Como todo final de dezembro, ao se despedir do ano que passou, há vontade de fazer um balanço e fazer rankings das coisas notáveis que aconteceram nos 12 meses que ficaram para trás.
Um dos exercícios preferidos consiste em extrair da massa de eventos culturais e exposições os mais notáveis realizados em todo o mundo. É claro que muitos não poderão mais ser vistos, mas ainda existem catálogos e recursos na web e nas redes sociais aos quais recorrer como prêmio de consolação. É por isso que não é um exercício vão elaborar estes rankings. Para o público certamente não é o mesmo que assistir ao vivo, mas pelo menos pode ajudar a aliviar o preconceito FoMO (Fear of Missing Out).
Com a ajuda da crítica de arte de “Financial Times" Jackie Wullschläger destacamos 12 exposições verdadeiramente importantes. Alguns ainda estão abertos e você pode encontrá-los primeiro na lista a seguir, começando pelos que estão fechando mais iminentemente.
Exposições de arte ainda abertas à visitação
Manet/Degas
Nova Iorque, Museu Metropolitano de Arte Moderna, até 7 de janeiro de 2024
Ambos parisienses de famílias ricas de classe alta Edouard Manet (1832-1883) ed. Edgar Degas (1834-1917) eram contemporâneos, frequentavam-se, respeitavam-se, imitavam-se mas também, digamos, odiavam-se sem, contudo, qualquer aspereza.
Manet era extrovertido e falante, Degas reservado e monstruoso. Politicamente Manet estava à esquerda e Degas à direita, mas artisticamente os papéis estavam invertidos: o primeiro era conservador, o segundo um inovador.
Manet nunca quis ingressar noimpressionismo que ele também inspirou. Recusou-se a participar da exposição de pintores impressionistas em 1874, enquanto Degas, que se sentia parte do movimento, ali expôs.
Quando Degas deu a Manet um retrato de família com o pintor relaxado em um sofá e sua esposa ao piano coberta ao meio por uma faixa colorida, Manet ficou furioso e devolveu-o para ele. Não havia intenção em Degas. Naquela época ele pintava assim, com os rostos e figuras recortadas.
A exposição MET mostra as interligações entre os dois artistas com “uma câmara de combustão no centro”, nas palavras do crítico de arte do “New York Times”.
Rivalidade como este ou aquele entre Matisse e Picasso, eles alimentam a locomotiva da arte.
Kehinde Wiley | Um Labirinto de Poder
Paris, Museu Quai Branly Jacques Chirac, até 14 de janeiro de 2024
Em todas as épocas há um Jacques-Louis David para retratar com pincéis numa grande tela e com certa pompa o ilustre à frente de uma nação.
No entanto, se devemos falar de retratos de pessoas ilustres, penso que a série "Homens de Armas" permanece insuperável, os oito afrescos em tamanho real de Donato Bramante em Brera ou os de Andrea del Castagno na Galeria Uffizi.
O artista contemporâneo que traz à mente estes feitos pictóricos é afro-americano Kehinde Wiley (1977—), já convocado por Obama para que o seu retrato fosse remetido para a história.
No Museu do Quai Branly, Wiley exibe 11 retratos coloridos de chefes de estado africanos sob o título “Labirinto de Poder”.
Este é um projeto no qual o pintor trabalha há 12 anos. Ele viajou por toda a África para encontrar a maneira correta de representar a sua classe dominante.
A partir desta obra toma forma a absoluta originalidade figurativa de Wiley, expressando a variedade, a opulência, a sumptuosidade e também o orgulho de África.
Uma exibição de poder, de seus líderes, representada com cores vivas, ambientes refinados e educados cuja visão é como um sonho que acontece na floresta tropical.
Max Beckmann: os anos de formação, 1915-1925
Nova Iorque, Galeria Neue, até 15 de janeiro de 2024
Não é apenas a guerra que é atroz, “um massacre desnecessário e um grande crime”, como disse o Presidente Woodrow.
O pintor expressionista alemão dá forma e cores a esta verdade Max Beckmann (1884-1950). Lá Neue Galerie em Nova York dedica-lhe uma retrospectiva “Max Beckmann: The Formative Years, 1915-1925”.
E pensar que Beckmann se ofereceu como voluntário para a Frente Ocidental. No outono de 1914 ele participou da sangrenta batalha de Ypres. Poucos meses depois, ele recebeu alta devido ao esgotamento nervoso.
Ypres também foi um ponto de viragem para a sua arte. Dos retratos e paisagens ao modo como as suas pinturas começaram a assumir cada vez mais a figuração de Hieronymus Bosch, com o grotesco do pintor flamengo a desviar-se para a desoladamente irónica das pinturas e gravuras do alemão.
