Titulada "Philip Guston and The Poets", la exposición ofrece una reflexión sobre las formas en que el artista se relacionó con las fuentes de inspiración, examinando cinco poetas fundamentales del siglo XX, que fueron los catalizadores de las enigmáticas pinturas y visiones de Guston. Se recorren cincuenta años de la carrera artística de Guston a través de la exposición de 50 pinturas consideradas entre sus obras maestras y 25 dibujos fundamentales que datan de 1930 a 1980, el último año de vida del artista. Se establecen así paralelismos entre los temas humanísticos, reflejados en estas obras, y el lenguaje y la prosa de cinco poetas: DH Lawrence (Gran Bretaña, 1885 - 1930), WB Yeats (Irlanda, 1865 - 1939), Wallace Stevens (Estados Unidos, 1879 – 1955), Eugenio Montale (Italia, 1896 – 1981) y TS Eliot (Gran Bretaña, estadounidense de nacimiento, 1888 – 1965).
La exposición “Philip Guston and The Poets”, abierta hasta el 3 de septiembre, está comisariada por Kosme de Barañano y organizada por la Gallerie dell'Accademia de Venecia en colaboración con el Estate de Philip Guston. El mobiliario de la exposición está comisariado por el estudio GRISDAINESE de Padua.
La exposición es un "estreno" de Philip Guston en la ciudad que ejerció una profunda influencia en su obra y es al mismo tiempo un homenaje a la relación del artista con Italia. Desde muy joven, en la creación de murales, se inspiró en los frescos del Renacimiento y, de hecho, este amor suyo por la pintura italiana se mantuvo como un leitmotiv a lo largo de su carrera.
En una carta de 1975 dirigida a su amigo Bill Berkson, importante poeta, crítico y docente, Guston afirmaba: “¡Estoy más que nunca inmerso en la pintura de los siglos XV y XVI! Y cuando voy al norte a Venecia, frente a Tiepolo, Tintoretto y las obras llamadas manieristas de Pontormo y Parmigianino, pierdo la cabeza y traiciono a mis primeros amores”.
Paola Marini, directora de la Gallerie dell'Accademia afirma: “Estamos felices de presentar la primera exposición en Venecia sobre Philip Guston. El regreso del artista a nuestra ciudad es especialmente pertinente, ya que fue aquí donde se sumergió en una historia y un patrimonio importantes para su desarrollo artístico posterior. Sabemos por sus propios escritos de su época italiana que las pinturas que admiraba en los salones de la Academia ejercieron una enorme influencia en su visión artística. Contextualizar la obra de Guston, fomentar sus estudios y una nueva interpretación es para nosotros un verdadero placer”.
Musa Mayer, hija del artista y presidenta de la Fundación Philip Guston, recuerda: “Con motivo de la exposición de Guston en el Pabellón de los Estados Unidos en la Bienal de Venecia de 1960, mi padre nos llevó a mi madre y a mí a Italia antes de mi partida hacia la universidad. . Venecia y las Galerías de la Academia fueron nuestra primera parada. Más de medio siglo después, todavía tengo fuertes recuerdos de su amor por las grandes obras maestras del arte italiano. Mi padre estaría profundamente conmovido y honrado por esta maravillosa oportunidad de exhibir su trabajo en la galería de pintura que tanto amaba".
“El amor de Guston por Italia añade una rica y compleja profundidad de textura a su pintura”, escribió el curador Kosme de Barañano. “Ahora, cuando miramos su arte a través de los ojos y la prosa de los literatos que fueron sus parientes, algunos de los cuales se sintió atraído y de quienes se inspiró a lo largo de su vida, otros que leyó solo ocasionalmente, podemos estudiar cómo sus palabras comparten una afinidad con la complejidad de las obras posteriores de Guston".
La exposición
"Philip Guston and The Poets" está organizado por núcleos temáticos de obras relacionadas con una selección de escritos y poemas de los cinco poetas. Comenzando con el ensayo de 1929 de DH Lawrence "Making Pictures", la pintura de Guston se presentará mediante una exploración de su mundo de imágenes, pasando de una reflexión sobre el acto creativo a una sobre las posibilidades contenidas en la pintura. Con obras pertenecientes tanto a su obra juvenil como a la más madura, la exposición ahonda en el viaje íntimo de Philip Guston hacia una "conciencia visionaria", es decir, la relación, siempre en evolución, con las formas, las imágenes, las ideas y su manifestación física.
