii a lui Baudelaire - care tratează teme metafizice, teologice și exotice - și combină utilizarea unei țesături orientale prețioase, imagini cu figuri demonice, linii de numere care simbolizează traseele sclavilor și forme biomorfe. sau elementară, trasată după o formă de improvizație care amintește de jazz.
Artistul sud-african Cameron Platter (Johannesburg, 1978, locuiește în Cape Town și KwaZulu Natal) își concepe opera ca pe o formă de reportaj, care descrie ceea ce vede în jurul său: «cluburi de noapte, fast-food, povești cu crime, lumea artei , TV, filme, politică, consumism...”. Realitatea, cu varietatea ei inepuizabilă și complexitatea extraordinară, îi oferă un repertoriu de imagini pe care artistul le împrăștie apoi prin mai multe medii: desen, pictură, sculptură, fotografie, tapiserii, desen de perete, video. Ceea ce este obișnuit și marginal în opera sa este plin de semnificații incendiare, comunicate într-un mod extrem de direct, o denunțare a consumerismului, a degradarii, a inegalității, a conflictelor latente care străbat societatea sud-africană. Limbajul său imediat și subversiv este inspirat din lumea copilăriei și a artei populare, dar și din linogravurile unui maestru al artei sud-africane precum John Muafangejo și din afișele de protest. Risk este un mare desen pastel pe hârtie, o tehnică utilizată pe scară largă de artist, cu câmpuri de culoare plate și o utilizare foarte grafică a alb-negru care face ca lucrarea să pară o gravură. Aparține unei serii de lucrări de format mare pe care Platter le consideră „Purale Murale Nomade”, conform definiției lui Le Courbusier pentru tapiserii. „Este ceea ce faci care te pune în pericol!!!” (Este ceea ce faci care te pune în pericol!!!) citim în centrul lucrării. Scrisul este însoțit de imaginea unei găini care ocupă aproape toată suprafața, ieșind în evidență pe un fundal decorat cu un motiv stilizat de sute de ouă proaspăt depuse. Animalele sunt adesea folosite în lucrările lui Platter ca o oglindă a comportamentelor umane. În acest caz se face referire la creșterea constantă a ritmurilor de producție, la ore de lucru din ce în ce mai pline și mai lungi, în special pentru lucrătorii mai puțin calificați, ceea ce contrastează cu nevoile fiziologice de pauze și odihnă, crescând riscul de îmbolnăvire, accidentări, stres.
Titlul pe care l-a ales Joël Andrianomearisoa (Antananarivo, Madagascar, 1977) pentru această lucrare nu este întâmplător: Untitled – Few of my favorite Things. De fapt, lucrarea prezintă câteva dintre elementele caracteristice ale operei sale. În primul rând, materialul folosit: țesătura, care amintește de pregătirea sa, care a început la vârsta de doisprezece ani la academia de modă din Madagascarul natal. În al doilea rând formele: radical geometrice. În al treilea rând, culoarea: negru, care oferă artistului «posibilități infinite. În fiecare piesă, trebuie să găsesc variații în spectrul negrului, diferite poziții ale negrului. Nu este doar o culoare, ci și o atitudine... vizează universalul». După primele studii în Madagascarul natal, Andrianomearisoa și-a continuat pregătirea la Paris, Ecole Speciale d'Architecture, unde a fost elevul lui Odile Decq, simțind efectele atmosferelor sale „întunecate” care caracterizează lucrările celebrului arhitect. A ajuns apoi la o concepție pe care a numit-o „archi-clothing”: o practică care ocupă un teritoriu hibrid între artă, modă, design, arhitectură. Această mare tapiserie dreptunghiulară participă și la contribuțiile dintre aceste diferite sectoare, compuse din resturi geometrice de țesături care declină o scară infinită de negru, într-o suprapunere de straturi care atinge o densitate tridimensională și sculpturală. O lucrare care ia naștere dintr-o serie de manipulări care duc în realizarea lor la rezultatul final, rezultat al nevoii de a fi surprins de obiectele care se nasc din propriile mâini.
Gonçalo Mabunda (Maputo, 1975) lucrează la memoria colectivă a țării sale, Mozambic, care a trăit un lung și teribil război civil care a început când era copil, la scurt timp după independența față de Portugalia, la sfârșitul a cinci secole de colonizare. Sculpturile sale sunt realizate cu arme confiscate de la gherilele la finalul conflictului, care a durat din 1977 până în 1992. Reciclate în forme antropomorfe care se referă la măștile tradiționale africane - diferite în fiecare regiune a continentului și o sursă de inspirație pentru atât de multe. Arta occidentală, de la Picasso la Braque până la mai contemporanul Thomas Houseago- armele folosite de Mabunda au o semnificație puternică de denunț politic dar, în același timp, propun o reflecție pozitivă asupra capacității artei de a transforma lucrurile. O abilitate care aparține în special creativității africane, un maestru în reciclarea a ceea ce există deja, adesea deșeuri sau materiale fără valoare, dând viață unor lucrări frumoase. Surprinzătoare, ironice și imaginative, măștile sunt flancate, în opera lui Mabunda, de lucrări mai mari care iau forma unor tronuri, aparent asemănătoare expresiilor artei de curte africane foarte căutate de colecționarii internaționali. Realizate tot cu arme dezactivate, ele prezintă o referire deschisă la simbolologia tribală a puterii, cu intenția de a denunța responsabilitățile politicienilor pentru o situație de instabilitate care generează încă o dată violență în țară. Mozambic este singura națiune din lume care are o armă de foc ca simbol pe steagul său.
Abdoulaye Konaté (1953, Diré. Trăiește în Bamako) este un artist malian printre cei mai recunoscuti de pe continentul african. Cercetările sale se mișcă între conflictele lumii moderne și tradiția artizanală a țării sale de origine. Tipic pentru semnul său stilistic sunt „tapiseriile” de format mare în care sute de fâșii de țesătură vopsite manual, în principal bumbac (una dintre culturile fundamentale din Mali), cascadă și se combină în efecte cromatice fascinante. Cu aceste lucrări, artistul face referire la tradiția vest-africană de a folosi țesăturile ca mijloc de comemorare și comunicare. Orientată inițial către abstracție, cercetările lui Konaté s-au deschis apoi din ce în ce mai mult către referințe la realitate și social, legându-se de evenimentele actuale geopolitice, de teme precum războiul, lupta pentru putere, religia, globalizarea, schimbările ecologice și epidemia de SIDA. În ultimii ani, multe dintre lucrările sale se referă la războiul civil din Mali dintre forțele guvernamentale, separatiștii tuaregi și rebelii islamiști, criticând toate formele de violență motivate în termeni religioși sau etnici. În itinerariul lui Konatè este deosebită lucrarea Koré Dugaw (Mali), o instalație constând dintr-o tapiserie mare cu figuri care poartă măști și obiecte simbolice tipice uneia dintre societățile inițiatice bambare, Koré, și un manechin care poartă o pelerină colorată cu franjuri. În cuvintele autorului, „această lucrare monumentală este un omagiu adus grupului de inițiați Korè Dugaw, foarte important pentru cultura maliană, deoarece reprezintă partea cea mai deschisă a societății. Într-adevăr, inițiaților li se acordă libertate totală de exprimare: se pot exprima liber și critica toate aspectele societății, lansând chiar critici vehemente împotriva exponenților politicii, culturii etc. Mantaua fetișală devine și aici armură și reprezintă rolul de autoritate absolută a acestor „preoți ai ideilor”.
