Ao longo de seus cinquenta anos de casamento, o casal embarcou em uma jornada inspiradora nos negócios, na família e no colecionismo, uma parceria amorosa que resultou em uma excelente coleção de obras de arte. A seleção Impressionista e Moderna compreende 16 lotes. Obras adicionais da coleção serão vendidas na American Art Sale em Nova York em 20 de novembro e na Old Evening Sale Sale em Londres em 6 de dezembro. Juntos, a arrecadação deve chegar a US$ 50 milhões.
Nascido no Brooklyn em 1926, Herbert J. Klapper era filho de um vendedor de máquinas de costura; sua futura esposa, Adele, nasceu três anos depois no Brooklyn, filha de imigrantes europeus. Tanto Herbert quanto Adele Klapper personificaram o ambicioso “sonho americano” do século XNUMX. A Sra. Klapper largou a faculdade para ajudar no sustento da família. Depois de voltar do serviço militar, Klapper começou a trabalhar na empresa de vendas de máquinas de costura de seu pai no distrito de vestuário de Manhattan; nas proximidades, Adele Klapper era contratada pelo International Ladies Garment Workers Union. E foi assim que um encontro casual entre o jovem Herbert e Adele em um almoço em um restaurante local forneceu a centelha para o que se tornaria meio século de casamento.
O extraordinário sucesso comercial da Klappers veio depois de anos de empreendedorismo e trabalho árduo quando o Sr. Klapper transformou a empresa de seu pai na Superior Sewing Machine and Supply Corporation, fornecedora líder mundial de peças e componentes para máquinas de costura. Na arte, o Sr. Klapper foi capaz de usar essa mesma perspicácia nos negócios e atenção aos detalhes para beneficiar uma coleção particular substancial.
Trabalhando com respeitáveis proprietários de galerias e especialistas em casas de leilões, os Klappers adquiriram constantemente excelentes exemplos de arte dos velhos mestres, impressionista e moderna. A dupla selecionou meticulosamente sua montagem para focar no melhor de artistas como Pablo Picasso, Auguste Rodin, Jean Arp, Claude Monet, Pieter Brueghel, o Jovem, Paul Cézanne, Pierre-Auguste Renoir e Edgar Degas.
Liderando a coleção está A escadaria à Vetheuil di Claude Muitos, 1881 ($ 12-18 milhões). Com sua impressionante profusão de flores e folhas, esta tela ensolarada captura o esplendor do alto verão no jardim de Monet em Vétheuil, uma aldeia rural que o artista chamou de lar de 1878 a 1881. A escada no centro da tela serve como uma composição âncora para uma série de quatro vistas intimamente relacionadas da casa e do jardim, que Monet criou durante o auge do sol de verão. O atual L'escalier à Vétheuil foi provavelmente o primeiro da série a ser criado, sua visão de perto dos degraus despovoados sugerindo que o artista montou seu cavalete no terraço superior para capturar o panorama. A qualidade decorativa das cenas do jardim Vétheuil ficou bem clara para o mercado contemporâneo. Monet vendeu todas as três telas plein air dentro de um ou dois anos de sua execução, mantendo apenas a variante de estúdio da National Gallery. O primeiro proprietário da versão atual foi o magnata da Pennsylvania Railroad, Alexander Cassatt, irmão da pintora impressionista Mary Cassatt e um colecionador pioneiro da American New Painting; a tela entrou em sua coleção por volta de 1883, quando a obra de Monet ainda era pouco conhecida do outro lado do Atlântico. Na primavera do mesmo ano, Monet e sua família se mudaram rio abaixo para Giverny, onde o jardim do artista como tema para a pintura moderna finalmente atingiria seu apogeu. L'escalier à Vétheuil é o último dos quatro da série a permanecer em mãos privadas: uma versão está exposta na National Gallery em Washington; DC, outro está no Norton Simon Museum em Pasadena; e o terceiro foi legado pelo lendário empresário, filantropo e colecionador da Califórnia, A. Jerrold Perenchio, ao Museu de Arte do Condado de Los Angeles em 2014.