En cuanto a la relación con los escritos de Yeats, el viaje de Guston en busca de una visión personal de la pintura se desarrolla en particular a través del poema "Bizancio" de 1930. Al igual que en Yeats, también en la evolución artística de Guston hay referencias a la agonía y la purificación. El artista se aleja de los enrarecidos confines del modernismo, del lenguaje de la abstracción y de los cánones de la Escuela de Nueva York para transitar hacia una nueva estructura pictórica, más expresiva, que traza en la figuración.
Del italiano Eugenio Montale, con quien Guston comparte una poética del fragmento que se expresa a través de símbolos trágicos y poderosos, para llegar a Wallace Stevens y TS Eliot (a quien Guston se refiere explícitamente en el cuadro de 1979 "East Coker - TSE"), La exposición ofrece un recorrido literario por la metafísica, los acertijos y la búsqueda de significado tal como aparecen en la obra de Guston. El trabajo de Guston se presenta en relación con el entorno poético, más que en una secuencia cronológica o de tendencia, como es el caso de las exposiciones más tradicionales. El enfoque curatorial de "Philip Guston and The Poets" permite, por lo tanto, una relectura y una reconsideración en cierto modo sin precedentes de su obra.
La enorme influencia que Italia ha tenido sobre Guston y su pintura se pondrá de manifiesto gracias a la instalación concebida para la Gallerie dell'Accademia. En 1948, un joven Guston visitó Italia por primera vez, habiendo sido galardonado con el Premio de Roma. Regresó nuevamente en 1960, cuando su trabajo fue exhibido en la Bienal de Venecia, y nuevamente en 1970 para una residencia de artistas en Roma. Este nuevo viaje a Italia se produjo tras la ola de críticas suscitadas en torno a su primera exposición de pintura figurativa en Nueva York. Los lienzos más existencialistas de Guston, considerados por algunos "crudos" y "caricaturescos", están impregnados de la influencia de la tradición cultural y artística italiana: desde las visiones urbanas antiguas y modernas que pueblan su serie dedicada a Roma, pasando por las referencias al cine de Federico Fellini, su obra muestra una enorme deuda con los grandes maestros italianos: Masaccio, Piero della Francesca, Giotto, Tiepolo y De Chirico, a quienes rinde homenaje en "Panteón" de 1973. Y, de nuevo, serán exhibió pinturas inspiradas en el Renacimiento, obras que aluden a Cosmè Tura y Giovanni Bellini, y obras creadas por Guston durante sus viajes.
Philip Guston
Philip Guston (1913 – 1980) es una de las grandes luminarias del arte del siglo XX. Su apuesta por producir obras que surjan de emociones y experiencias vividas desarrolla una implicación emocional que se mantiene viva en el tiempo. La carrera histórica de Guston abarca casi medio siglo, desde 1930 hasta 1980, y sus pinturas, especialmente las de sus últimos años, continúan ejerciendo una poderosa influencia en las generaciones más jóvenes de pintores contemporáneos.
Nacido en Montreal en 1913 en una familia de emigrantes judíos rusos, Guston se mudó a California en 1919 con su familia. Asistió brevemente al Instituto de Arte Otis en Los Ángeles en 1930, pero fuera de esta experiencia nunca recibió una educación formal adecuada. En 1935, Guston se fue de Los Ángeles a Nueva York, donde disfrutó de un éxito temprano con la Administración de Obras en Progreso encargando murales a artistas bajo el Proyecto Federal de las Artes. Junto con la fuerte influencia ejercida sobre Guston por el entorno social y político de la década de XNUMX, sus pinturas y murales evocan formas estilizadas de De Chirico y Picasso, motivos de la tracción de los murales mexicanos y los frescos de las casas históricas del Renacimiento. La experiencia como pintor de murales permitió a Guston desarrollar el sentido de la narración a gran escala al que volvería en sus obras figurativas posteriores.
Después de enseñar durante varios años en el Medio Oeste, Guston comenzó a dividir su tiempo entre la colonia de artistas de Woodstock y la ciudad de Nueva York. A fines de la década de XNUMX, después de una década de experimentar con un lenguaje alegórico y figurativo personal para sus pinturas de caballete, Guston comenzó a virar hacia la abstracción. Su estudio en Tenth Street estaba cerca de los de Pollock, De Kooning, Kline y Rothko.