Este é, por exemplo, o portfólio de 10 litografias de 1919 intitulado “Inferno” (Hölle), parcialmente exposto em Nova Iorque.
Aqui você também pode ver O Martírio, litografia de 2019, onde o corpo sem vida de Rosa Luxemburgo tem a disposição simétrica do corpo sem vida de Cristo na Deposição da Cruz de 1917.
Vertigem da cor: Matisse, Derain e as origens do fauvismo
Nova Iorque, Museu Metropolitano, até 21 de janeiro
Il metropolitano exibe 65 obras de dois artistas protagonistas de uma emocionante experiência com a cor: Henri Matisse (1869-1955) e André Derain (1880-1950). A cor tornou-se o meio pelo qual adaptaram a realidade à sua forma de vê-la e senti-la.
E os tons de cores que utilizavam eram tão fortes, vertiginosos e “inventados” que para muitos pareciam “bárbaros” quando comparados com a “educação” dos grandes mestres do impressionismo. A paleta Matisse/Derain deu vida a uma pintura de imaginação e não de impressão. Por isso se tornaram os “fauve”. E de fauvismo nasce a arte moderna.
Matisse e Derain são dois artistas muito diferentes, mas durante um curto verão em 1905, na pequena vila piscatória de Collioure, ao sul de Perpignan, perto da fronteira catalã, eles se conheceram e "olharam para o horizonte [do Golfo de Leão] com o mesmo estilo estilístico". lente”, escreve Wullschläger.
Naquele verão de experiências compartilhadas, Matisse e Derain eram tão contíguos artisticamente que é difícil distinguir as pinturas de um dos outros. O jovem Derain, então com 25 anos, já era intrinsecamente Fauve, mas Matisse, 10 anos mais velho, teve que superar fortes condicionamentos que vinham de sua formação acadêmica. Mas, sendo o grande inovador que foi, ele fez isso de forma brilhante.
Frank Hals
Londres, National Gallery, até 21 de janeiro de 2024
Amsterdã, museu nacional, 16 de fevereiro a 9 de junho de 2024
Berlim, Gemäldegalerie, 12 de julho a 3 de novembro de 2024
La Galeria Nacional em Londres expõe, em oito salas, uma das maiores retrospectivas do pintor holandês Frans Hals (1582-1666). A exposição continuará então Amsterdam e então para Berlim podendo, portanto, ser visitado até 3 de novembro de 2024.
A retrospectiva consiste em 50 das principais pinturas do artista de Haarlem que revolucionou a forma de fazer este gênero de pintura.
Pescoço retrata a burguesia de Antuérpia, Haarlem, Amsterdã e outras cidades. Uma classe empreendedora que transformou a jovem República Holandesa do século XVII numa potência mundial a nível comercial e económico.
Hals pinta esses homens, mulheres e crianças em um estilo de pintura solto e espontâneo, diretamente na tela, sem desenho. O espírito ativo, prático, dinâmico e vital desta burguesia é magistralmente representado nas pinturas do pintor, inclusive em grandes formatos e coletivas.
Hals nem sequer desdenha retratar as pessoas que lotam as ruas e tabernas das frenéticas cidades holandesas, uma humanidade que dá cor e vida a estes lugares e também às telas de Hals.
Van Gogh disse dele: “ele pintou retratos, nada além de retratos… mas são tão bons quanto o Paraíso de Dante, os Michelangelos, os Rafael e até os Gregos”.
Mark Rothko 1903-1970
Paris, Fundação Louis Vuitton, até 2 de abril de 2024
O clima do mundo, como certas pinturas de Mark Rothko (1903-1970), tende cada vez mais a sombrear em direção ao escuro. Os grandes fundos de cor polida, criados pelo pintor báltico, geram uma perturbação semelhante ao luto. Esse sentimento para o qual somos empurrados pela imagem coletiva do mundo atual.
E aqui, até 2 de abril de 2024, podemos visitar a maior retrospectiva da arte de Rotkho já vista. É realizado em Fundação Louis Vuitton em Paris. Só por si já vale uma viagem à capital francesa.
A retrospectiva reúne 115 funciona. Está organizado cronologicamente e descreve o percurso do artista desde a experiência figurativa da década de XNUMX até, através do Surrealismo, o Expressionismo Abstrato.