A inspiração de Picasso na criação de pastel Mulher acomodado, 1921 ($ 10-15 milhões) foi duplo, perseguindo interesses paralelos em assunto e estilo. A modelo é a esposa do artista, Olga, nascida Khokhlova, que ele conheceu em 1917, quando ela era a dançarina principal do Les Ballets Russes de Serge Diaghilev. Eles se casaram no ano seguinte e logo depois alugaram um apartamento na rue la Boétie, o novo epicentro do comércio de arte parisiense. As vendas estavam fazendo de Picasso um homem rico. Em 4 de fevereiro de 1921, Olga presenteou o marido, com um filho primogênito, o único herdeiro masculino de seu lado da família Ruiz-Picasso. A grata artista celebrou o evento em uma série de desenhos e pinturas da maternidade, ao mesmo tempo em que homenageou Olga como um modelo atemporal de feminilidade graciosa e frutífera em pinturas e retratos de figuras.
Normalmente, Picasso adorava a ideia de trabalhar contra a maré e contrariava "o chamado à ordem" nas proporções aberrantes de rosto e corpo que escolhia usar em suas figuras clássicas. Em Femme accoudée, Picasso submeteu os traços eslavos de Olga a sutis distorções rococós, ampliando o espaço entre seus olhos enquanto miniaturizava seus lábios. Aqui também está presente, como marca da maneira clássica de Picasso, o aparente alargamento dos braços e mãos do modelo. Essa flexibilidade antinaturalista nas formas plásticas deriva de precedentes nos estilos figurativos anteriores de Picasso, bem como em sua prática cubista, e prevaleceria em todos os seus trabalhos subsequentes.
Pintado em 28 de novembro de 1924, busto de femme au Puro azul di Paul Picasso ($ 8-12 milhões) - retratado à esquerda, está entre os mais recentes de uma série de retratos neoclássicos elegantes e assustadoramente enigmáticos que o artista pintou durante os primeiros anos da década. O cabelo escuro, o olhar pensativo e melancólico da babá e as feições refinadas e perfeitamente esculpidas revelam imediatamente a presença e o caráter de Olga Khokhlova. Esta pintura mostra o auge e o poder sutil de expressão que Picasso poderia invocar enquanto trabalhava no estilo urbano e friamente sensual de retrato que Olga inspirou em seu trabalho. Em poucos meses, o fascínio de décadas do artista pelo classicismo daria lugar a uma imersão totalmente transformadora na intensidade convulsiva da revolução surrealista.
Pintado em 1896, Dançarino ($ 6-8 milhões) está entre as obras mais importantes de Henry de Toulouse-Lautrec no tema balé. Quando Lautrec entrou em seu estúdio, ele olhou para sua modelo enquanto ela ajustava as camadas de tule no tutu de balé que acabara de vestir em preparação para a sessão de trabalho juntos. Encostada a um grande espelho, a jovem aparecia para a artista como se estivesse se curvando para uma plateia. Sua postura descentrada, o polígono anguloso dos ombros e os braços dobrados para trás criaram um efeito de contrapposto extemporâneo e pictoricamente perfeito. Apreciando rapidamente a beleza do momento, Lautrec pintou seu modelo assim. O resultado é uma pintura silenciosa e misteriosa, um sucesso fortuito de tempo e observação, uma evocação sensível de uma figura solitária em um ambiente íntimo e melancólico. A Danseuse de Lautrec inclui em sua ilustre proveniência o renomado negociante alemão Justin K. Thannhauser, cuja coleção ganhou sua própria ala no Museu Solomon R. Guggenheim, em Nova York. Um proprietário subsequente foi Arthur Murray, um especialista em dança de salão, que desenvolveu aulas e treinou instrutores no negócio. Em 1938, Murray fundou a franquia de dança que leva seu nome.