Las obras abstractas de Guston ahora estaban ancladas en una nueva espontaneidad y libertad, un proceso que el crítico Harold Rosenberg describió más tarde como "pintura de acción". A principios de la década de XNUMX, las abstracciones atmosféricas de Guston provocaron comparaciones superficiales con Monet, pero a medida que avanzaba la década, el artista trabajó con empastes más gruesos y colores amenazantes, que dieron paso a grises, rosas y negros.
En 1955 se acercó a la Galería Sidney Janis junto con otros artistas de la Escuela de Nueva York, y estuvo entre los que se marcharon en 1962 en protesta por la exposición de Arte Pop que había montado Janis, y en contra del giro a favor de la comercialización del arte que representaba esta exposición. para ellos. Después de una gran retrospectiva en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York en 1962, Guston se impacientó con un lenguaje de pura abstracción y comenzó a experimentar de nuevo con formas más tangibles. Por lo tanto, el trabajo de los años siguientes se caracterizó por el uso del negro y la introducción de verdes brillantes y azules cobalto, en conjunto inquietantes, angustiosos y gestuales. Este trabajo más oscuro estuvo influenciado por los escritos y la filosofía europeos, especialmente los trabajos de Kierkegaard, Kafka y Sartre. En este punto, Guston se retiró de la escena artística de Nueva York para vivir y trabajar en Woodstock por el resto de su vida.
Para 1968, Guston había abandonado la abstracción, redescubriendo así el potencial narrativo de la pintura y explorando motivos surrealistas y combinaciones de objetos dentro de su obra. Esta "liberación" condujo al período más productivo de toda su vida creativa. Durante los años siguientes, desarrolló un léxico personal de bombillas, libros, relojes, ciudades, cigarrillos, zapatos abandonados y figuras encapuchadas del Ku Klux Klan. Su expresividad pictórica de los años setenta fue a menudo una abierta referencia autobiográfica a la naturaleza: a menudo se repetía la figura del artista enmascarado por una capucha, o tiernos retratos de su esposa Musa, o incluso un Guston semiabstracto envuelto en un capullo. El último trabajo también revela ecos de la vida temprana de Guston, las persecuciones religiosas y raciales que presenció y el suicidio de su padre. Sus últimas obras poseen una libertad creciente, única entre los artistas de su generación. A mediados de la década de XNUMX, aparecieron extrañas formas icónicas nunca antes vistas. “Si hablo de un tema para pintar, quiero decir que hay un lugar olvidado de seres y cosas, que debo recordar”, escribió Guston en una nota de estudio. “Quiero ver este lugar. Pinto lo que quiero ver”.
El trabajo tardío de Guston no fue aceptado fácilmente por los críticos y siguió siendo malinterpretado en gran medida hasta su muerte en 1980. Su trabajo sufrió una reconsideración radical luego de una retrospectiva itinerante en el Museo de Arte Moderno de San Francisco que se inauguró tres semanas antes de su muerte. En los años siguientes se realizaron otras retrospectivas y monografías en Estados Unidos, Europa y Australia. Hoy en día, las últimas pinturas de Guston se consideran entre las obras más importantes del siglo XX.
Nota sobre el editor
Kosme de Barañano es un estudioso emérito de Guston. Ha organizado, entre muchos proyectos, dos importantes exposiciones “Philip Guston: Roots of Drawing” (Rekalde, Bilbao 1993) y “Philip Guston One Shot Paintings” (IVAM, Valencia 2001). Historiador del arte y comisario de renombre internacional, De Barañano fue director del IVAM y subdirector del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofìa de Madrid. Es Doctor en Historia del Arte por la Universidad de Deusto, Bilbao. De Barañano es Catedrático de Historia del Arte en la Universidad del País Vasco y en la Universidad de Elche, España, y ha sido Profesor Visitante en el IUAV de Venecia y en la Universidad Humboldt de Berlín. Ha firmado numerosos libros y ensayos sobre un gran número de temas, desde Pontormo y Max Beckmann hasta Alberto Giacometti y Eduardo Chillida.
Philip Guston: Pintor, 1973, óleo sobre lienzo, 72 3/4 x 80 1/2 pulg. Colección privada. © El patrimonio de Philip Guston. Cortesía de Hauser & Wirth