Rothko teve uma visão panorâmica de suas obras até o ambiente em que foram exibidas. Em Paris você pode ver uma das Salas Rotkho, aquela montada para o colecionador Duncan Phillips, inaugurada por John Kennedy em 1961 em Nova York durante uma tempestade de neve.
Saindo da exposição o visitante terá o impulso de ir até Houston, no Texas, para visitar a Capela Rothko. 14 grandes murais negros em espaço ecumênico e não confessional construídos com a contribuição do próprio artista.
Exposições de arte encerradas
Destaque para Reynolds
Londres, Kenwood House, até 23 de novembro de 2023
Como Vittore Carpaccio é a expressão pictórica do espírito de iniciativa e engenhosidade mercantil de Veneza, portanto a obra de Josué Reynolds (1723-1792) é a representação do espírito das grandes famílias do século dos três reis Jorge (1714-1820) que viu nascer o império e a revolução industrial.
Para marcar o 300º aniversário do nascimento do artista de Plymouth, a Kenwood House em Londres organizou uma exposição gratuita, "Spotlight on Reynolds".
As obras expostas são pinturas de expoentes da alta sociedade que também foram seus clientes. Há também o primeiro retrato, não ligado à escravidão, de uma pessoa negra, uma polinésia chamada Mai.
Neste notável trabalho de National Gallery, Reynolds parece incorporar ideias iluministas de todo o Canal da Mancha, como a do nobre selvagem de Rousseau. Um dos retratos em exposição é o de Lord Mansfield, o jurista inovador, cuja decisão Somerset vs Stewart de 1772 colocou a Grã-Bretanha no caminho da abolição da escravatura.
O pincel de Reynolds deu aos personagens mundanos, em competição acirrada por posições de poder e negócios dentro da corte georgiana, a dignidade de personagens lendários e heróicos retratados em poses solenes e contra cenários de palco. Raça superior legitimada pelo art.
Quarto com uma vista. Aby Warburg, Florença e o laboratório de imagem
Florença, Galeria Uffizeu, até 10 de dezembro de 2023
Florença foi uma epifania para o brilhante historiador da arte Abby Warburg (1866-1929), fundador dos estudos iconográficos. Florença para ele era uma imensa mina visual.
O ex-diretor do Uffizi Eike Schmidt, juntamente com o Kunsthistorisches Institut de Florenz, o Max-Planck-Institut e o Warburg Institute, trouxeram para Florença alguns painéis de uma obra única concebida por Warburg: o Bilderatlas Mnemosyne (Atlas de Imagens da memória ).
Para criá-lo, o estudioso alemão escolheu e dispôs 917 imagens em 63 grandes painéis (1,5x1,25 m) envoltos em tela preta, criando algo semelhante a um site físico.
Cada painel desenvolveu um tema e articulou-o nas suas possíveis conexões que, como escreve Gombrich, “explicaram a sua visão das forças que determinaram a evolução da mentalidade ocidental”. Ele os compôs como uma teia de elos que atravessam séculos, gêneros e culturas em um cabo de vassoura.
Em Florença, foram expostos alguns painéis com mais de 100 fotografias, desenhos e documentos totalmente contextualizados com obras de referência como Primavera, de Botticelli. O painel Warburg, aliás, foi encontrado na mesma sala da fonte.
Van Gogh em Auvers-sur-Oise nos dias anteriores
Amsterdã, Van Gogh Museum, 12 de maio a 3 de setembro de 2023
Paris, Musée D'Orsay, até 4 de fevereiro
Nos três meses, de 20 de maio a 29 de julho de 1890, Vincent Van Gogh (1853-1890) viveu na pequena aldeia de Auvers-sur-Oise, a 42 quilómetros de Paris. Aqui ele produziu uma quantidade surpreendente de algumas das pinturas mais célebres, como o Campo de Trigo com Voo dos Corvos, o Retrato do Doutor Gachet, a Igreja de Auvers-sur-Oise, a Casa de Campo entre as Árvores, O Jardim de Daubigny, o Campo de trigo com ceifeiro.
A maioria das 70 pinturas criadas nestes três meses cruciais estão expostas no Museu Orsay.
Van Gogh mudou-se para Auvers-sur-Oise algumas semanas depois de deixar o asilo em St Remy, na Provença, convencido de que o seu distúrbio mental derivava em parte do clima e da paisagem do sul e que a vegetação repousante do norte seria ajudar a curar.
Essa passagem está bem descrita no filme de 2018 de Julian Schnabel, Van Gogh – No Limite da Eternidade (Prime Video), com um extraordinário Willem Dafoe indicado ao Oscar e ao Globo de Ouro no papel do pintor.
Em Paris também é possível ver a última pintura, Raízes da Árvore, realizada na manhã de 29 de julho de 1890, na qual o artista tirou a própria vida. Tinta espessa, irregular e nodosa, como uma raiz.
Vermeer
Amsterdã, museu nacional, 14 de fevereiro a 4 de junho de 2023
Ao pintar a fama de Johannes Vermeer (1632-1675) no mundo é igual ao de Leonardo. Charles Swann, o protagonista do primeiro livro da Recherche de Proust, é um estudioso de Vermeer. E há algumas páginas lindas e famosas do mestre holandês. Na obra de Proust, Vermeer é citado 15 vezes, contra 6 de Leonardo, 11 de Botticelli e 13 de Rembrandt.
Il museu nacional para esta exposição, já esgotada desde o segundo dia como os concertos de Taylor Swift, recolheu 28 das 37 pinturas sobreviventes do pintor Delf. Foi sem dúvida a exposição mais esperada da década.
Este pequeno corpus de obras foi distribuído em 10 salas, permitindo respirar às pinturas e também aos visitantes, evitando multidões e permitindo as paragens que as meticulosas e meticulosas pinturas de pequeno formato de Vermeer exigem para apreciar plenamente o seu valor e significado.
A exposição abre com a Vista de Delf com A Rua de Delf ao lado, a única outra pintura de paisagem do pintor. Seguido pela Mulher lendo uma carta em frente à janela e pela Leiteira. E assim por diante…
O efeito é “monumental, quase vertiginoso”, escreve Wullschläger.
Lisetta Carmi joga duro
Florença, Museu Bardini, até 22 de outubro de 2023
Lisetta Carmi: Identidades
Londres, Coleção Estorick, até 17 de dezembro de 2023
Com formação como pianista e, portanto, um dos maiores fotógrafos a nível internacional, o genovês liseta Carmi (1924-2022) faleceu aos 98 anos no verão de 2022. Uma longa carreira com experiência cosmopolita que começa em Génova onde na década de 60 criou reportagens sobre os estivadores, os camalli, e também sobre Ezra Pound, 12 anos. retratos sem nunca trocar uma palavra com o poeta.
Em 1965 criou a famosa reportagem sobre as travestis do gueto judeu de Gênova, da qual Fabrizio de André se inspirou para uma de suas canções mais famosas.
Algumas fotos de transgêneros foram exibidas em Londres, em Coleção Estorick, juntamente com alguns retratos de estivadores de Gênova.
A exposição de Museu Bardini incluía 180 fotografias tiradas entre as décadas de 1966 e XNUMX. Em Florença também foram publicadas duas seções inéditas dedicadas à enchente de XNUMX e ao compositor florentino Luigi Dallapiccola.
Numa entrevista de 2019, Lisetta Carmi declarou: “Dei voz aos pobres, aos que não podem falar, aos que não têm o direito de falar. Em tudo sempre fotografei os últimos."
Grande parte do trabalho fotográfico de Carmi, aliás, documenta a condição social e humana das classes trabalhadoras.
Para Wullschläger Lisetta Carmi foi a descoberta de 2023.
Artistas em guerra
Turim, Museu Rivoli, 15 de março a 19 de novembro de 2023
No sótão do Castello di Rivoli os dois curadores da exposição Carolyn Christov-Bakargiev e Marianna Vecellio eles reuniram mais de 140 obras de 39 artistas que estiveram ou estão em situações de guerra.
A exposição foi encerrada poucas semanas antesacontecimentos trágicos de 7 de Outubro em Israel e Gaza. Se existissem também as obras criadas após esta situação bárbara, a exposição poderia ter sido emocionalmente muito mais sombria e angustiante.
Encontrar-se numa situação de guerra, como vimos com Max Beckmann, pode significar muito para um artista, como também emerge nas obras expostas em Torino.
Aqui é possível ver obras de artistas que viveram em diversos contextos de guerra como Francisco Goya, Salvador Dalí, Pablo Picasso, Lee Miller, Zoran Mušič, Alberto Burri, Fabio Mauri, Bracha L. Ettinger, Anri Sala, Michael Rakowitz, Dinh Q. Lê, Vu Giang Huong, Rahraw Omarzad e Nikita Kadan.
O itinerário expositivo começa, e não poderia ser de outra forma, com as gravuras dos Desastres de la Guerra, 83 gravuras de Francisco Goya realizadas entre 1810 e 1815. Um dos mais notáveis documentos artísticos sobre atrocidade e horror De guerra. Franceses matando espanhóis e espanhóis matando franceses. Uma carnificina.
Boas festas.
